FREAKY BEACH

FRAN LEJEUNE

[Francia-France, 2019]  1’ 43’’

En un hermoso día de verano, unas criaturas híbridas y desarticuladas, con un andar incierto, van a la playa, convirtiéndola en una Corte de los Milagros. Pasan el día dedicándose a actividades náuticas, a  juegos infantiles, o relacionándose en ellas, para acabar la jornada en lágrimas y arrepentimientos.

 

On a beautiful summer day, hybrid and disjointed creatures, with an improbable gait, go to the beach, turning it into a Court of Miracles. The day goes through the nautical activities, children’s games, unions that are formed, to end in tears and regrets.

No On

PATRICIO BALLESTEROS

[Argentina, 2019]  3’ 45’’

Varios estudios estiman que, en la antigüedad, más de 350 especies diferentes de elefantes podrían haber convivido en el mundo; e incluso que hubo numerosos cruces entre elefantes, mastodontes y mamuts. Pero hoy esa diversidad se ha reducido a tres especies: Loxodonta africana (elefante de la sabana), Loxodonta cy-clotis (elefante del bosque) y Elephas (elefante asiático) y quedan menos de 500,000 especímenes vivos de todas las especies y subespecies en el mundo, lo que convierte a este mamífero proboscidiano en una especie protegida, especialmente ante al tráfico de marfil y la destrucción de su hábitat. Antes de la colonización europea había más de 20 millones de elefantes en África, de los cuales solo un millón sobrevivió en los años 70.

 

Several studies estimated that, in antiquity, more than 350 different species of elephants could cohabit in the world; and even that there were numerous crosses between elephants, mastodons and mammoths. But today that diversity has been reduced to three species: Loxodonta africana (savanna elephant), Loxodonta cy-clotis (forest elephant) and Elephas (Asian elephant). Today there are less than 500.000 living specimens of all species and subspecies in the world, which makes this proboscidean mammal a protected species, especially in the face of ivory trafficking and the destruction of its habitat. Before the European colonization there were more than 20 million elephants in Africa, of which only one million remained in the 70s.

Machine

EKATERINA VOLOVICH

[Rusia-Russia, 2019]  1’ 29’’

 

“Ninguna mácula es peor que el vacío espiritual” (Oscar Wilde)

“No blemish worse, than spiritual emptiness” (Oscar Wilde)

En caída libre

CLARA APARICIO YOLDI

[Reino Unido-UK, 2019]  7’ 00’’

Basado en el texto de Hito Steyerl “En caída libre”, el video reflexiona sobre la perspectiva como punto de vista, como poder. Steyerl propone el cuadro “El barco de esclavos” de Turner como ejemplo de desestabilización de la perspectiva lineal y la visión frontal, donde se el punto de vista del espectador se hunde en un mar sin fondo.Al igual que la perspectiva lineal era considerada como la forma simbólica de la era moderna, la base de datos podría ser la nueva forma simbólica del ordenador, una nueva manera de estructurar nuestra experiencia de nosotros mismos y del mundo.

Based on the text of Hito Steyerl “In free fall”, the video reflects on the perspective as a point of view,  as a power. Steyerl proposes Turner’s “Slave Ship” as an example of destabilization of linear perspective and frontal vision, where the viewer’s point of view sinks into a bottomless sea. Just as the linear perspective was considered as the symbolic form of the modern era, the database could be the new symbolic form of the computer, a new way of structuring our experience of ourselves and the world.

Human Blindness

LORENZO PAPANTI

[Italia-Italy, 2019]  2’ 12’’

 

Esta video performance tiene lugar en una dimensión híbrida. El artista, ciego y encerrado en un espacio limitado, es filmado por tres cámaras: los videos se transmiten a un software de visión artificial que interpreta el movimiento y construye un espacio digital exacto para poder describirlo. A través de algoritmos, el sistema tecnológico modela comportamientos sociales y dirige una sociedad que es cada vez más incapaz de encontrar sus sistemas de referencia.

The video performance takes place in a hybrid dimension. The artist, blind and imprisoned in a limited space, is filmed by three cameras: the videos are transmitted to an artificial vision software, which interprets the movement and builds an exact digital space in which to describe it. Through algorithms, the technological system models social behaviors and directs a society which is increasingly incapable of finding reference systems.

Tā viņš i’ (That’s How It Goes)

LINDA KONONE

[Letonia, 2012]  1’ 29’’

Si un televisor pudiera decir lo que piensa: sí, así es como funciona, no es como era, no, ya no es eso, no, no se puede comparar, no queda nada, ya sabes, durante años ya no hay nada, una vez hubo algunos, encontré algunos de Turquía, allí fue realmente como en la infancia, probablemente aquellos turcos en el campo, pero en general, no, los jóvenes ni siquiera saben lo que realmente es, no puedes encontrar algo así nunca más, no tienes nada, así es como funciona, sí, no sé, no, no creo que algo mejore, no, no, creo, creo que se acabó, Sí, sí, creo que se acabó.

If a TV could speak its mind: Yes, it’s how it goes, it isn’t how it was, no, it isn’t that anymore, no, it cannot be compared to, there is nothing left, you know, for years already there is nothing, once there were some, I found some from Turkey, it really was like childhood there, probably those Turkish in the countryside, but in general – no, young people don’t even know what it really is, you cannot find anything like that anymore, you got nothing, it’s how it goes, yes, I don’t know, no, I don’t think that something will get better, no, no, I think, I think it’s over, yes, yes, I think it’s over.

CILPA (LOOP)

IEVA BALODE

[Letonia, 2011]  1’ 38’’

La película revisa las páginas de la historia de la medicina en las que la curación estaba integralmente vinculada a los actos rituales y al encantamiento, prestando especial atención a la imagen de la mujer como practicante de las funciones mágicas. Al comienzo de la ola de juicios de brujas en Europa que duró del siglo XVI al siglo XVIII, las mujeres con conocimientos de medicina y partería fueron perseguidas, mientras que el derecho a proclamar la verdad fue delegado en la Iglesia y, posteriormente, en la medicina moderna y en la ciencia, que estaba controlada principalmente por hombres.

The film reviews the pages of the history of medicine in which healing was integrally linked to ritual acts and incantation, paying particular attention to the image of the woman as the practitioner of magical functions. At the start of the wave of witch trials in Europe that lasted from the 16th to the 18th century, women with knowledge of medicine and midwifery were persecuted, while the right to proclaim the truth was given over to the Church, and subsequently on modern medicine and science, which was mainly controlled by men.

SOIL SOUNDS OF LATVIA: IRBENE

ZANDA PUCE

[Letonia, 2016]  1’ 26’’

Trabajo que questiona los medios por los cuales es posible escuchar debajo de la superficie de los objetos y los espacios en un entorno natural y cómo cambia la percepción humana. Las señales de sonido claras solo son accesibles en áreas rurales como el pueblo de Irbene, con su propio campo eléctrico natural lejos del abrumador campo eléctrico de la ciudad. La idea del proyecto es utilizar la arqueología del sonido del suelo para desvelar las capas del pasado de los sitios energéticos en Letonia. Las grabaciones de sonido se combinan con la serie de fotogramas gráficos de las imágenes del espectro de sonido del suelo.

It questions the means by which it is possible to hear underneath the surface of objects and spaces in natural environment and how it changes the human perception. Clear sound signals are accessible only in rural areas such as the village of Irbene, with its own natural electric field far from the city overwhelming electric field. The project idea is to use soil sound archaeology to undercover the layers of the past of energetic sites in Latvia. Sound recordings are combined with the series of graphic photograms from the soil sound spectrum images.

REVERSE

EVA VēVERE

[Letonia, 2017]  6’ 16’’

Este es un mensaje elegíaco sobre la relación entre uno mismo, la naturaleza y la soledad. Reflejos de luces, brillos, aire fresco y libertad. El ‘yo’ emerge mientras está en actividad, en acción. El paisaje es algo donde uno puede hundirse.

This is an elegiac message on the relationship between oneself, nature and solitude. Reflections of lights, bright, fresh air and freedom. ‘I’ emerges whilst in activity, in action. Landscape is something where one can sink.

JE NE DORS PLUS

OLA VASILJEVA

[Letonia, 2017]  5’ 37’’

El ambiente creado por Ola Vasilļeva con la música de Geins’t Naït / L. Petitgand es inquietante y conmovedor, mientras permanece disponible en un nivel profundamente personal y afectivo. Editado entre tomas frontales, espacios domésticos y paisajes urbanos abstractos, evoca tanto un sueño como una pesadilla.

The mood set by Ola Vasilļeva to the music of Geins’t Naït / L. Petitgand is unsettling and thrilling, while remaining available on a deeply personal and affective level. Cut between frontal shots, domestic spaces and abstracted cityscapes, it evokes both a dream and a nightmare.

DARBIBU STARPTELPA (Action Midspace)

UGIS ALBINš

[Letonia / Italia, 2018]  5’37’’

Este video fue filmado en Sicilia, Italia, y en Riga, Letonia.
Representa un plan para conectar los puntos en movimiento creando un nuevo espacio intermedio (el video no hace uso de animación 3D). Un aspecto a destacar  aparece en el movimiento de la  figura creada,  agregando cierta dimensión invisible al trabajo.        

 

This video was filmed both in Sicily, Italy and in Riga, Latvia. It depicts a plan to connect the dots in movement creating a new in-between space (the video doesn’t use 3D animation). An important aspect appears in the movement of the created figure, adding an invisible dimension to the work.

Zaļā mistērija / The Green Mystery

ELZA NIEDRE

[Letonia, 2018]  6’49’’

En la noción y en la actualidad se lleva a cabo una doble pelea. En el mundo imaginario: leyes ficticias. En una simplicidad innata, en el Jardín del Paraíso rodeado por la Flor de la Vida, las personas están aprendiendo a vivir su gran vida en la Tierra. En la consciencia del deseo de alegría, girando en el columpio de los opuestos, se forma un nuevo mundo. En una unidad fractal, la paz, el afecto, el amor y la luz cristalina brilla sobre la tribu del futuro. 

In the notion and actuality a double fight takes place. In the imaginary world – fictional laws. In an innate simplicity, in the Paradise Garden surrounded by the Flower of Life People are learning to live their grand Earth life. In the Consciousness desire for joy, rotating in the swing of the opposites, a new world is formed. In a fractal unity, peace, affection and love the crystalline light is shining over the tribe of the future.

SPECTATING THE GROUNDHOG DAY

GUSTAVS LOCIKS

[Letonia, 2018]  9’53’’

“Al principio había datos,
Hoy hay datos,
Mañana habrá datos.
¿Quién puede hacer una imagen de los datos?
No tiene cuerpo.
Es la palabra que sale de tu boca.
Esa palabra.
Ya no es más.
Es pasado y aún vive. “

“In the beginning there was data,
Today there is data,
Tomorrow there will be data.
Who can make an image of data?
It has no body.
It is the word which comes out of your mouth.
That word.
It is no more.
It is past, and still it lives.”

FLESH TO FLESH

IEVA BALODE 

[Letonia, 2018]  4’51’’

Este video revisa las páginas de la historia de la medicina en la que la curación estaba integralmente vinculada a los actos rituales y al encantamiento, prestando especial atención a la imagen de la mujer como practicante de estas funciones mágicas. Las brujas fueron percibidas como las encarnaciones del mal. Fueron temidas y odiadas porque la gente creía que ellas eran las responsables de las plagas, de la peste, de las enfermedades y de los niños nacidos muertos.

The film reviews the pages of the history of medicine in which healing was integrally linked to ritual acts and incantation, paying particular attention to the image of the woman as the practitioner of magical functions. Witches were perceived as the embodiments of evil. They were feared and hated, because people believed that years of blight and pestilence, illnesses and still-born children were their handi-work.

I, Human (body installation)

SAINT MACHINE (MARILENA OPRESCU SINGER)

In collaboration with:

  • Marian ZAMFIRESCU, senior researcher at CETAL – National Institute for Laser, Plasma and Radiation Physics – Bucharest
  • Alexandru-Florin VARTIC & Sorin OLEXIUC, OpenFace programming

[RUMANÍA / ROMANIA]

2018

 

Un circuito de estructuras artificiales interconectadas aullan como lobos, pidiendo ser alimentados con emociones. Una vez superpuestas al cuerpo humano, las máscaras miden el estado emocional, recopilan datos biométricos faciales y ritmo respiratorio, piratean el sistema biológico, pero permiten al visitante controlar una forma de luz láser mediante un esfuerzo colectivo. El usuario no puede controlarlos todos simultáneamente, por lo que se requiere colaboración. Deben prestar atención al estado emocional de los demás, ya que sus niveles de empatía hacen que la escultura de la luz central crezca y decaiga, en relación directa con su conexión emocional. Sin embargo, esto no será una tarea fácil, ya que el paisaje sonoro ofrecido a cada usuario es completamente diferente, mientras que algunos escuchan sonidos alentadores y que inducen felicidad, otros están sujetos a palabras agresivas y humillantes. La instalación intenta una analogía entre el estado de la coherencia del espacio-tiempo de los fotones dentro de la cavidad láser y la colaboración humana, al tiempo que hace un comentario crítico sobre el impacto que la tecnología tiene sobre el comportamiento humano y su capacidad para desarrollar una mentalidad virtual colectiva.

A circuit of interconnected artificial structures howl like wolves, asking to be fed with emotions. Once superposed on the human body, the masks are measuring the emotional status, collecting facial biometrical data and breathing rhythm, hacking the biological system, but empowering the visitor to control a laser light form by means of a collective effort. The user cannot simultaneously control all of them, thus collaboration is required. They need to pay attention to the emotional status of the others, as their empathy levels make the central light sculpture grow and decay, in direct relation to their emotional connection. However, this will not be an easy task, as the soundscape offered to each user is completely different, while some hear encouraging and happiness-inducing sounds, others are subject to aggressive, humiliating words. The installation attempts an analogy between the state of spacetime coherence of the photons inside the laser cavity and human collaboration, while also making a critical commentary on the impact technology has on human behaviour and its capacity to develop a collective virtual mindset.

Ritual Virtual

ALFREDO BARROSO

[ESPAÑA / SPAIN]

2018

 

Ritual Virtual es una invitación a participar activamente en la acción de transmigrar elementos ingrávidos de un nivel físico inicial a otro superior, existiendo tres en total en la escena y siendo todos invisibles.
Dichos elementos se representan alrededor del usuario que se encuentra en el centro del mundo, en forma de altar macabro y frente a él.
Sin embargo, la naturaleza binaria de éstos, eros (torsos) frente a tánatos (cráneos), hace que al entrar en colisión con el medio o entre ellos mismos representen a su opuesto. Acción que desencadena el usuario cuando los choca al mover.
Con los controles de mano VR, el actor tiene la capacidad de recogerlos manualmente y desplazarse por la escena. Además, existen dos maneras de desplazarse: Mediante una acción de “teleporting” (al presionar el pad de los controles una pértiga azul permite trasladarse al lugar de destino), o balanceando los brazos como lo hacemos al caminar presionar (mientras se presionan los botones laterales de los controles).
No es un juego, sino un ritual de tiempo infinito, tanto como se quiera experimentar mientras se visualiza, y ninguna acción por parte del usuario interrumpe el motor de juego.
Al final, si los elementos ascienden en forma de eros, o de tánatos, será cuestión de cómo el actor interprete la escena, pero todos en el tercer nivel se perderían en el vacío oscuro si se les impulsa a ir más allá, y el ritual se habría concluido.

Virtual Ritual is an invitation to participate actively in the action of transmigrating weightless elements from an initial physical level to another superior, existing three in total in the scene and being all invisible.
These elements are represented around the user who is in the center of the world, in the form of a macabre altar and in front of him.
However, the binary nature of these, eros (torsos) versus thanatos (skulls), means that when they collide with the environment or between themselves, they represent their opposite. Action that triggers the user when it hits them when moving.
With the VR hand controls, the actor has the ability to manually pick them up and move around the scene. In addition, there are two ways to move: By means of a “teleporting”; action (when pressing the pad of the controls a blue pole allows you to move to the destination), or swinging your arms as we do when walking, pressing (while pressing the buttons laterals of the controls).

It is not a game, but a ritual of infinite time, as much as you want to experience it while it is displayed, and no action on the part of the user interrupts the game engine.
In the end, if the elements ascend in the form of eros, or Thanatos, it will be a question of how the actor interprets the scene, but everyone in the third level would be lost in the dark void if they are pushed to go further, and the ritual It would have ended.

Best of Luck with the Wall (variant)

GARRETT LYNCH

FRÉDÉRIQUE SANTUNE

[IRLANDA-FRANCIA / IRELAND-FRANCE]

2017 / 34h 1′

 

En la película de Josh Begley, Best of Luck with the Wall (2016), en un comentario sobre el muro fronterizo propuesto entre Estados Unidos y México por el presidente estadounidense Donald Trump, Begley afirma:
“¿Qué significaría intentar ‘ver’ toda la frontera suroeste de una la vez? Recorrer las 1,954 millas en digamos, ¿seis minutos?… Según Google Maps, se necesitarían 34 horas para recorrer toda su longitud.”
Nos preguntamos, ¿por qué seis minutos? ¿Por qué este lugar fuertemente politizado, gran parte del cual está habitado y ve a un millón de personas cruzar la frontera oficialmente todos los días, se reduce temporalmente y se convierte en el equivalente visual de lo que Begley denomina “un lugar abstraído en una buena muestra”? Empleando las mismas herramientas y procesos que el original, esta película aborda el problema al proporcionar una variante de 34 horas más lenta. El resultado es un video que atraviesa el paisaje simulando la experiencia de viajar a lo largo de la pared como si viajara a la velocidad de un automóvil. Se enfatiza la escala de la construcción propuesta y se puede ver e identificar cada lugar por el que pasará. El video está acompañado por la banda sonora original, estirada hasta el punto de resultar un ruido y, por tanto, incómoda, recordando al espectador el tema perturbador de la película.

In Josh Begley’s film, Best of Luck with the Wall (2016), a comment on the proposed border wall between the US and Mexico by American President Donald Trump, Begley states:
“What would it mean to try to ‘see’ the entire southwest border at once? To travel the whole 1,954 miles in, say, six minutes?… According to Google Maps, it would take 34 hours to drive its entire length.”
We wondered, why six minutes? Why should this heavily politicised place, much of which is inhabited and sees a million people officially cross the border every day, be so temporally reduced and become the visual equivalent of what Begley terms is “a place abstracted into a sound bite”? Employing the same tools and processes as the original, this film addresses the issue by providing a slowed-down 34 hour variant. The result is a video that traverses the landscape simulating the experience of traveling the length of the wall as if travelling at the speed of a car. The scale of the proposed construction is emphasised and each place that it will pass through can be seen and identified. The video is accompanied by the original soundtrack torturously stretched to the point of being noise and as a result uncomfortable to listen at length, reminding the viewer of the film’s disturbing subject matter.

Hybrid Sensorium (interactive installation)

SAINT MACHINE (MARILENA OPRESCU SINGER)

In collaboration with:

  • Mitoș Micleușanu (sound design)
  • Sergiu Negulici (3D animation)
  • Razvan Vasilache, Sorin Olexiuc & Alexandru-Florin Vartic (programming)

[RUMANÍA / ROMANIA]

2017

 

Hybrid Sensorium explora la forma en que percibimos nuestro cuerpo dentro del espacio físico y las distorsiones sensoriales causadas por la tecnología de mediación y el contacto directo. La obra de arte se coloca en contacto físico inmediato con el visitante, por lo que ambos se vuelven vulnerables a la contaminación emocional. Una estructura fabricada se superpone al medio natural del cuerpo, una membrana artificial permeable que trata de condicionar nuestras necesidades biológicas. El organismo híbrido reacciona en tiempo real al ritmo de su respiración e intenta adaptarlo a sus necesidades, ofreciendo contenido digital a cambio de oxígeno. Prueba la disponibilidad humana para ceder lo físico a un entorno construido, mientras monitorea y archiva el comportamiento del usuario.
Al interrumpir el ritmo de la respiración, quería provocar la percepción del espacio como intervalo vivido, realidad suspendida causada por un síncope en la realidad objetiva. Desarrollé Hybrid Sensorium en torno al concepto de forma interna: un espacio dentro, estado primario, intención inicial que imprime todo el historial de un proceso. Trato la forma como inexistente en sí misma, como la fase transitoria de un proceso, refiriéndome al espacio no como estático, sino como progresión, contenido dinámico, espacio y tiempo vividos, originados en el intervalo, síncope, vacío. También puede verse como una metáfora de los mecanismos biológicos del crecimiento y la descomposición dentro de una semilla, del punto en constante movimiento dentro de un proceso que es simultáneamente el comienzo y el final de la misma, tejido cicatrizado o material en un estado de descomposición que desencadena la regeneración.

La participación de Saint Machine en MADATAC X ha sido posible gracias a la colaboración del Instituto Cultural Rumano. 

Hybrid Sensorium explores the way we sense our body within the physical space and the sensory distortions caused both by mediating technology and direct contact. The artwork is placed in immediate physical contact with the visitor, thus both become vulnerable to emotional contamination. A fabricated structure is superposed on the natural medium of the body, an artificial, permeable membrane that tries to condition our biological needs. The hybrid organism reacts in real time to the rhythm of your breathing and tries to adapt it to its needs, offering digital content in exchange for oxygen. It tests human availability to cede physicality to a constructed environment, while monitoring and archiving the user behavior.
By interrupting the breathing rhythm I wanted to trigger the perception of space as lived interval, suspended reality caused by a syncope in the objective reality. I developed Hybrid Sensorium around innerform concept – a space within, primary state, initial intention that imprints the entire history of a process. I treat form as inexistent in itself, as transient phase of a process, referring to space not as static, but as progression, dynamic content, lived space and time, originating in the interval, syncope, void. It can also be seen as a metaphor of the biological mechanisms of growth and decay inside of a seed, of the perpetually moving point within a process that is simultaneously the beginning and the end of it, scar tissue or material in a state of decay that triggers regeneration.

The participation of Saint Machine in MADATAC X has been possible thanks to the collaboration of the Romanian Cultural Institute.

Audio Foam Cutter mini / Sound Shape Reader mini

REINHARD GUPFINGER

[AUSTRIA / AUSTRIA]

2018

 

Sound Shifting se ocupa de la visualización e iluminación de fenómenos invisibles que dan forma a nuestra percepción para crear representaciones tridimensionales del sonido. Se utilizan diferentes métodos para traducir sonidos en objetos tridimensionales.
Las esculturas están diseñadas para proporcionar información sobre los sonidos representados a través de su forma y características estéticas. A través de este proceso de transformación, el rango de nuestra percepción se expande, creando nuevas perspectivas. Las esculturas sonoras en 3D son instantáneas y documentos contemporáneos de varios paisajes sonoros. Juntos forman un archivo tridimensional de visualizaciones de sonido.

Sound Shifting deals with the visualization and illumination of invisible phenomena that significantly shape our perception to create three-dimensional representations of sound. Different methods are used to translate sounds into three-dimensional objects.
The sculptures are designed to provide information about the represented sounds through their shape and aesthetic features. Through this transformative process the range of our perception is expanded, by creating new perspectives. The 3D sound sculptures are snapshots and contemporary documents of various soundscapes. Together they form a three-dimensional archive of sound visualizations.

SPECULUM GW170817

EPHEMERAL TOMORROW (RICCARDO TORRESI, MAXIME LETHELIER, ASAKO FUJIMOTO)

[ITALIA-FRANCIA-JAPÓN / ITALY-FRANCE-JAPAN]

2018 / 34′

 

En 1915, al publicar su Teoría General de la Relatividad, Einstein cambió la concepción del mundo y abrió la puerta a una infinidad de nuevas posibilidades argumentando que la gravedad es en relación con la distorsión del espacio y del tiempo. Cuando las masas en el espacio se ponen en movimiento, esto causa ondas en el espacio-tiempo, que se propagan a través del cosmos a la velocidad de la luz y deforman todos los objetos en sus camino, en función de sus distancias. Durante cuarenta años, los astrofísicos intentaron infructuosamente probar la existencia de ondas gravitacionales, que solo habían sido asumidas teóricamente. Pero incluso si esta teoría se mantuvo puramente hipotética, se utilizó como base teórica para la investigación astrofísica.
Esta situación es muy común en física: se presentan teorías que aún deben ser probadas o refutadas. En este proceso, la suposición teórica y la prueba válida, la autenticidad y la especulación compiten constantemente. La mayoría de las veces esto se refiere a eventos cósmicos, que solo son perceptibles para los humanos mediante el uso de instrumentos técnicos avanzados.
Hace solo tres años la existencia de ondas gravitatorias finalmente se comprobó, con la ayuda de super detectores en el Observatorio de Ondas Gravitacionales del Interferómetro Láser (LIGO) en Louisiana y Washington. LIGO pudo medir los cambios, por lo demás apenas perceptibles, causados por estos eventos astronómicos. En 2017 los científicos Rainer Weiss, Kip Thorne y Barry Barish fueron recompensados con el Premio Nobel de Física por su papel en la detección de ondas gravitacionales. Speculum, la palabra latina para espejo, es la raíz del verbo especular, que solía significar mirar las estrellas, y también especulación, la formación de una teoría o conjetura sin evidencia. SPECULUM GW170817 busca investigar y especular sobre un evento astrofísico: la grabación de ondas gravitacionales producidas por la fusión de dos estrellas de neutrones el 17 de agosto de 2017 por los detectores LIGO Hanford, LIGO Livingston y Virgo (también conocidos como GW170817).
En la instalación, rayos láser se reflejan en dos espejos sobre una tela cilíndrica, creando ondas de acuerdo con los datos del evento registrados en cada uno de los 3 detectores. Las ondas gravitacionales que se mueven a través del tiempo y el espacio, que se transformaron en conjuntos de datos medibles, se traducen nuevamente en sonido y luz en movimiento, a través de los mismos medios utilizados para detectarlas. Los elementos visuales generados se comportan de manera diferente que las ondas gravitacionales, pero son capaces de mostrar este fenómeno cósmico de una forma más perceptible.

When publishing his General Theory of Relativity, Einstein changed the world conception and opened the door to an infinity of new possibilities by arguing that gravity is the product of mass bending space and time. Therefore, when powerful masses in space are set in motion, this causes waves in space- time, which rush through the cosmos at the speed of light and deform all objects on their way, according to their distances. For forty years, astrophysicists tried unsuccessfully to prove the existence of gravitational waves, which until then had only been assumed theoretically. But even if this theory stayed purely hypothetical, it was used as the theoretical basis for astrophysical research.
This situation is very common in physics – theories are put forward that yet have to be proved or refuted. In this process, theoretical assumption and valid proof, genuineness and speculation are constantly competing. Most of the times this concerns cosmic events, which are only perceptible to humans through the use of advanced technical instruments. Only three years ago the existence of gravitational waves was finally proven, with the help of super-detectors at the Laser Interferometer Gravitational- Wave Observatory (LIGO) in Louisiana and Washington.LIGO was able to measure the otherwise barely noticeable changes caused by these astronomical events. In 2017 the scientists Rainer Weiss, Kip Thorne and Barry Barish were rewarded with the Nobel Prize in Physics for their role in detecting gravitational waves.
Speculum, the Latin word for mirror, is the root of the verb speculate, which used to mean looking at the stars, and also speculation, the forming of a theory or conjecture without firm evidence. SPECULUM GW170817 seeks to investigate, as well as speculate, around a particular event: the recording of gravitational waves produced by the merging of two neutron stars on August 17th 2017 by the LIGO Hanford, LIGO Livingston and Virgo detectors (also known as GW170817).
The installation is composed of 3 identical stations, where each one stands for the same gravitational wave recording of 34 minutes from a different observatory. Each station is composed of a cylindrical screen which reveals the beam of a laser placed in its centre with a speaker on side.
The laser beam is put in motion by 2 mirrors, one constantly rotating is shaping the beam as a circle which goes around the screen, while the other one is distorting the circular entity according to the recorded data played back in real time, restituting the distortion caused by the gravitational wave in place of the recording.
The audio is composed by algorithmic transformation using a ionian scale arpeggio, and as the timeline advances, the data generate the timing of the trigger of each note, making rhythmical swings and delays, as well as recreating melodies by the combination of the stations playing all together, giving shifting experiences on regularities of space and time.
Representation idea is inspired by the repetition of natural patterns to underline their distortions. The audio refers to multiplied recurring sounds like insects calls in nature or bells from distant churches, while the laser beams mimic ripples in water crossed with audio waves, both creating meditative states of subtle irregularities in living orders.

LA MUERTE DEL ARTISTA

RAFAEL TRIANA

[CUBA / CUBA]

2018

 

El proyecto LA MUERTE DEL ARTISTA, perteneciente a la serie ESTOY HARTO DEL ARTE, comenzada en 2018, es una escena del crimen donde se investiga la muerte de un artista que estaba pensando. Inspirado en las convenciones y estéticas de la criminalística, la obra muestra un espacio cuadrado delimitado por cintas policiales que rodean la silueta del artista pensando junto a otras evidencias encontradas. La silueta del artista, así como las evidencias, serán realizadas en animación digital, proyectadas mediante la técnica del Video Mapping sobre el suelo del espacio galería. Se construirán animaciones variadas para cada elemento, las siluetas mutarán de forma y contenido, construyendo una historia alrededor de la muerte del artista. Paralelo al trabajo audiovisual y de instalación, se efectuarán entrevistas diversas a personas del entorno, donde se les preguntará acerca del papel del artista hoy en día y sus connotaciones en la sociedad. Las entrevistas realizadas serán emitidas en off en el espacio, construyendo así toda la atmósfera conceptual y formal que requiere la obra. LA MUERTE DEL ARTISTA trata de delimitar el pensamiento colectivo creado alrededor del arte contemporáneo, para exponer la propia muerte de sus ideales. El artista queda en un rol de intermediario entre la idea y la Institución-Arte, buscando el límite que existe entre ambas, dejando como obra el propio accidente de su nueva idea.

The Perfectionist

Julian Rosefeldt

[ALEMANIA / GERMANY]

2005 / 25′ 18″

 

The Perfectionist (2005) es la tercera parte de Trilogy of Failure (Trilogía del Fracaso) (2004/2005) de Rosefeldt, en la que tres escenarios diferentes dibujan una imagen de nuestro vano enredo con los rituales cotidianos. En cada caso, el protagonista está atrapado en un microcosmos que sugiere claustrofobia mental y espacial. Como reacción a la situación desesperada, se sumerge en la actividad permanente de Sísifo: no va a ninguna parte y no produce nada. Los motivos de intento perpetuo y falla constante encuentran su equivalente en la estructura repetitiva del bucle. Las escenas son alegorías de nuestros intentos frenéticos y, en última instancia, inútiles para escapar de las normas, restricciones, estructuras y rituales circundantes por los cuales estamos determinados.
The Perfectionist, en contraste con los protagonistas de las dos primeras partes de la trilogía, aparece no dividido en dos, sino como tres configuraciones idénticas del alter ego. Mientras que dos de ellos fallan una y otra vez en sus intentos de poner en marcha un avión o simular un salto en paracaídas dentro de sus propias cuatro paredes, el tercero, con dudas, verifica y vuelve a comprobar constantemente su paracaídas, sin siquiera acercarse a un avión. La película combina el mito de Sísifo, presente en toda la trilogía, con alusiones a la trágica historia de Ícaro, volando demasiado alto, cayendo y muriendo por su sueño.

Videoinstalación en 3 canales perteneciente a la Colección Pi Fernandino.

The Perfectionist (2005) is the third part of Rosefeldt’s Trilogy of Failure (2004/2005) in which three different settings draw a picture of our vain entanglement with everyday rituals. In each case the protagonist is caught up in a microcosm that suggests mental and spatial claustrophobia. As a reaction to the hopeless situation, he plunges into permanent Sisyphean activity – going nowhere and producing nothing. The motifs of perpetual attempt and constant failure find their equivalent in the repetitive structure of the loop. The scenes are allegories of our frantic and ultimately futile attempts to escape the surrounding norms, constraints, structures and rituals by which we are determined.
The Perfectionist, in contrast to the protagonists of the first two parts of the trilogy, appears not split in two but rather as three identical configurations of the alter ego. While two of them fail time and again in their attempts to start up a plane or simulate a parachute jump within their own four walls, the third – stricken with doubt – constantly checks and rechecks his parachute, without ever even coming near a plane. The film combines the Sisyphean motif, apparent throughout the trilogy, with allusions to the tragic story of Icarus, flying too high, falling and dying for his dream.

3-channel film installation belonging to the Pi Fernandino Collection.

Faraw ka taama

SEYDOU CISSÉ

[MALI / MALI]

2012 / 11′ 31″

Los milagros ocurren en una aldea, las piedras se mueven mediante latigazos y se suceden otros misterios que terminan con la magnífica visión de un puente. Una anciana que pasa por allí con su hija le cuenta a ésta la historia de cómo se construyó “el puente de Markala”.

Miracles occur in a village, stones are moved by lashes and other mysteries which end with the magnificent view of a bridge. An old lady who passes by with her daughter tells her the story of the construction of “the Markala Bridge”.

Ciudad Maya

ANDRÉS PADILLA DOMENE

[MÉXICO / MEXICO]

2016 / 24′ 00″

En la ciudad de Mérida, México, un grupo de jóvenes mayas urbanos opera una serie de máquinas extrañas. Con ellas realizan una especie de levantamiento arqueológico de un sitio en ruinas. Sin embargo no se trata de un antiguo sitio patrimonial, sino de una réplica moderna. El film camina en los límites entre el documental y la ciencia ficción, para explorar cómo la cultura y la identidad maya son representadas actualmente.

In the city of Merida, Mexico, a group of young urban Maya operate mysterious technological instruments to do some sort of archaeological survey of a ruined site. However, the monuments they are scanning are not ancient, but modern replicas. The film walks on the limits between science fiction and documentary to deconstruct the imaginary around Maya culture and their identity today.

 

Tropics

MATHILDE LAVENNE

[FRANCIA, FRANCE]

2018 / 13′ 40″

TROPICS diseña una órbita alrededor de una granja mexicana. Voces dispersas parecen revivir y perturbar la memoria del lugar, en tanto la película intenta congelar el tiempo y los hombres y revela el espectro de un paraíso perdido.

TROPICS draws an orbit around a Mexican farm. Scattered voices seem to revive and disturb the memory of the place. Crossing the matter, the film attempts to stop time and men, and reveals the ghost of a lost paradise.

The Stream VII

HIROYA SAKURAI

[JAPÓN / JAPAN]

2016 / 5′ 56″

Banda sonora / Soundtrack: Hiroya Sakurai

 

Ballet que utiliza el sonido y el movimiento de las algas y el agua. Con el canal como teatro, filmé la coreografía de las algas que fluyen en el agua.

A ballet that uses the sound and movement of algae and water. With channels such as theatre I filmed the choreography of algae flowing in the water.

She

AMIR AZAR

[IRÁN / IRAN]

2017 / 7′ 07″

Banda sonora / Soundtrack: Anahita Izadi Parsa(Original)

 

Durante unos pocos minutos estamos con alguien que está tocando una pieza de música con violonchelo…
Nos habla del dolor que flota debajo de la piel. Sin que nosotros lo causemos. Para deshacernos de él, tenemos que buscar una apertura. Estar vacío… para aliviar el dolor que no se siente.

For a few minutes we are with someone who is playing a piece of music with cello…
It tells us of the pain that floats below our skin. Without us causing it. To get rid of it, we need to look for an aperture. To be empty… to relieve pain that does not feel.

PointRefraction

KATERINA PSIMMENOU

[GRECIA / GREECE]

2018 / 4′ 38″

 

Un resultado filtrado de la compresión y pérdida de información, la nube de puntos se presenta como una masa nebulosa incierta y adquiere significado a través de su procesamiento. Estamos invitados a navegar a través de este paisaje extraño, que no es más que una composición de partes del cuerpo escaneadas en 3D, una representación digital de la carne física. Los errores y la pérdida de datos se vuelven esenciales a través de este proceso, generando el paisaje distorsionado final de la información de la carne. Una “refracción” virtual sobre los datos que cuestiona la forma en que somos y cómo percibimos las cosas, así como la incertidumbre del código y el papel del mediador digital.

A filtered outcome of information’s compression and loss, the point cloud presents itself as an uncertain nebulous mass and gains meaning through its processing. We are invited to navigate through this alien landscape, which is nothing more than a composition of 3D scanned body parts, a digital representation of the physical flesh. Errors and data loss become essential through this process, generating the final distorted landscape of flesh information. A virtual “refraction” of data that questions the way we are and the way we perceive things, as well as the uncertainty of the code and the role of a digital mediator.

Love Birds

ALBERTO ADSUARA

[ESPAÑA / SPAIN]

2017 / 12′ 30″

Banda sonora / Soundtrack: Victoria Contreras

 

Una mujer vive obsesionada con la película de Hitchcock, Birds (Los pájaros).

A woman lives her life being obsessed with Hitchcock’s movie, Birds.

AMPTANK

CHRISTIAN NICOLAY

[CANADÁ / CANADA]

2005 / 2′ 42″

Banda sonora / Soundtrack: Original Sounds

 

AMPTANK es el resultado de encontrar un viejo tanque oxidado caminando a lo largo de una ruta de Klondike en el Yukon Territory Canada. Decidí considerar algo desatendido, transformando el tanque en un instrumento amplificado. Hicimos música juntos. Mi estrategia artística de rescatar, reutilizar y transformar materiales es una celebración de lo cotidiano – insuflar nueva vida a lo que parecen ser materiales pedestres.
Este fue un experimento espontáneo con lo cotidiano y la limitada tecnología que tenía en ese momento. No se trataba de la resolución o la calidad del vídeo, sino de la experimentación y el juego.

AMPTANK was the result of finding an old rusting tank walking along a Klondike route in the Yukon Territory Canada. I decided to regard something disregarded, transforming the tank into an amplified instrument. We made music together. My artistic strategy of salvaging, repurposing and transforming materials is a celebration of the everyday – breathing new life into what seems to be pedestrian materials.
This was a spontaneous experiment with the everyday and the limited technology I had at the time. This was not about the resolution or quality of video; it was about experimentation and play.

AmpliFLY

CHRISTIAN NICOLAY

[CANADÁ / CANADA]

2008 / 2′ 44″

Banda sonora / Soundtrack: Original Sounds

 

AmpliFLY fue el resultado de colaborar con una mosca que estaba atrapada volando en mi estudio. Pude atrapar la mosca y conectarla a mi equipo de amplificación. Decidí considerar algo desatendido, transformando la mosca en un instrumento amplificado. Hicimos música juntos. Mi estrategia artística de rescatar, reutilizar y transformar materiales es una celebración de lo cotidiano – insuflar nueva vida a lo que parecen ser materiales pedestres.
Este fue un experimento espontáneo con lo cotidiano y la limitada tecnología que tenía en ese momento. No se trataba de la resolución o la calidad del vídeo, sino de la experimentación y el juego.

AmpliFLY was the result of collaborating with a fly that was stuck flying around in my studio. I was able to catch the fly and hook the fly up to my amplification gear. I decided to regard something disregarded, transforming the fly into an amplified instrument. We made music together. My artistic strategy of salvaging, repurposing and transforming materials is a celebration of the everyday – breathing new life into what seems to be pedestrian materials.
This was a spontaneous experiment with the everyday and the limited technology I had at the time. This was not about the resolution or quality of video; it was about experimentation and play.

 

Finish

SAEED NAGHAVIAN

[IRÁN / IRAN]

2017 / 3′ 45″

Banda sonora / Soundtrack: Kevin Andrew

 

¿Acaso los peces acabarán con el mundo?
Revisa la historia de las guerras en nuestra pecera mágica…

Will the fish end the world?
Review the history of wars on our magical fish bowl…

Digital Trauma (and the Crystal Image)

MARÍA MOLINA PEIRÓ

[HOLANDA / NETHERLANDS]

2017 / 8′ 04″

 

Si pudiéramos acceder a nuestro pasado en cualquier momento, ¿en qué medida podemos deshacernos de él y mirar hacia adelante? ¿Qué consecuencias tiene el acceso a una memoria digital para las sociedades postconflicto? ¿Puede una memoria digital convertirse en una herramienta poderosa para encender un odio étnico más profundo, la violencia y la guerra? La disponibilidad sin precedentes de bases de datos en línea que ofrecen documentación del pasado basada en medios puede transformar a las personas de consumidores pasivos de la historia a investigadores interactivos. Esto crea un escenario interesante, ya que ahora es más fácil evaluar y comparar representaciones contrastantes del pasado, pero también crear y difundir versiones fabricadas del pasado con sus peligrosas consecuencias.

If we can access our past at any given moment, to what extent can we get rid of it and look ahead? What consequences do the access to a digital memory have for post-conflict societies? Can a digital memory become a powerful tool to ignite more profound ethnic hate, violence and war?. The unprecedented availability of online databases offering media-based documentation of the past can change people from passive consumers of history to interactive researchers. This creates an interesting scenario because it’s now easier to evaluate and compare contrasting representations of the past but also to create and disseminate fabricated versions of the past with its dangerous consequences.

59”

FRAN ORALLO

[REINO UNIDO / UK]

2018 / 12′ 00″

Banda sonora / Soundtrack: A Avraamov – Symphony of industrial horns

 

59” consiste en una serie de secuencias inconexas de 59 segundos de duración cada una. Cada secuencia consiste en un video collage formado por imágenes descargadas de la red. En mi trabajo me apropio de imágenes ya creadas para dotarlas de un nuevo sentido. Con influencias surrealistas y estableciéndome en las teorías de absurdo, creo nuevas imágenes mediante la descontextualización y yuxtaposición de dichas imágenes encontradas, con la intención de generar metáforas, poesía visual, y cuestionando la idea de autoría y propiedad intelectual.

59” consists of series of 59-second long unconnected sequences. Each sequence consists of a video collage made of pictures downloaded from the Internet. In my work I adapt already created images to give them a new meaning. With surrealist influences and by establishing myself in the theories of absurdity, I create new images through decontextualization and juxtaposition of the found pictures with the intention of generating metaphors, visual poetry and questioning the idea of authorship and intellectual property.

Trass

PATRICK K.-H.

bestbefore

[AUSTRIA / AUSTRIA]

2018 / 3′ 20″

Banda sonora / Soundtrack: Michael J. Schumacher (diNMachine)

 

Trass toma un motivo de “Camptown Races” (Stephen Foster, 1850) y lo expande en una textura contrapuntística. La pieza se puntúa para conjunto mixto. En esta grabación se utilizaron sintetizadores en su lugar, con batería en vivo. El video agrega sus propias capas de complejidad de textura y perspectiva de profundidad, comentando con humor la energía frenética de la música.

Trass takes a motif from “Camptown Races” (Stephen Foster, 1850) and expands on it in a contrapuntal texture. The piece is scored for mixed ensemble; in this recording synthesizers were used instead, with live drums. The video adds its own layers of textural complexity and depth perspective, commenting humorously on the frenetic energy of the music.

Azar

MARIANA MATTAR

[ARGENTINA / ARGENTINA]

2011 / 3′ 53″

 

Piedra, papel o tijera, estoy pulsando el sistema incontable cantidad de veces. Tiro de la palanca para ver las imágenes que se forman entre la piedra y el papel, entre el papel y la tijera, entre la tijera y la piedra. Y así en sucesión aleatoria. Tengo una palabra por cada papel, una imagen por cada tijera y un peso por cada piedra, pero tiro de la palanca y te escribo con tijeras, te aplasto con papel de arroz y te hablo con piedras. Cuento hasta tres otra vez: la tijera corta la lengua, el papel surca el cuello y la piedra acaricia. Y así en sucesión aleatoria. Esto lo hago para mezclar las palabras de manera que de tantos sentidos posibles ya no tengan sentido. Non sense. La seducción del sin sentido. Un tipo de ebriedad del azar.

Stone, paper or scissors, I’m pulsing the system countless times. Pull the lever to see the images that are formed between the stone and the paper, between the paper and the scissors, between the scissors and the stone. And so on in random succession. I have a word for each paper, an image for each scissor and a weight for each stone, but I pull the lever and write you with scissors, I crush you with rice paper and I speak to you with stones. I count to three again: the scissors cuts the tongue, the paper crosses the neck and the stone caresses. And so on in random succession. This I do to mix the words so that of so many possible senses no longer make sense. Non sense The seduction of the nonsense. A kind of drunkenness of chance.

Negrita en Paterson

TERESA TOMÁS

[ESPAÑA / SPAIN]

2017 / 2′ 00″

Banda sonora / Soundtrack: The Summit by Dot Sessions
The Summit by Dot Sessions Is licensed under a Attribution-NonCommercial License

 

“Negrita en Paterson” forma parte de un sistema de videos incluido en el videojuego “Tipos diferentes”. Esta animación explora el futuro de una escultura-avatar cuyo tiempo se despliega en el poema “Paterson” de William Carlos Williams. La autora reinterpreta su obra del pasado como estrategia para interactuar con la poética del tiempo.

“Negrita en Paterson (Bold in Paterson)” is part of a video system included in the video game “Tipos diferentes (Different Types)”. This animation explores the future of a sculpture-avatar whose time unfolds in the poem “Paterson” by William Carlos Williams. The author reinterprets her work of the past as a strategy for interacting with the poetics of time.

ATARAXIA

EDGAR ALEJANDRO LUNA CELIS

[MÉXICO / MEXICO]

2018 / 4′ 11″

Banda sonora / Soundtrack: Edgar Alejandro Luna Celis

 

Ataraxia es un estado del alma que los estoicos de la Antigua Grecia identificaron con la felicidad. Su máximo valor moral era el ser imperturbable, es decir, aquel que no se somete al reino de las pasiones y vive en claridad con su propia mente. El video explora la posibilidad o imposibilidad del estoicismo en pleno siglo XXI, ahí donde pareciera que el caos tecnológico nos ha anticipado la dispersión total de la lógica causalista y donde la vana tentativa de todo proyecto humano al crear significados comienza a evidenciar su profunda deficiencia espiritual. Ante estas circunstancias ¿es posible aún una sabiduría y meditación trascendental?

Ataraxia is a state of the soul that the Stoics of Ancient Greece identified with happiness. His highest moral value was to be imperturbable, that is, one who does not submit to the realm of passions and lives in clarity with his own mind. The video explores the possibility or impossibility of stoicism in the XXI century, where it seems that technological chaos has anticipated the total dispersion of the causalist logic and where the vain attempt of every human project to create meanings begins to show its profound spiritual deficiency . Given these circumstances, is it still possible to have transcendental wisdom and meditation?

Shadows and Reflections

YAGAMA

[BULGARIA / BULGARIA]

2017 / 7′ 14″

Banda sonora / Soundtrack: Dirk Markham

 

“Sombras y reflexiones” se inspira en las técnicas de efectos especiales de la vieja escuela y en las preguntas que no tienen respuesta en palabras, sólo en belleza. Se trata del lenguaje híbrido creado cuando los métodos analógicos clásicos y las capacidades digitales se combinan para crear una poesía visual de transposición. A medida que fluimos a través de la vida, y la vida fluye a través de nosotros, no somos más que sombras y reflejos de nuestras percepciones siempre cambiantes. Cada cuadro de animación es separado e invisible, y una paradoja análoga a nuestro tiempo fluido, consistente en momentos distintos pero siempre evasivos. El espectador se queda preguntándose si están viendo una obra totalmente digitalizada o no, y es esta ambigüedad la obra explora.

“Shadows and reflections” is inspired by oldschool special effects technique and questions that have no answer in words, only in beauty. It is about the hybrid language created when classical analog methods and the digital
capabilities combine to create a transposing visual poetry. As we flow through life, and life flows through us, we are but shadows and reflections of our everchanging perceptions. Each animation frame is separate and invisible, a paradox analogous to the our fluid time consisting of distinct, but ever elusive moments. The viewer is left wondering if they are watching a fully digitally created work or not, and it’s this ambiguity the work explores.

The Sound That’s Made When A Creature Tries To Make Sense Of Its Own Existence

COLETTE COPELAND

[EEUU / USA]

2018 / 7′ 00″

Banda sonora / Soundtrack: Original Score by Dallin B. Peacock

 

El trabajo está inspirado en una historia real de una entidad oscura que intenta impregnar un aura dorada. Es una historia sobre luchas internas y externas, la lucha contra la existencia de uno mismo, la morada y la vivencia de la oscuridad y la luz luminosa que prevalece.

The work is inspired by a true story of a dark entity attempting to permeate a golden aura. It is a story about internal and external struggles, the grappling of one’s existence, the indwelling and outdwelling of darkness and the luminous light that prevails.