Archivos: Portfolio

MOHAMADREZA TAZARI

[IRAN, 2020]   5′ 18″

Art Computacional, Arte digital, renderización 3D.

Computer Art, Digital Art, 3D render.

LARISSA SANSOUR  & SOREN LIND

[DINAMARCA-PALESTINA-REINO UNIDO / DENMARK-PALESTINE-UK, 2019]  28′ 00″

«In Vitro/al Mukhtabar» se desarrolla después de un desastre ecológico. Un reactor nuclear abandonado debajo de la ciudad bíblica de Belén se ha convertido en un enorme huerto. Utilizando las semillas heredadas de sus familias que fueron recolectadas en los últimos días antes del apocalipsis, un grupo de científicos se está preparando para replantar la tierra en la parte superior del reactor. En el ala del hospital del complejo subterráneo, Dunia, fundadora del huerto, a sus 70 años yace en su lecho de muerte, mientras Alia, de 30 años, la visita con frecuencia. Alia, que ha nacido bajo tierra como parte de un programa integral de clonación, nunca ha visto la ciudad que está destinada a reconstruir.

«In Vitro/al Mukhtabar» is set in the aftermath of an eco-disaster. An abandoned nuclear reactor under the biblical town of Bethlehem has been converted into an enormous orchard. Using heirloom seeds collected in the final days before the apocalypse, a group of scientists are preparing to replant the soil above.
In the hospital wing of the underground compound, the orchard’s ailing founder, 70-year-old Dunia is lying in her deathbed, as 30-year-old Alia comes to visit her. Alia is born underground as part of a comprehensive cloning program and has never seen the town she’s destined to rebuild.

LEA PETRÍKOVÁ

[REPÚBLICA CHECA / CZECH REPUBLIC, 2020 ]  18’ 00”

Alice Rahon fue una artista surrealista que trabajo principalmente con la pintura. A finales de la década de 1940, Rahon, junto con su compañero Edward Fitzgerald, realizó su única película, «Le Magicien» (El mago), narrando la historia de un mago al que se le asignó la tarea de crear un nuevo ser humano después de que el mundo hubiera sido destruido por la guerra nuclear. Sin embargo, la película experimental se perdió antes de su finalización y solo quedan algunas fotos y recuerdos de sus creadores. El cortometraje experimental «After the Magician» (Tras el mago), explora la historia de aquella olvidada e inacabada obra y las circunstancias de su producción, expandiéndose en las muchas capas que la inspiradora película proporciona: la historia de un mago que crea un mundo nuevo, los motivos de una pionera subestimada, que fue una de las las primeras directoras mexicanas, el contexto chamánico del personaje mago, la tragedia nuclear, las raíces de Rahon en Francia, y principalmente la ambigüedad de la noción de arte en general. ¿Porque cuál es el valor de una obra de arte? ¿Se vuelve valiosa con el tiempo? ¿Es capaz de aportar valores importantes una película perdida que ni siquiera se presentó? Esta obra también refleja artísticamente el tema más amplio de la invisibilidad en el cine y el arte, basándose en una película no existente que nunca se terminó y presentó, e incluso se perdió, pero que sin embargo, como argumenta este proyecto, todavía puede abrir un diálogo. Aunque «After the Magician» se basa en la historia de una película perdida, no trata sobre la desaparición sino que aborda principalmente la creación: creación de arte, creación de nuevos mundos, creación de vida. Incluso si la película original se ha perdido, su historia continúa. La directora se centra en una potente visualidad inspirada en el surrealismo y con un enfoque contemporáneo en la tecnología digital, apoyándose en experimentos formales en la postproducción, combinando técnicas como la animación y diferentes efectos visuales.

Alice Rahon was a surrealist artist working mostly with painting. At the end of the 1940’s, Rahon, together with her partner Edward Fitzgerald, created her only film, «Le Magicien» (The Magician), narrating a story of a magician who was given the task to create a new human after the world had been destroyed by the nuclear war. However, the experimental film had been lost before its completion -just a few photos and memories of its creators remain. Experimental short film After the Magician explores the forgotten, unfinished film and circumstances of its production, expanding on several layers, that the inspirational film provides with: story of a magician creating new world, motif of an undervalued female film pioneer, who was one of the first Mexican female directors, shamanic context of the magician character, nuclear tragedy, Rahon’s roots in France, and primarily ambiguity of the notion of art in general – what is the value of an artwork? Does it become valuable in time? And is a lost film, that wasn’t even presented, able to bring important values? The film also reflects artistically on the broader theme of invisibility in film and art, drawing on the non-existing film that was never finished and presented, and even got lost, however, as the project argues, is still able to open up a dialogue. Although the project is based on the story of a lost film, «After the Magician» is not about disappearance, it’s mainly about creation: creation of art, creation of new worlds, creation of life. Even if the original film was lost, its story continues. The director focuses on a strong visuality taking inspiration in surrealism with a contemporary approach to digital technology. The film is based on formal experiments with post production, combining techniques such as animation and various VFX.

SANDRA ARAUJO

[PORTUGAL, 2019]   3′ 53″

Colaboración transitional <body> Witch Warrior () == [:::::::::::::>  entre trans dj / productor Odete y la artista visual no binaria queer Sandra Araújo. Aunque las etiquetas no deberían importar ya que (todavía) tienden a objetivar sobre la complejidad humana, saca a la superficie la traducción / representación de <género> en el espacio social. Esta identidad virtual #expresa un concepto sensorial e imaginativo de identificación a través de personajes relacionados con videojuegos. Una forma empática de identidad y una fuerte conexión emocional con el <avatar> como un conjunto de acciones / activos predeterminados que se traducen en herramientas / texto de representación visual.

Transitional < body > Witch Warrior ()==[:::::::::::::> collaboration between trans dj / producer Odete & non-binary queer visual artist Sandra Araújo. Although, labels should not matter as they (still) tend to objectify over human complexity, it brings up to surface the translation / representation of <gender > into social space. This virtual identity #shout(s) out to a sensory and imaginative concept of identification through videogame related characters. An empathic form of identity and strong emotional connection with the < avatar > as a set of default actions / assets that translate into tools / text of visual representation.

MARTA DI FRANCESCO

[REINO UNIDO- UK, 2020]   2′ 30″

Sibyl explora la profecía autocumplida de la predicción. Como el aprendizaje automático permite que la inteligencia artificial haga predicciones mejores y más rápidas, podemos argumentar que estos son un espejo en un espejo, en lugar de una predicción. Sibyl realiza una danza repetitiva en la que cada movimiento comienza y termina de la misma manera, representando el reflejo de la previsibilidad de la IA. Sibyl es un bucle de video de un solo canal, creado mediante la fusión de técnicas de captura volumétrica, procesamiento de video y StyleGAN, en el que se ha entrenado a un modelo basado en un gran conjunto de datos de imágenes similares, para obtener una similitud no tan sorprendente con el conjunto de datos original. La intención y la intervención están presentes y son necesarias no solo al comienzo del proceso, sino al final del mismo, a través de un minucioso y laborioso proceso digital pero manual controlado marco por cuadro. La intervención posterior a la GAN es clave para la pieza, un trabajo generado por GAN que se obtiene a través de una «predicción» de la intención inicial, seleccionando un modelo de datos específicamente restringido, que generaría resultados aparentemente atractivos. La única forma de cuestionar el ciclo de aprendizaje automático es a través de una intervención manual que no solo establece el proceso, sino que también lo cierra. Desafiando la idea de un proceso sorprendente y algo anónimo de aprendizaje automático, por el cual incluso el nombre no incluye el proceso de enseñar a esas máquinas a «aprender», a pesar de que la IA y el aprendizaje automático siguen siendo el proceso de un humano proceso creativo, y no una fuente autónoma de respuestas inexplicables y sorpresas. En tiempos de obsesión con las predicciones y la retrospectiva, uno se pregunta si es más importante aprender a hacer mejores preguntas, en lugar de relegar el papel de la imaginación
a lo irreal y a la fantasía, en lugar de preprogramar las respuestas de las máquinas, que regurgitan resultados predecibles sin una persistencia extendida hasta el infinito. La capacidad de numerar y de limitar la realidad en datos está complicando las fronteras con el soñar, el desvanecerse, el desear e imaginar, creando un vacío de espacio de tiempo en el que un espejo se refleja en otro espejo, tragándose en un vacío eterno.

Sibyl explores the self-fulfilling prophecy of prediction. As machine learning allows artificial intelligence to make faster, better predictions, we can argue that these are a mirror in a mirror, rather than a prediction. Sibyl performs a repetitive dance in which every movement starts and ends in the same way, representing the looping mirroring of AI predictability. Sibyl is a single channel video loop, created by merging volumetric capture techniques, video processing and StyleGAN, in which a model has been trained based on a large data set of similar images, in order to obtain a not-so surprising similarity with the original data set. The intent and intervention are present and necessary not only at the beginning of the process, but at the end of it, through a minutious and laborious digital but yet manual controlled frame by frame process.The post GAN intervention is key to the piece, a generated work that is obtained through a “prediction” of the initial intent, by selecting a specifically restricted data model, that would generate seemingly looking results. In times of an obsession with predictions and hindsight one wonders whether it is more important to learn to ask better questions, instead of relegating the role of imagination to the unreal and to fantasy, instead of pre programming
answers from machines, that regurgitate predictable outputs with no out-stretched lingering to the infinite. The capacity to number and limit reality into data, is hardening the borders with dreaming, vanishing, wishing and imagining,creating a time space vacuum, in which a mirror is reflected in another mirror, swallowing itself in an eternal void.

MARIA KORPORAL

[ALEMANIA-GERMANY, 2018]   5′ 00″

Este video es una versión corta de mi proyecto «Walkabout», inspirado en el largo viaje ritual que los aborígenes australianos emprenden ocasionalmente, cruzando a pie las extensiones del monte australiano. Estas caminatas en el desierto juegan un papel esencial al permitir el contacto y el intercambio de recursos (tanto materiales como espirituales) entre poblaciones separadas por enormes distancias. Un dar, recibir y devolver, no solo entre las personas, sino también entre las criaturas vivientes y la tierra: la transformación de la vida.

The video is a short version of my project “Walkabout”, inspired by the long ritual journey that Aboriginal Australians occasionally undertake by crossing the expanses of the Australian bush on foot. These walks in the desert play an essential role in allowing contact and exchanges of resources (both material and spiritual) between populations separated by enormous distances. A give, take and return, not only among people, but also between living creatures and the earth: the transformation of life.

JOACELIO BATISTA

[BRASIL-BRAZIL , 2019]   4′ 21″

Si me rindo, ¿por qué mantengo mi cabeza contra la pared? Ante la duda, el hombre siempre especulará respuestas.

If I surrender, why do I keep my head against the wall? Presented the question, man will always speculate awnsers.

ISABEL PÉREZ DEL PULGAR

[FRANCIA – FRANCE, 2019]  14’ 51″

Este es un proyecto que parte del estudio del cuadro “el monje frente al mar” de Caspar David Friedrich.  Esta pintura con una composicion dividida en tres planos, dominando la horizontalidad, rota por la diminuta verticalidad del personaje, nos adentra en un espacio infinito, un mar turbulento, una tempestad que se avecina. La figura esta dentro de la turbulencia, de la tempestad, conscientemente conocedora de su mortalidad, impotencia, fragilidad, expulsada por esas mismas fuerzas naturales que otrora la acogieran, retorna a la busqueda del principio, del origen, a lo que pudo ser. Tanto el empleo de la luz, el color, la velocidad, el ruido sonoro, son todos ellos elementos que contribuyen a crear un estado de deconstruccion y perdida. Simbolicamente la representacion es femenina, una representación iconica a lo largo de toda la historia del imaginario estetico, que la dotaba de atribuciones propias dentro del sistema estructural de una jerarquizacion social binaria.

In the painting of Caspar David Friedrich «the monk facing the sea», with a composition divided into three planes, dominating the horizontality, broken by the diminutive verticality of the character, takes us into an infinite space, a turbulent sea, a tempest that is coming. The figure is within the turbulence, of the storm, consciously aware of its mortality, impotence, fragility, expelled by those same natural forces that once welcomed it, returns to the search of the beginning, of the origin, to what could be. Both the use of light, color, speed, noise, are all elements that contribute to create a state of deconstruction and loss. Symbolically, the representation is feminine, an iconic representation throughout the entire history of the aesthetic imaginary, which endowed it with its own attributions within the structural system of a binary social hierarchy.

HIROYA SAKURAI

[JAPON – JAPAN, 2017]  6′ 54″

En los cursos de agua artificiales de los arrozales, el agua en la naturaleza debe seguir reglas artificiales. De esa manera, la naturaleza se hace abstracta, dando lugar a una nueva forma de belleza distinta del estado natural. El tema de este trabajo es la vivacidad del agua, ya que sigue el curso hecho por el hombre. Este trabajo es un ballet que utiliza el sonido y el movimiento de las algas y el agua. Con el canal como teatro, se ha filmado la coreografía de las algas que fluyen en el agua y conservado solo la frecuencia que suena como la voz de una persona. El sonido resultante es como un coro.

In the man-made waterways of rice paddies, the water in nature must follow artificial rules. In that way, nature is made abstract, giving rise to a new form of beauty distinct from the natural state. The theme of this work is the liveliness of the water as it follows the man-made course. This work is a ballet using the sound and the movement of the algae and water. With the waterway as the theater, I filmed the choreography of the algae that flows in the water and I kept only the frequency that sounds like the voice of a person. The resulting sound is like a chorus.

HEIDI HÖRSTURZ

[ PAISES BAJOS – NETHERLANDS, 2020]  6′ 00″

Este trabajo de animación 3D investiga la estética digital contemporánea y su influencia en la percepción del cuerpo humano. Con el enfoque del arte como un medio para explorar la convivencia social y como un medio para terminar con la supresión estructural de las personas, las fantasías y las visiones, este proyecto lleva la sobrecarga de estímulos de los medios a lo absurdo.

VOZ EN OFF
«No hay un mundo tan plano como una sección de una pared. Debe unirse al segmento de un círculo. Volviendo al cuerpo del que parece tan poco probable que esté separado. Para cercar y herir la cara en la que se lee el esfuerzo de esta condición. Como el punto de una sonrisa. Una chispa o una estrella no está segura de no haber visto como se reanuda la oscuridad. Una luz perversa que es imperceptible de sublime se disfraza de antemano de luz.»

This 3D animation investigates contemporary digital aesthetics and its influence on the perception of the human body. With the approach of art as a medium for exploring social coexistence and as a means of ending the structural suppression of people, fantasies and visions, this work takes the media overload of stimuli to the absurd.

VOICE-OFF
There is no world so flat as a section of a wall. It must join the segmet of a circle. Roving back to the body of which it seems so unlikely apart. To fence in and sore the face on which the effort of this condition reads. Like a pinpoint of a smile. A spark or star is not sure not having seen as darkness resumes. A pervers light who is impertive of sublty dumes in advance its conseed to light up.

BRUNO QUAST

[ITALIA – ESTONIA / ITALY, 2019]  4’ 04’’

Una animación en 3D sobre la remodelación de un recuerdo llevado al océano para encontrar reposo.

A 3D animation of the reshaping of a memory brought to the ocean to find rest.

AUSÍN SANZ

[ESPAÑA / SPAIN, 2020]   8’ 18’’

En nuestra sociedad se producen una serie de carencias que no suplimos, bien por la falta de interés o por apatía, perdiéndose gran potencial social y generando un lastre que perdura en el tiempo.

In our society there are a series of deficiencies that we do not supply, due to lack of interest or apathy. This makes us all lose a great social potential, generating a ballast that lasts over time.

THOMAS LISLE

[REINO UNIDO / UK, 2019]     13’ 51’’

Esta es la historia de dos cosmonautas de una raza alienígena que pueden manipular sus formas como y cuando lo deseen, pero su planeta tiene un problema y envían a los dos héroes a encontrar una respuesta. Una investigación psicológica sobre el inconsciente colectivo, ambientada en el mito moderno de la ciencia ficción, se trata de una obra de arte que analiza las sombras de la sociedade actual con respecto al racismo, la identidad y la negación del clima. Es un experimento e investigación de simulación y animación basado en la pintura animada 3D, la forma humana, lo biomórfico, formas naturales abstractas.

This is the story of two cosmonauts from an alien race that can manipulate their forms, as and when they wish, but their planet has a problem and they send the two hero’s to find an answer. A psychological investigation into the collective unconscious, set within the modern day myth of science fiction, its an art piece whicho looks at societies shadows of racism, identity and climate denial. It is an experiment and research into 3D animated paint based simulation and animation, the human form, biomorphic, abstract natural forms.

https://inalbis.madatac.es/The Shadows Strategy_Thomas Lisle.mp4

RYAN CHEREWATY

[PAISES BAJOS / NETHERLANDS, 2020]     16’ 49’’

Este trabajo investiga el fenómeno de los envíos y de la logística internacionales con un punto focal en el contenedor de envío a través de una narrativa abstracta. El contenedor transformó al mundo en una ruta de entrega de Amazon y tiene profundas implicaciones para el futuro. Esta pieza presenta imágenes generadas por ordenador de zonas de exclusión humana. Estos son lugares industriales que están completamente controlados por sistemas de IA y que ya están instalados en todo el mundo. Además, intercalado en esta narrativa, hay una simulación de un desastre en el mar con contenedores de envío esparcidos por el océano. Una voz en off narra el papel decreciente del ser humano en este sistema. También destaca cómo nuestros órganos sensoriales son responsables de nuestra representación consciente de la realidad y la percepción del paso del tiempo y la incompatibilidad que nuestro sistema tiene con el sentido maquínico del tiempo. Hay que tener en cuenta que este es un trabajo en progreso,

This work investigates the phenomenon of worldwide shipping and logistics with a focal point on the shipping container through an abstract narrative. The container changed the world into an Amazon delivery route, and has profound implications into the future. This piece features computer generated imagery of human exclusion zones. These are industrial places that are completely controlled by AI systems, and already are installed throughout the world. Additionally, interspersed in this narrative there is a simulation of a disaster at sea with shipping containers littered across the ocean. A voiceover narrates and the diminishing role of the human in this system. It also highlights how our sensory organs are responsible for our conscious representation of reality and perception of the passage of time, and the incompatibility our system has with the machinic sense of time. Please note this is a work in progress.

ANA RODRÍGUEZ LEÓN

[ESPAÑA – SPAIN, 2018]     16’ 57’’

Una mujer sin rostro; una casa donde todo se repite en ciclos; un hombre del que solo quedan imágenes. Desde la oscuridad de la soledad, una rendija en la realidad abre la esperanza para la fuga. Un autorretrato en donde lo ordinario se abre a lo fantástico en un diálogo sobre los límites de la realidad y la creación.

A woman without face; a house where everything is repeated in cycles; a man for whom are left only images. From the darkness of loneliness, a crack in the reality brings some hope for the run away. A self-portrait where the ordinary opens to the fantastic in a dialog about the limits of reality and the influence of the creation.

YU DEPENG

[CHINA/ESPAÑA – CHINA-SPAIN, 2019]     11’ 00’’

En los desastres de la guerra del 2018, su casa fue destruida. Como no se atrevía a mirar a la gente a la cara, ocultó su rostro con una máscara de animal. Y comenzó a vagabundear por el mundo en busca de un hogar. Incluso buscó en un sueño…

Yu Depeng (China, 1978) es uno de los precursores del videoarte, el cine experimental y la performance con contenido social en la escena underground del norte de China. Desde 2017 trabaja en la Comunidad de Madrid, donde ha fijado su residencia, siendo uno de los primeros artistas chinos contemporáneos afincado en Madrid que trabaja junto con profesionales madrileños.

In the disasters of 2018 war, his home was destroyed. As he did not dare to look at the people, he wears on a dog mask. And he wandered in search of a home in this world. Even he searched in a dream…

Yu Depeng (China, 1978) is one of the precursors of video art, experimental cinema and performance with social content in the underground scene of northern China. Since 2017 he works in the Community of Madrid, where he has established his residence, being one of the first contemporary Chinese artists based in Madrid who works together with natives professionals.

VALENTINA FERRANDES

[REINO UNIDO-UK, 2019/2020]     7’ 36’’

«Victory» es una exploración computacional de la escultura helenística «Nike of Samothrace». La obra maestra clásica se descompone y reconstruye usando un análisis algorítmico de modelos 3D. Las extrusiones son generadas por un parche de software personalizado. La estructura poligonal 3D se analiza y se vuelve a mallar de acuerdo con varios parámetros. El movimiento nunca es completamente predecible. A través de un proceso de deconstrucción dinámica y la lente cambiante de la tecnología digital, Victory ofrece una nueva experiencia de una obra maestra icónica.

«Victory» is a computational exploration of the Hellenistic sculpture «Nike of Samothrace». The classical masterpiece is decomposed and reconstructed using an algorithmic 3D model analysis. The extrusions are generated by a custom software patch. The 3D polygonal structure is analyzed and re-meshed according to various parameters. Motion is never entirely predictable. Through a process of dynamic deconstruction and the shifting lens of digital technology, Victory offers a new experience of an iconic masterpiece. 


TERESA TOMÁS

[ESPAÑA / SPAIN, 2019]     2’ 32’’

Esta animación explora el futuro de “Imposible” –escultura/avatar– cuyo tiempo se refleja en el poema “Mi tiempo” de Adolfo Barberá. La autora reflexiona sobre la analogía de su tiempo y su lenguaje. El futuro de “Imposible” se desarrolla en “Tespejame que tespejo” (1986), un espacio donde la frontera de la identidad es difusa. El yo que es otro o que no sabe si es otro participa en un juego de espejos con aquellas obras del pasado en las cuales Teresa Tomás ha reflexionado sobre el reflejo. “Imposible”, el protagonista de la animación, se despliega en tres figuras idénticas con los que se comunica a través de movimientos miméticos mientras se refleja en las tres esculturas que formaban parte del ciclo del agua en “Alto estado” (2004). Conectando con el simbolismo del agua el mito de Narciso se provoca un trasvase de la imagen reflejada en el que se mira, y vicerversa, en “Bajada al desnudo” (2005). Al mirar a través de uno de los ojos de cerradura de la instalación, “Imposible” se desteje en los “Los otros” que deambulan en el laberinto de “Destejer el arco iris” (2007), obra donde la autora también planteaba la idea de reflejo y mirada, el concepto de creación y transformación en los dos sentidos: volviendo al origen y dando origen. Al final de la animación, el protagonista se transforma en “Fantasma real” (2000): como avatar de un videojuego es la encarnación o apariencia del tiempo en el mundo virtual. Se refleja como “Galloina” (2000)–en referencia a “Irreconocible” (2001). El tiempo camina en el espejo.

This animation explores the future of «Impossible» – sculpture / avatar – which time is reflected in the poem «My time» by Adolfo Barberá. The author reflects on the analogy of her time and her language. The future of «Impossible» is developed in «Tespejame que tespejo» (1986), a space where the border of identity is diffuse. The self that is another or that does not know if it is another participates in a game of mirrors with those works of the past in which Teresa Tomás has reflected on the reflection. «Impossible», the protagonist of the animation, is displayed in three identical figures with which he communicates through mimetic movements while being reflected in the three sculptures that were part of the water cycle in «Alto estado» (2004). Connecting with the symbolism of the water and the myth of Narcissus causes a transfer of the reflected image in which one looks, and vice versa, in “Bajada al naked” (2005). When looking through one of the keyholes of the installation, «Impossible» is unraveled in the «The others» that roam the labyrinth of «Dismantle the rainbow» (2007), a work where the author also raised the idea of reflection and look, the concept of creation and transformation in both directions: returning to the origin and giving origin. At the end of the animation, the protagonist transforms into «Real Ghost» (2000) -as an avatar of a video game is the embodiment or appearance of time in the virtual world. It is reflected as «Galloina» (2000) – in reference to «Unrecognizable» (2001).

SARA BONAVENTURA

[ITALIA / ITALY, 2019]     4’ 10’’

Este es un ejercicio de dibujo mientras grabo en tiempo real mi mano izquierda y un papel blanco. La mano derecha no sostenía un lápiz, sino que ajustaba perillas y osciladores de un Jones Raster Scan, similar al Rutt Etra Scan Processor, pero uno construido por Dave Jones para Sara Hornbacher. Parece fácil pero no es tan cómodo, sino que es más bien un proceso de prostética en el que una parte muy familiar del cuerpo se vuelve extraña, absorbida por el extraño vórtice de las máquinas, en el que creemos ver un atisbo de creación cuando dos los dedos índices se tocan, pero la triangulación termina con una unidad inquietante. De hecho, agregué en mandarín 孤 掌 难, que significa algo así como: «Es difícil aplaudir con una sola mano».

This is a drawing exercise while recording in real time my left hand and a white paper. The right hand was not holding a pencil but rather adjusting knobs and patching oscillators, of a Jones Raster Scan, similar to the Rutt Etra Scan Processor, but one of a kind built by Dave Jones for Sara Hornbacher. It looks easy, but it is not so comfortable, rather a process of prosthetization in which a very familiar part of the body becomes alien, sucked by the uncanny vortex of the machines, in which we believe to see a glimpse of creation, when two index fingers touch each others, but the triangulation ends up with a unsettling unity. In fact, I added an idiom, in Mandarin 孤掌难, meaning something like: «It’s hard to clap with only one hand».

KIMBERLY BURLEIGH

[EEUU / USA, 2020]     7’ 18’’

«Los celos» es un video de animación experimental en 3D. Presenta una construcción digital elemental de la casa de la plantación, meticulosamente descrita en la novela seminal  «La Jalousie» (1957), del escritor francés Robbe-Grillet. Al igual que la novela enfatiza la configuración y los objetos sobre los personajes y los diálogos, aqui no se representan personajes en la animación. Los escenarios y los objetos observados compulsivamente revelan la mentalidad obsesiva del personaje principal, un esposo celoso que sospecha que su esposa tiene una aventura. La banda sonora presenta sonidos descritos en la novela; gritos nocturnos de animales, zumbidos de insectos, etc. La animación se expande la novela al hacer dinámicos los escenarios y los objetos; autoconstrucciones de muebles, movimiento de objetos y cambio de luces.

«Jealousy» is an experimental 3D animation. It features an elemental digital construction of the plantation house meticulously described in the seminal 1957 novel «La Jalousie» by French writer Robbe-Grillet. No characters are depicted in the animation – just as the novel emphasizes settings and objects over characters/dialogue. The compulsively observed settings and objects reveal the obsessive mindset of the main character, a jealous husband who suspects his wife of having an affair. The soundtrack features sounds described in the novel; nocturnal animal cries, insects whirring, etc. The animation expands on the novel by making settings and objects dynamic; furniture self-constructs, objects move, and lights shift.

JING WANG & HARVEY GOLDMAN

[EEUU / USA, 2019]     5’ 42’’

Uriel, profeta de la poesía, príncipe de la presencia, arcángel del sol, propone una nueva verdad turbulenta y sufre las piedras y las flechas de los zares celestiales. Los tiempos tumultuosos están sobre nosotros. Nicolás Copérnico, historiador trascendental de la geometría heliocéntrica, si puedes perdónanos y haznos evolucionar. Las colaboraciones de «música visual» entre Jing Wang y Harvey Goldman intentan producir una sinestesia como experiencia. Por ello se anima al público a «ver» la música y «escuchar» las imágenes. Los audios y visuales se han creado sin jerarquías, en una verdadera fusión de imagen  y sonido.

Uriel, prophet of poetry, prince of presence, archangel of the sun, propounds a new troublous truth and suffers the slings and arrows of the celestial Czars.The tumultuous times are upon us. Oh, Nicolaus Copernicus, transcendental historian of heliocentric geometry, forgive us, absolve us, evolve us, if you can. The “visual music” collaborations of Jing Wang and Harvey Goldman attempt to produce a synesthesia like experience. The audience is encouraged to “see” the music and “hear” the visuals. The imagery and audio components are constructed without hierarchy, a true melding of sound and image.

FRAN ORALLO

[Escocia-España / Scotland-Spain, 2018]     1’ 00’’

En el video vemos como una gran nube toxica se aproxima a una bandada de estorninos. La intención de dicha imagen es reflejar de forma poética la destrucción de la belleza y la capacidad demoledora del hombre hacia la vida salvaje y sus ecosistemas, capacidad que esta llevando a la desaparición de infinidad de especies tanto animales como vegetales. Necesitamos una forma alternativa de vida de forma urgente, pues, literalmente, estamos destruyendo este planeta.

In the video, we see how a large toxic cloud approaches a flock of starlings, the intention of this image is to reflect in a poetic way the destruction of beauty and the devastating capacity of man towards the wild life and its ecosystems, capacity that is leading to the disappearance of countless species of animals and plants. We need an alternative way of life urgently, because, literally, we are destroying this planet.