Archivos: Portfolio

DATA + PERFORM

BORIS DIVIDER (España / Spain)

Los trabajos de Boris Divider están enfocados a la música electrónica y electroacústica de corte secuencial y sus propuestas se acercan a la instalación audiovisual y al sincronismo de audio y video. La actuación en directo de Boris Divider es todo un lujo y técnicamente un discurso construido por diferentes patrones que se alternan para crear el desarrollo total del tema, algo que le permite establecer una experiencia diferente y exclusiva con el público en cada actuación.  Composiciones de progresión lenta, minimalista, y hasta ritmos pseudoindustriales, drones, error digital, líneas de sintetizador analógico, improvisación digital, aúnan pasado, presente y futuro en un estado de renovación continua, puesto que todo está planteado desde y para el directo, utilizando material original. De este modo, el espectador puede disfrutar en directo la música que se improvisa en cada momento, además de asistir a la creación de un discurso audiovisual único. Sus últimos trabajos “Deflector | Atractor” (2014, Fundamental Records) y “Exascale” (2015, Artificial Domain) son una fusión entre calor analógico y precisión digital, donde el audio y el video interactúan con el mismo peso y el mensaje se extrae de los dos campos en sinergia constante.   

The work of Boris Divider is focused on electronic and electroacoustic music of sequential cut and his proposals are close to the audiovisual installation and synchronization of audio and video. The live performance of Boris Divider is wholly a luxury and technically constitutes a discourse constructed by different patterns that alternate to create the total development of the theme, something that allows him to establish a different and exclusive experience with the audience in each performance. His compositions, with their slow progression, minimalist and even industrial rhythms (drones, digital error, analog synthesizer lines, digital improvisation), unite the past, present and future in a state of continuous renewal. All of these happens because everything is planned from and for the live using original material. The viewer not only enjoys the live music but also the unique audiovisual discourse. His latest works «Deflector | Atractor» (2014, Fundamental Records) and «Exascale» (2015, Artificial Domain) are a fusion between analogue heat and digital precision, where audio and video interact with the same weight and the message is extracted from the two fields in constant synergy.

 

PEONY

ISA HO (Taiwan)

2017 / 7’ 36’’
Banda Sonora / Soundtrack : Chen Shan-Wei
Videoinstalación / Videoinstallation

«Peony» es una videoinstalación de la premiada artista taiwanesa Isa Ho en la que reflexiona sobre el papel y la posición de la mujer en la sociedad contemporánea en relación con el desarrollo único de la cultura popular. Y lo hace a través de una delicada comparación, y a la vez yuxtaposición, de dos géneros artísticos: una de las formas más antiguas de la ópera china, la Ópera de Kun (Kun Qu), y el moderno y popular K-Pop coreano. No en vano la artista titula su obra con una de las piezas clásicas del repertorio del Kun Qu y la hace suya evidenciando las señales de cómo la nueva generación de mujeres está cambiando el mundo. “Peony” es una adaptación de la canción “Hate” del grupo femenino 4-Minute. Por medio de parangones tan dispares sobre la manera en que se presenta el cuerpo femenino en ambas formas artísticas, los movimientos, gestos simbólicos y los vínculos entre el pasado y el presente, Ho destaca la importancia de que hoy las mujeres tienen mayor libertad para tomar decisiones y hacer sus propias elecciones. A diferencia de la Ópera Kun, las canciones de K-Pop no siempre tienen un final perfecto. Tal vez porque no existe un miedo al futuro como tal o a lo que sucederá. No sabemos nada. “Pero así está bien. La valentía y la energía de la nueva generación son tan intimidantes que deben verse como un símbolo de transformación. Ninguna experiencia previa o contexto puede permitir una interpretación de lo que cambiará, sin embargo, debemos tomarlos en serio. Precisamente porque nada sabemos”, expresa la artista.

«Peony» is a video installation of the award-winning Taiwanese artist Isa Ho in which she reflects on the role and position of women in contemporary society in relation to the unique development of popular culture. And it does so through a delicate comparison, and at the same time juxtaposition, of two artistic genres: one of the oldest forms of Chinese opera, the Kun Opera (Kun Qu), and the modern and popular Korean K-Pop. Not in vain the artist titles her work with one of the classic pieces of the Kun Qu repertoire and makes it his own, evidencing the signs of how the new generation of women is changing the world. «Peony» is an adaptation of the song «Hate» by the female group 4-Minute. By means of such disparate parallels about the way in which the female body is presented in both artistic forms, movements, symbolic gestures and the links between the past and the present, Ho emphasizes the importance that today women have greater freedom to take decisions and make their own choices. Unlike the Kun Opera, K-Pop songs do not always have a perfect ending. Maybe because there is no fear of the future as such or of what will happen. We do not know anything. «But that’s fine. The bravery and energy of the new generation are so intimidating that they must be seen as a symbol of transformation. No previous experience or context can allow an interpretation of what will change, however, we must take them seriously. Precisely because we know nothing, «says the artist.

MATTERS-TON

TATSURU ARAI (Japón-Alemania / Japan-Germany)

Las performances audiovisuales de Tatsuru Arai son parte del proyecto Hyper Serial Music, cuyo objetivo principal es integrar desde la música clásica a las nuevas tecnologías, como «TRANSAGES MUSIC», y presentar la naturaleza física fundamental del universo en forma de experiencias perceptivas, dentro de lo que podría llamarse estética de «estructura geométrica», ya presente en obras musicales históricas. La percepción humana del sonido, un fenómeno físico, influye en el ser humano y la “estructura geométrica” es un pilar que nos permite comprender la verdadera naturaleza del universo, creando una forma de experimentar una parte de la naturaleza del universo a través del sonido. Matters-ton es el segundo trabajo del proyecto “Hyper Serial Music”, basado en la evolución del Serialismo musical de Schönberg y Boulez. Una pieza compleja con algoritmos generada por tecnología de vanguardia y de gran calidad que imagina la relación entre el Sonido y las Materias en las tres dimensiones del Espacio y simula el vínculo entre la Energía y la Materia en el Universo, dilucidada como parte de la percepción humana.

The audiovisual performances of Tatsuru Arai are part of the Hyper Serial Music project. Its main objective is to integrate from classical music to new technologies, such as «TRANSAGES MUSIC», and to present the main physical nature of the universe in the form of perceptual experiences, within what we could called aesthetics of «geometric structure», already present in historical musical works. The human perception of sound, a physical phenomenon, influences the human being. The «geometric structure» is a pillar that allows us to understand the true nature of the universe, creating a way to experience a part of the nature of the universe through sound. Matters-ton is the second project of the «Hyper Serial Music» project, based on the evolution of the musical Serialism of Schönberg and Boulez. A complex piece with algorithms generated by avant-garde technology and high quality that imagines the relationship between Sound and Matter in the three dimensions of Space. It simulates the link between Energy and Matter in the Universe, elucidated as part of the human perception.

NYBBLE

ALEX AUGIER (Francia / France)

Nybble es una performance audiovisual, formal y espacial cuya estética fluctúa entre el «minimalismo digital y la organicidad». Dos polos de un mismo continuo. La fluctuación formal se produce mediante una representación visual generativa donde diversas fuerzas imponen a un sistema de partículas movimientos naturales y movimientos geométricos más o menos complejos. El sintetizador modular reemplaza al músico en el corazón de la propuesta y dirige la fluctuación musical deseada por el proyecto. El diseño del escenario permite que el medio audiovisual se despliegue en el espacio a través de una estructura específica compuesta por 4 pantallas transparentes y 4 puntos de difusión de sonido. La performance ofrece al público una imagen cuadrofónica y cuadri-visual, estimulando una experiencia sinestésica total.

Coproducido por Arcadi (París, Francia), Stereolux (Nantes, Francia), Alex Augier Studio (París, FR) y con el apoyo de La muse en circuit (Alfortville, Francia).

Nybble is an audiovisual, formal and spatial performance whose aesthetic fluctuates between «digital minimalism and organicity». Two poles of the same continuum. Formal fluctuation occurs through a generative visual representation where diverse forces impose natural and geometric movements on a system of particles more or less complex. The modular synthesizer replaces the musician and directs the musical fluctuation desired by the project. The design of the stage allows the audiovisual medium to be displayed in the space through a specific structure composed of 4 transparent screens and 4 points of sound diffusion. The performance offers the audience a quadrophonic and quadri-visual image, stimulating a synesthetic experience.

Co-produced by Arcadi (Paris, France), Stereolux (Nantes, France), Alex Augier Studio (Paris, France) and with the support of La muse en circuit (Alfortville, France).

WE WERE WAITING FOR A TRAIN

MARK THOLANDER (Dinamarca / Denmark)

2017 / 13’ 06’’
Banda sonora / Soundtrack: Music and sound by Mark Tholander. Supplementary sound by Kevin J. Bond

Un dueño del club, un pianista de la casa, un invitado en un restaurante y un camarero están teniendo varias conversaciones, hablando de un tren que estaban esperando. El video fue creado usando varias técnicas de animación.

A club owner, a house pianist, a guest at a restaurant and a waiter are having several conversations, talking about a train they were waiting for. The video was created using various animation techniques.

COLOR

CHRISTIAN NIWA ( Alemania / Germany)

2017 / 8’ 54’’
Banda Sonora / Soundtrack: Christian Niwa & Barbara Benfrádj – Niwa

‘Color’ es un ver abstracto del sistema de visión y de la percepción del color.En esta presentación audiovisual la mirada del espectador es dirigida al proceso físico de la percepción del color en el espacio. El foco es dirigido hacia el movimiento del color y las formas en el espacio de un caleidoscopio, creado al mezclar y mover imágenes y colores. El centro horizontal del movimiento es roto rítmicamente al mover secuencias de imágenes y constantes composiciones de imagen y sonido. En primer término del trabajo artístico está la transformación y la alienación de las cosas, tal como la expansión y la concentración del color en los ambientes urbanos. El color de la película refiere a los procesos que desalientan la naturaleza humana y crea una representación completamente aparte de la transformación de las cosas.

«Color» is an abstract view of the visual system and the perception of color. In this audio-visual presentation the viewer’s gaze is directed at the physical process and the perception of color in space.  Focus is directed at the movement of color and forms in the kaleidoscopic space, created by mixing and moving colors in images. The horizontal center of motion is broken rhythmically by moving sequences of images and constant new picture and sound compositions.  In the foreground of the artistic work is the transformation of things and alienation, such as the expansion and contraction of color in an urban environment. The film color refers to the processes deterring human nature and creates a completely separate representation of the transformation of things.

STARRY STARRY NIGHT

CLARA APARICIO YOLDI (Estados Unidos /USA)

2014 / 2’ 30’’
Banda Sonora / Soundtrack: Mally Harpaz

Un cuadro abstracto en movimiento basado en el cuadro de Vincent Van Gogh ‘Noche estrellada’. Definido por líneas y puntos, es una obra de ritmos audiovisuales, colores y formas, luz y oscuridad. Van Gogh pintó su ‘Noche estrellada’ en junio de 1889, durante el día, desde la memoria. En una carta a Émile Bernard escribió: “La imaginación es ciertamente una facultad que debemos desarrollar y que solamente puede traernos una oración de una naturaleza más exigente y consoladora… Un cielo estrellado, por ejemplo, esto es una cosa que me gustaria probar… ¿pero cómo voy a conseguirlo a menos que ponga mi mente a trabajar… desde la imaginación?”

An abstract painting in movement based on Vincent Van Gogh’s painting Starry Night. Defined by lines and dots, it is a play of audiovisual rhythms, colours and shapes, light and darkness. Van Gogh painted his Starry Night in June 1889, in daylight, from memory. In a letter to Émile Bernard he wrote: «The imagination is certainly a faculty which we must develop and it alone can bring us to creation of a more exalting and consoling nature … A star-spangled sky, for instance, that’s a thing I would like to try to do … But how can I manage unless I make up my mind to work … from imagination?»

TURTLE-HEAD-PICK

PATRICK K.-H & ANDREAS KARAOULANIS (Austria-Alemania / Austria-Germany)

2017 / 9’ 49’’
Banda Sonora / Soundtrack: Patrick K.-H

‘Turtle head pick’ es un destilado de la performance de media hora de Patrick K.-H y Bestbefore en Spektrum // Vorspiel / Transmediale & CTM, Berlín. Trata sobre la relación neuro-semántica entre música y emociones, sobre cómo los oídos usan el lenguaje sónico no sólo para transferir significados musicales del exterior al interior, sino para contemplar el tipo de relación entre lo visto y lo oído, la manera en la que los sonidos, además de apuntar a temas, también están dotados de sentimientos, los cuales pueden dar forma a imágenes con un sentido de estructura.

“Turtle head pick” is a distillate of a half-an-hour live performance of Patrick K.-H. and Bestbefore at Spektrum // Vorspiel / Transmediale & CTM, Berlin. It is about the neuro-semantic relations of music to emotions – how ears would use sonic language not just to transfer musical meanings from outer to inner domain but to contemplate the kind of relationship between the seen and the heard, the way in which sounds don’t just point to subjects but are bestowed with feelings, which can shape the pictures with a sense of structure.

MOVEMENT

SONIA LI (EEUU / USA)

2017 / 10’00’’
Banda Sonora / Soundtrack: Voice and field recordings, found sound clips (Creative Commons)

Creo experiencias de arte interdisciplinarias que inspiran el despertar espiritual. Esta instalación de audio y video es una celebración de movimientos físicos, espirituales y psicológicos. Un híbrido de arte, performance y espacio social, los visitantes experimentan campos activos de luz y sonido, compuestos de ilusiones ópticas personalizadas, proyección y sonido. El paisaje sonoro crea un ambiente íntimo y femenino a través de la música barroca, la poesía y las grabaciones de campo. Los visitantes son libres de moverse como deseen. En la física, el sonido crea vibraciones el aire terrenal, y la luz es el lenguaje del cosmos. Usando la luz móvil para esculpir el espacio junto con el sonido atmosférico, el ambiente se convierte en un universo metafórico. La experiencia es una representación utópica de paz, amor y compasión.

I create interdisciplinary art experiences that inspire spiritual awakening. This audio-video installation is a celebration of physical, spiritual and psychological movements. A hybrid of art, performance and social space, visitors experience active light and sound fields, composed of custom optical illusions, projection and sound. The soundscape creates a feminine and intimate ambience through baroque music, poetry and field recordings. Visitors are free to move as they wish. In physics, sound creates earthly air vibrations, and light is the language of the cosmos. Using moving light to sculpt space along with atmospheric sound, the environment becomes a metaphoric universe. The experience is an utopian depiction of peace, love and compassion.

#INCLUDE RED

GRAYCODE + jiiiiin (Corea del Sur / South Korea)

2016-2017 / 7’ 00’’
Banda Sonora / Soundtrack: GRAYCODE + jiiiiin

‘What color red sounds like?’ #include red está basado en relaciones específicas entre lo que oímos y lo que vemos. Es el resultado de pensamientos sobre el sentido audiovisual humano. #include red intenta encontrar cómo el sentido de la vista y el sentido del oído se relacionan y se sustituyen el uno al otro. A través de un enfoque de sustitución de relaciones, el color ‘rojo’, en otras palabras, 723~624 nm de los rayos visibles, puede ser sustituto para la mayoría de frecuencias bajas en términos de frecuencia de audio, 20-100Hz. Empezó como la simple imaginación de que el rojo podía ser en una pequeña área de baja frecuencia si escuchábamos al color rojo.

“What color red sounds like?” #include red is based on specific relationships, on between what we hear and what we see. It is a result of thoughts on human’s audiovisual sense. #include red tries to find how those two different visual and auditory senses related together and substitute each other. Through approach of substitutive relationship, color ‘red’, in other words 723~624 nm of visible rays can be substitute to most low frequency in terms of audio frequency, 20-100Hz. It started with simple imagination that red might be in low frequency area if we listen the color red.

NOTHINGS_NOMEANINGS

ZACHARY DUER (Estados Unidos / USA)

2014 / 4’ 46’’
Banda Sonora / Soundtrack: archivos de audio encontrados / found audio files

«Nothings_nomeanings» es un collage multimedia de sonidos y vídeos encontrados. El collage preserva tanto la naturaleza material de los objetos encontrados, como los potencia para una nueva vida e identidad. La cualidad exacta de cada grabación ha sido mantenida intacta. Las muestras representan exactamente cómo son, ni más ni menos. Contienen en ellas el sujeto materia, pero también todas las minucias de la grabación: la perspectiva del autor, el equipo y la unicidad de las condiciones de la grabación. Estos detalles comprenden en sí el carácter de la muestra y su amalgama puede ser sorprendente y bella a la vez que abrumadoramente nostálgica.

«Nothings_nomeanings» is a multimedia collage of found sound and found video.  The collage both preserves the material nature of the found objects as well as invigorates them with a new life and identity.  The exact quality of every recording is kept intact.  The samples represent exactly themselves, no more and no less They contain within themselves the subject material, but  also all of the minutia of recording – the perspective of the author, the equipment, and the uniqueness of the conditions of the recording. These details comprise the character of the sample, and their amalgamation can be both startling and beautiful and  at the same time overwhelmingly nostalgic.

SOMNIOS

JEREMY OURY (Francia / France)

2016 / 8’ 27’’
Banda Sonora / Soundtrack: Maxime Fraisse, Jérémy Oury

Con una simpleza sensual y sorprendente, Somnios es una invitación para satisfacernos en nuestros sueños, para sumergirnos en sueños bañados de luz. Sus movimientos ascendentes nos evaden, falsamente ordenados en grupos de esferas irrumpiendo en nuestros sentidos. No es un espacio sin fin, sino un espacio del infinito donde el espectador es invitado a adormecerse en esta nébula polimórfica, invitado a los ritmos de música grabada a partir de extractos de obras clásicas y sonidos ralentizados al máximo. Es una invitación para permitirse a uno mismo soñar, caer en medio de los sueños, vagar.

With a sensual and a surprisingly simplicity, Somnios is an invitation to indulge in our dreams, to be immersed in dreams bathed in light. Their upward movements escape us, falsely ordered in groups of spheres disrupting our senses of perception. It’s not an endless space but an infinity space were the spectator is invited to be lulled in this polymorphous nebula, to the rhythm of a music recorded from extracts of classical pieces and acoustics sound slowed down to the extreme. It is an invitation to let oneself go to dream, to let oneself slip in the midst of dreams, to wander. Ours, or those of others, who might be ours.

YANTRA

JORGE DAVID ORTIZ TREJO (Mexico)

2017/ 7’00’
Banda Sonora / Soundtrack: Jorge David Ortiz Trejo

Pieza de música visual de juego que trata de emular las sonoridades de las animaciones infantiles introduciendo procesos digitales para intentar conducir una abstracción en   el espectador. Creada a partir de vídeos  sometidos a data bending y data corruption superponiendo las capas para obtener transiciones inesperadas, posteriormente se  agregan matices de colores y ejes de simetría y finalmente se usa para guiar la pieza acusmática buscando la síncresis entre ambas composiciones intentando emular un capítulo de alguna caricatura retrofuturista.

Piece of visual music that tries to emulate the sonorities of cartoons by introducing digital processes to try to drive an abstraction in the viewer. It was created from videos processed with data bending and data corruption superimposing the layers to obtain unexpected transitions, later color nuances and axes of symmetry are added and finally it is used to guide the acousmatic piece looking for the syncresis between both compositions, trying to emulate a chapter of some retro futuristic cartoon.

JAILBIRD

ANABELA COSTA (Francia-Portugal / France-Portugal)

2017 / 5’ 88’’
Banda Sonora / Soundtrack: Stathis Kampylis [Synchronicity for BI1 Brainterface and live electronics]

¿Como es vivir entre rejas?

How is to live behind bars?

VIRTUAL ACTORS IN CHINESE OPERA

TOBIAS GREMMIER (Alemania-Germany)

2016 / 3 ’00”
Banda Sonora / Soundtrack: Gremmler & Kong Audio

Creado para una producción teatral que une Ópera China con New Media, los actores virtuales están inspirados por formas, colores y movimientos de los trajes y danzas tradicionales chinos. El proyecto explora cómo los trajes y los movimiento pueden virtualmente volver a conformar el cuerpo humano.

Created for a theater production that fuses Chinese Opera with New Media, the virtual actors are inspired by shapes, colors and motions of traditional Chinese costumes and dance. The project explores how costumes and motions can virtually reshape a human body.

 

 

CTHULHU REGIO ENTROPY

FLÁVIO CARVALHO (Brasil – Brazil)
2015 / 1’ 02»
Se lanzó una sonda. Un yby sobre «Cthulhu Regio» en Plutón. Datos perdidos.

A probe launched. A yby over “Cthulhu Regio” in Pluto. Data lost.

MARS SUNSET

ALFREDO GARCÍA BARROSO  (España– Spain)

2016 / 1’ 24”
Banda sonora / Soundtrack: Sonido captado por el vehículo Mars rover / Sound picked up by Mars rover vehicle.

Mars Sunset es una composición de vídeo realizada con imágenes enviadas por el robot Curiosity y Mars rover, junto a una serie de secuencias de caballos incluidos en la misma. El título y duración de la pieza viene determinado por este fragmento natural del tiempo, que ha sido manipulado en post-producción, y que pretende reflexionar en torno a la expansión y colonización de nuevos territorios.

Mars Sunset is a video composition made of images sent by the Mars rover Curiosity and robot, along with a number of horses sequences included therein. The title and duration os the piece is determined by this natural passage of time, which has been manipulated in post-production, and aims to reflect over the expansion and colonization of new territories.

GYES

DUYGU NAZLI AKOVA  (Turquía– Turkey)

2016 / 3’ 12”

En la mitología griega, durante los tiempos caóticos de los primeros seres piadosos antes de que se formara el cosmos, Gyes era uno de los tres hijos de Gaia y de Urano. Gyes se presenta en el mundo en una escala mayor, y se representa en Turquía, especialmente en Estambul como una imagen sobre la horrible transformación urbana, cambiando las esferas vivas y condiciones de vida injustas. Este video tiene un lenguaje experimental, dejando atrás el tradicional formato de vídeo horizontal para un diseño vertical. El encuadre y el punto de vista pretenden crear una ilusión. La realidad se rompe en esta nueva forma creada a través de imágenes documentales, donde las micro figuras humanas se mueven a un ritmo rápido, reflejando la velocidad del mundo en el que vivimos y creando una fachada de tiempo.

In Greek mythology, during the chaotic times of the first godly beings before the cosmos was formed, Gyes was one of the three sons of Gaia and Uranus. Gyes is presented in the world on a major scale, and represented in Turkey, especially in Istanbul as an image through the horrific point urban transformation, changing living spheres and unjust living conditions have reached. This video has an experimental language, leaving the traditional horizontal video format behind for a vertical design. The framing and point of view aim to create an illusion. Reality is broken in this new form created through documentary footage, where micro human figures move at a rapid pace, reflecting the speed of the world in which we live and creating a façade of time.

BEHIND THIS PAGE PART 2

ANGELINA VOSKOPOULOU  (Grecia– Greece)

2015 / 7’ 00”
Banda sonora / Soundtrack: Grankulla mushrooms post rock band

Una vida articulada en el vacío, privada de todo estímulo y desprovista de sentido, debe corresponder a un tiempo «congelado», sin flujo. Un tiempo que no conoce pasado ni presente, estático, inmóvil, una mala eternidad …

Cada vez que hay una emoción intensa es como un humo / niebla que cubre todo alrededor. Otras veces, es como si estuviera abrazando todo y otras como si lo estuviera atrapando. Miedo, amor, odio, todos crean humo (niebla) de densidad variable, ancho y color. Todo se dispersa como el humo, excepto cuando se funden en una pared. Si usted está vagando sin rumbo en una playa, por ejemplo, como estoy haciendo ahora, no hay color específico de humo. Sin embargo, si usted está viajando por una razón específica es diferente. Es como esos momentos cuando regresas a casa después de un agotador día de trabajo y proyectas una forma alrededor de ti que te guía y te dirige hacia tu destino. «Permanecí allí, mirando el horizonte, tratando de distinguir o imaginar sombras y formas reflejadas en las nubes y el agua clara. Tratando de ver las olas, el humo y los campos de energía … Los mensajes que nosotros mismos emitimos. Cada célula en un cuerpo y cada molécula y átomo en esa célula se encuentra en un estado de vibración incesante, constituyendo una mayor cantidad de energía que es capaz de transformar las propiedades eléctricas del espacio que ocupan. El mensaje del cambio viaja a otros lugares a la velocidad de la luz. Teniendo en cuenta que nuestros organismos son diferentes, cada uno de nuestro eco – reverbera en una frecuencia que es un rasgo personal, tan único como nuestras huellas dactilares. Somos como los radares. Sensores, sensibles a mensajes de organismos distantes similares.

 

A life articulated in the void, deprived of every stimulus and devoid of any meaning, must correspond to a “frozen” time, without a flow. A time that knows no past or present, static, unmoving, a bad eternity…

Every time there is an intense emotion it’s like a smoke/mist covering everything around. Some other times, it’s as if it’s embracing everything and others as if it’s encaging everything. Fear, love, hatred, all create smoke(mist) of varying density, width and colour. Everything disperses like smoke, except when they merge into a wall. If you’re wandering aimlessly on a beach, for example, as I’m doing now, there’ no specific colour of smoke. If, however, you’re travelling for a specific reason it’s different. It’s like those moments when you get back home after an exhausting day’s work and you project a shape around you which leaves you and heads towards your destination. “I stood there , staring into the horizon, trying to distinguish or imagine shapes and forms reflected in the clouds and the clear water. Trying to see waves, smoke and energy fields… The messages we ourselves emit. Every cell in a body and every molecule and atom in that cell is in a state of incessant vibration, making up a greater amount of energy which is able to transform the electric properties of the space they occupy. The message of change travels to other places at the speed of light. Given that our organisms are different, each of us echoes-reverberates in a frequency that is a personal trait, as unique as our fingerprints. We are like radars. Sensors, sensitive to messages from similar distant organisms.

T-CLICKER (ASTRAL VOYAGE)

CLARA ISABEL ARRIBAS CEREZO  (España– Spain)

2016 / 7’ 14”
Banda sonora / Soundtrack: Clara Isabel Arribas Cerezo

Proyecto basado en el glitch. Descontextualización, errores producidos azarosamente al grabar vídeos de la televisión o archivos en el ordenador, el resultado de ello son imágenes híbridas, compuestas, mezcla de varias en una sola, no directamente abstractas. Interés en la deconstrucción de la tecnología.

Based on glitch art. Use, and pull out of context, haphazardly produced errors when recording movies or television files on the computer, the result are hybrid images, complicated, mixture of several into one, if not outright abstract. Interest about deconstruction of  technology.

CRISÁLIDA

ABEL JIMÉNEZ RIVAS (España– Spain)

2015 / 8’ 39”
Banda sonora / Soundtrack: Lucía Parias y Abel Jiménez

La crisálida, vista como un elemento contenedor de la transformación natural, abandonada por el insecto en su etapa adulta, nos ayuda a expresar la idea de ese espacio evolutivo finito que bien podría ser nuestra vivienda familiar en la juventud. Cuando el contexto social impide la emancipación, estos jóvenes que ya son adultos  no pueden salir de su espacio de transformación y se crea entonces la agonía y la ansiedad del que quiere escapar de un espacio que lo oprime y no lo deja avanzar.

Chrysalis, seen as a container element of natural transformation, abandoned by the insect in its adult stage, helps us to express the idea that evolutionary finite space that could well be our family home in youth. When the social context impedes emancipation, these young people who are now adults can not leave their space transformation and then creates the agony and anxiety that wants to escape from a space that oppresses him and don’t let him to progress.

PNEUMA (triptyque)

ANTONELLO MATARAZZO (Italia– Italy)

2015 / 2’ 20”
Banda sonora / Soundtrack: Gabriele Panico

Como Karma 1, presentado en la 54° Bienal de Venecia, Pneuma analiza el umbral entre la inmovilidad y la transformacio?n, destacando la lenta mutacio?n de un olivo antiguo. El warping de las sinuosas formaciones de madera son una meta?fora para la fuerza generadora de vida de una forma orga?nica de potente valor simbo?lico, absorbida en el ciclo implacable de la naturaleza, donde todo cambia y nada se destruye.

Similarly Karma 1, presented at the 54° Venice Biennale, Pneuma analyzes the threshold between immobility and transformation, highlighting the slow mutation of an ancient olive tree. The warping of the face and the winding wooden formations are a metaphor of the life- force power in an organic forms of powerful symbolic value, absorbed into the relentless cycle of nature, where everything changes and nothing is destroyed.

U .HOTEL

SANDRINE DEUMIER  (Francia– France)

2015 / 20’ 30”
Banda sonora / Soundtrack: Philippe Lamy (original music)

En un lugar abstracto donde el hermetismo de los cuerpos es el reflejo de la imitación de una conciencia, un carácter inconcluso cruza una serie de etapas y transformaciones. «U.hotel» cuestiona la ambigüedad de una visión transhumanista.

In an abstract place where the hermetism of bodies is the reflection of a consciounesses’s imitation, an unfinished character crosses a series of stages and transformations. «U.hotel» questions the ambiguity of a transhumanist vision.

WATERGATE

CRISTIAN NIWA  (Alemania– Germany)

2016 / 7’ 54”
Banda sonora / Soundtrack: Cristian Niwa

La película muestra imágenes de un canal de bloqueo llamado «Sülfeld», que se encuentra cerca de Wolfsburg, las principales instalaciones de producción del fabricante de automóviles Volkswagen VW Alemania. La cerradura maneja diariamente varios metros cúbicos de agua para transportar recipientes para la planta VW entre otros objetos.

La película abrió en el espectador una perspectiva diferente sobre los procesos técnicos y alltagliche, y lleva al espectador a nuevas perspectivas y maneras de ver a las cosas una sociedad industrial tecnocrática.

The film shows images of a canal lock named «Su?lfeld», which is located near Wolfsburg, the main production facilities of the automobile manufacturer Volkswagen VW Germany. The lock handles daily several cubic meter of water to transport vessels for VW plant or other objects move.

The film opened in the viewer a different perspective on technical and alltagliche processes, and leads the viewer to new perspectives and ways of looking at things a technocratic industrial society.

THE EMPTY SITE

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SUNG-HOON  YU (Corea del Sur– South Korea)

2016 / 15’ 00”

Durante algún tiempo, quería crear imágenes de mi casa en mi ciudad natal. En el momento en que me encontré con el sitio de la Bienal de Busan antes de la renovación, empezó, naturalmente a conectar con mis «imágenes», y capturé los recuerdos de mi casa y la transformación del espacio de exposición, en mi trabajo.

For some time, I wanted to create images of my home in my hometown. The moment I came across the pre renovation Busan Biennale exhibition site, it naturally began to connect with my ‘images,’ and I captured my memories of my home and the transformation of the exhibition space in my work.[/vc_column_text][/vc_column][/vc_row]

CAPILLARIES

TADEJ DROLJC  (Inglaterra– England)

2016 / 9’ 27”

«Capilares» se componen de dos elementos esenciales: formas estáticas en 3D y ruido procedural. Ninguno de los dos elementos se revela nunca en la pieza – lo que oímos y vemos es un choque de dos funciones opuestas que sólo pueden materializarse mediante la interacción mutua. Todos los ritmos, frases y movimientos provienen de esta interacción. La pieza es esencialmente una «localización del ruido y su dotación con forma» (Jacques Attali) donde los parámetros musicales y visuales interactúan en ambas direcciones de una manera no jerárquica.

Capillaries consists of two essential elements: static 3D shape and procedural noise. None of the two elements are ever revealed in the piece – what we hear and see is a clash of two opposite functions that can be materialised only through mutual interaction. All rhythms, phrases and movement come from this interaction. The piece is essentially a “localization of noise and its endowment with form” (Jacques Attali) where musical and visual parameters interact in both directions in a non-hierarchical manner.

MATTER WAVES CHROME

GIULIANA CUNÉAZ  (Italia– Italy)

2016 / 3’ 20”
Banda sonora / Soundtrack: Lorenzo Bianchi

Matter Waves Chrome es una instalación de video 3D donde las olas, con su respiración, parecen depositar en el suelo objetos misteriosos o reliquias arqueológicas de colores vivos en constante metamorfosis, que forman parte de un intenso proceso vitalista. A través del uso de la nanotecnología Giuliana Cunéaz manipula formas, alterando los significados y dándoles una nueva identidad, en la que las reglas de visibilidad están sujetas a verificaciones renovadas.

Matter Waves Chrome is a 3D video installation where the waves, with their breathing, seem to deposit on the ground mysterious objects or brightly colored archaeological relics in constant metamorphosis, which become part of an intense vitalistic process. Through the use of nanotechnology Giuliana Cune?az manipulates forms, altering the meanings and giving them a new identity, in which the rules of visibility are subject to renewed verifications.

TRANSFORMHER

THOMAS LISLE  (Reino Unido – United Kingdom)
2016 / 8’ 00”

Se trata de una nueva forma de pensar y usar la pintura y el pincel en el mundo digital , basado en el arte del siglo 21. Las pinceladas digitales tienen todo tipo de posibilidades para transformarse y ser «impulsadas» por otra información. Este trabajo de arte también se refiere al sujeto intemporal de la figura humana y cómo se puede representar y evolucionar junto con el subconsciente o un nivel más profundo de la conciencia y cómo puede cambiar. El motivo del cambio psicológico en la obra de arte se refiere a la teoría de Karl Jung sobre la Anima, el lado interno femenino en el hombre y Animus, el lado masculino interno de las mujeres. Jung identificó 4 etapas de desarrollo de Anima y Animus, todas las cuales están representadas en el video.

It’s about a new way of thinking and using paint and brush stroke in the digital and time-based 21st-century world of art. Digital brush strokes have all sorts of possibilities to transform, and be ‘driven’ by other information. This art work is also concerned with the timeless subject of the human figure and how it can be represented and evolve together with the subconscious or a deeper level of consciousness and how it can change. The motif of psychological change in the art work is in reference to Karl Jung’s theory of the Anima, the inner feminine side in man and Animus, the inner masculine side of women. Jung identified 4 stages of development of the Anima and Animus, all of which are represented in the video.

QUEEN OF THE DREAM

PRZEMYSLAW SANECKI  (Reino Unido – United Kingdom)

2016 / 8’ 18”

Reina del Sueño mapea la realidad de la política británica en un mundo de ensueño y trata de debatir una relación entre los antiguos regímenes políticos y las tecnocracias establecidas.

Queen of the Dream maps reality of British politics into a world of dream and tries to debate a relationship between old political regimes and established technocracies.

PLEASE TOUCH THE SCULPTURE !!

JUAN CARLOS SÁNCHEZ DUQUE (España– Spain)

2013-4

El objetivo de este trabajo es obtener un doble propósito: por una parte tiene el propósito de la función como un trabajo visual que se ha mostrado como un cuerpo de sonido e iluminado por luces voluble y vibrante, y por otro lado se propone ser un interactivo Touch que permite ser acariciado para recibir retroalimentación a través de vibraciones que se acompañan con juntas de sonido.

Este proyecto motiva un aura de «inmaterialidad» a través de la luz y de las entidades numéricas, proporcionando un carácter metamórfico de la «multidimensionalidad expresiva» y se compromete a converger la cibernética y el material y quiere «convertirse en un punto de partida abierto a la estimulación mutua y La recreación de instancias sucesivas de intervención de los diferentes temas que se acercan a la escultura «.

 

The goal of this work is to obtain a double purpose: on one part it has the purpose of function as a visual work been displayed as a sound body and illuminated by fickle and vibrant lights, and on the other hand it intends to be an interactive touch entity that lets to be caressed to receive feedback through vibrations that are accompanied with sound joints.

This project motivates an aura of «immateriality» through the light and the numeric entities, providing a metamorphic character of “expressive multidimensionality». Is committed to converge the cybernetic and the material and wants to “become a starting point, open to mutual stimulation and the recreation of successive instances of intervention of the different subjects that approaches to the sculpture”.

FAKE/REALITIES

HUGUES CLÉMENT  (Canada)

2016 / 2’ 10”
Banda sonora / Soundtrack: Hugues Clément

Fake / Realities es una instalación audiovisual multicanal basada en la exploración/destrucción de texturas sintéticas y orgánicas, evolucionando en un concepto físico/abstracto delimitado por posibilidades digitales. Ambos sonidos y visuales son generados por ordenador: el concepto es frustrar la ilusión, no sólo ilustrando imposibilidades en un concepto polifónico / fónico, sino jugando con posibilidades que pertenecen al mundo digital.

Fake/Realities is a multi-channel audiovisual installation based on the exploration/destruction of synthetic yet organic textures, evolving into a physical/abstraction concept delimited by digital possibilities. Both sound and visual are computer generated: the concept is to foil the illusion, not only by illustrating imposibilities in a polyvision/phonic concept, but to play with possibilities that belong to the digital world.

K.E.R.O.S.I.I.N.I runoja planeetalta

JUKKA-PEKKA JALOVAARA (Finlandia – Finland)

2015 / 7’ 07”
Banda sonora / Soundtrack: Samuli Kristian Saastamoinen

«Necesito llegar al espacio».Cuando no se le concede una nueva plataforma de lanzamiento, la tarea de ser un cosmonauta convierte en casi imposible «.

» I need to get to the space»

When you are not granted a new launching pad , the task of being a cosmonaut becomes next to impossible.»

COSMIC CHESS

DÉNES RUZSA & FRUZSINA SPITZER  (Hungría– Hungary)

2016 / 10’21”
Banda sonora / Soundtrack: Gábor Nagysolymosi

Aunque el ser humano es una parte integral del universo, está ligado principalmente a su planeta. La atmósfera y el campo magnético de la tierra son necesarios para proteger a los seres humanos, porque sin protección nuestro cuerpo no puede sobrevivir. Al igual que en un tablero de ajedrez, sólo podemos movernos en el tiempo y el espacio de acuerdo con las reglas del juego. Pero creemos que hay una «puerta transparente» que nos permite leer la historia, descubrir de dónde venimos y hacia dónde vamos.

Although the human being is an integral part of the universe, it is primarily attached to its planet. The atmosphere and the magnetic field of the earth are needed to protect humans, for without protection our body cannot survive. Like on a chess board, we can only move in time and space according to the rules of the game. But we believe that there is a ‘see-through door’ that allows us to read history, discover where we come from and where we are going to.

BORDER TOWN

HANS GINDLESBERGER  (Estados Unidos– USA)

2008 / 6’ 22”

En la ciudad de la frontera, una figura solitaria examina una línea divisoria que biseca un paisaje desolado. Con una presencia más psicológica que física, existe como un raro impedimento que impide la vuelta a casa.

In Border Town, a lone figure surveys a borderline that bisects a desolate landscape. With a presence more psychological than physi- cal, it exists as an uncanny immpediment to the act of returning home.

LINE

JOAQUÍN MADERA GAMO (España– Spain)

2016 / 4’ 30”
Banda sonora / Soundtrack: Joaquín Madera

Animación futurista que mediante un montaje trepidante evoca la esencia del Prometeo digital, que pugna por traspasar la linea fronteriza de su destino pixeliano para convertirse en mutante universal.

Futuristic animation that through a fast paced edition, evokes the essence of a digital Prometheus, that struggles to cross the line border of his pixelian destiny to become a universal mutant.

MONOTONE

CLAUDE HEILAND-ALLEN  (Reino Unido– United Kingdom)

2016 / 5’ 00”
Banda sonora / Soundtrack: Stereo

Monotone reproduce la génesis de la vida a partir de caracteres orgánicos basándose en transformaciones fractales. Estas parecen emanar en un comportamiento aleatorio y el movimiento perceptible de las partículas es similar al de procesos biomorficos y sintéticos, incluso formas biológicas que remiten a una materia universal original, desconocida y en un estado evolutivo. La composición musical utiliza DSP (Digi- tal Signal Processors) o procesadores de señal digital para crear ritmos chamánicos de alta intensidad. La obra conecta la biología, las matemáticas y las artes imitando las formas universales de la vida en procesos de morfogénesis y creativos.

Monotone reproduces the genesis of life as an organic character through fractal transformations emanating from random behaviour. The perceptible motion of the particles is similar to biomorphic and synthetic biological forms that connect to an unknown original universal matter and its procedural inception. The sound composition uses digital signal processing to create shamanic rhythms of high intensity. The work connects biology, maths and arts imitating universal shapes of life in morphogenic and creative processes.

LYING WOMEN

DEBORAH KELLY  (Australia)

2016 / 3’ 56”
Banda sonora / Soundtrack: Composer: Evelyn Ida Morris, Soundscape: Adam Hulbert

LYING WOMEN imagina a las mujeres escapando de las garras de la historia del arte de siglos de servidumbre a heteropatriarquía colonial. La película propone una gran reunión de danza de la energía femenina , una revolución , una voluntad colectiva de un nuevo futuro.

LYING WOMEN imagines art history’s reclining nudes’ daring escape from centuries of servitude to colonial heteropatriarchy. The film proposes a great gathering of dancing female energy, a revolution, a collective will to a new future.

SOUNDPRINT

MONTEITH MCCOLLUM  (Estados Unidos – USA)

2014 / 8’ 00”
Banda sonora / Soundtrack: Monteith McCollum

«SoundPrint» explora las marcas dejadas por las frecuencias sónicas. Las imágenes de las bandas sonoras ópticas y la micro-fotografía de los discos juegan contra señales similares recibidas por la arena, el agua y las personas. Los sonidos del océano y la Guardiamarina son el telón de fondo para una rica exploración de las sutilezas del sonido transcrito.

“SoundPrint” explores the marks left by sonic frequencies. Imagery from optical soundtracks and micro photography of records play against similar signals received by sand, water, and people. Sounds of the ocean and the Midshipman are the backdrop for a rich exploration of the subtleties of transcribed sound.

#MEMORYOFTHEUNIVERSE | «Syria Planum: For Water for Oil»

ALYSSE STEPANIAN  (Estados Unidos– USA)

2016 / 7’ 22”
Banda sonora / Soundtrack: Philip Mantione (stereo)

Conforme más humanos y otros animales sean desplazados debido al cambio climático y la sequía, las guerras petropolíticas serán eclipsadas por las necesidades urgentes como el acceso al agua dulce. «Siria Planum: Para el Agua para el Petróleo» es la primera edición de #MemoryoftheUniverse, una obra de ficción especulativa combinada con eventos actuales de la vida real. Abarca cuestiones sociales y políticas interseccionales difíciles y controvertidas en un mundo post humano. Algunos temas explorados son el antropocentrismo, las guerras petropolitanas y acuáticas, el nacionalismo, el colonialismo, la política y la ética en la ciencia y la tecnología, los aviones no tripulados y el militance, el terrorismo, los refugiados y la explotación de seres humanos y otros animales.

A medida que el mundo mira lejos de los crímenes que no están satisfechos con la restitución, sus consecuencias resuenan en los oscuros recovecos de nuestras mentes y metafóricamente, continúan viviendo en la memoria del universo, eternamente recurrentes, hasta que encontremos maneras de cambiar nuestra conciencia y nuestro estado actual.

 

As more humans and other animals are displaced due to climate change and drought, petropolitical wars will be overshadowed by urgent needs such as access to fresh water. «Syria Planum: For Water for Oil» is the first edition of #MemoryoftheUniverse, a work of speculative fiction combined with current real-life global events. It covers difficult and controversial intersectional social and political issues in a posthuman world. Some subjects explored are the Anthropocene, petropolitical and water wars, nationalism, colonialism, politics and ethics in science and technology, drones and “militainment”, terrorism, refugees, and exploitation of humans and other animals.

As the world looks away from crimes that are unmet with restitution, their aftermaths resonate in the dark recesses of our minds and metaphorically, continue to live in the memory of the universe, eternally recurring, until we find ways to change our consciousness and current state of affairs.

DERIVA ESCÓPICA

LISI PRADA  (España– Spain)

2015 / 4’ 00”
Banda sonora / Soundtrack: Sonido ambiental. Disparo y clicks simulados. Modificación de la habitual petición de silencio previa a un espectáculo [concierto en la sede de la OCNE].

A partir de una hibridación de géneros y lenguajes (videoensayo, documental, ficción, videoarte) un operador -que es a la vez espectador que mira miradas-, se formula una serie de preguntas. No se trata de documentar el panóptico de las veinte mil fotografías -iguales y distintas- que se toman a diario en el lugar propuesto ni de ilustrar las cuestiones que se enuncian en relación a la teoría de la imagen sino de diferenciar pulsión alienada [ese modo de mirar impuesto por la cultura de la imagen, unida al consumo] y deseo de ver [una manera de mirar que determina otros modos de ver]. Una reacción contra el exceso de imágenes y una reflexión sobre la pérdida del aura y la emoción estética.

Based on a hybridization of genders and languages (video essay, documentary, fiction, video art) an operator -which is both a spectator looking glances-, proposes a series of questions. The work isn’t intended to document the panopticon of the twenty-thousand pictures -all the same and all different- that are taken daily in the proposed place, nor to illustrate the questions that are outlined regarding the media theory. The attempt is to distinguish the alienated drive [that way of looking imposed by the visual culture associated to consumerism] and desire to gaze [another way of seeing]. A reaction against excess of images and a reflection on the loss of aura and aesthetic emotion.