Archivos: Portfolio

MAURICIO SÁENZ  (México– Mexico)

2015 / 3’ 10”

“Casa iceberg” explora la idea de desplazamiento, ambos físico y mental, ante la imposibilidad que un previo espacio puede crear. El aislamiento social producido por un lugar específico evoca la necesidad de movimiento y transformación a un territorio que revierta tal condición. De esta manera se alude a la alegoría de un barco con la misión de desplazar un iceberg como ese espacio en vías de reubicación y como elemento transformable que puede redefinir una cartografía en una situación adversa.

“Casa iceberg” explores the idea of displacement, both physical and mental, as a result of longing a renovated perspective on one’s existence. The social isolation produced by a specific place evokes the need for movement and transformation to a territory that could revert such condition. This alludes to the allegory of a ship with the mission of displacing an iceberg as a space in the process of relocating as a result of an adverse situation.

MAYA SMIRA  (Israel– Israel)

2014 / Loop
Banda sonora / Soundtrack: Original Audio Recording

Este video interactivo fue filmado en la frontera Israel-Egipto durante la construcción de una valla de separación. La explosión planeada en el paisaje es el resultado de la colaboración de los países, como parte de la relación pacífica entre ellos. El video está mostrando el paisaje sereno del desierto la mayor parte del tiempo. Una explosión es activada (por un sensor de movimiento) mientras los espectadores entran en el espacio, una y otra vez, reviviendo la insoportable luz de la destrucción. En una noción más global, el video representa la destrucción causada por la presencia humana, si es consciente e intencional, o no.

This interactive video was shot on the Israel-Egypt boarder line during constructions of a separation fence. The planned explosion in the landscape is a result of the countries collaboration, as a part of the peaceful relationship between them. The video is showing the serene desert landscape most of the time. An explosion is activated (by a motion sensor) while viewers enter the space, over and over again, refecting the unbearable lightness of destruction. On a more global notion, the video depicts the destruction caused by human presence, wether it is aware and intentional, or not.

HAROLD CHARRE  (Francia– France)

2015 / 11’ 10”
Banda sonora / Soundtrack: Harold Charre

La película transcurre como un sueño. Un oscuro sueño que apela a las fuerzas telúricas. En una naturaleza fría que no sabemos si está muriendo o si su poder le permitió sobrevivir, una extraña masa oscura se mueve. Aislado en una cabina, un viejo sacerdote contempla la amenaza que se extiende. Decide emprender un largo viaje. Un viaje interior y exterior.

The film passes like a dream. A dark dream that appeals to telluric forces. In a cold nature which we don’t know if she is dying or whether her power allowed her to survive, a strange dark mass moves. Isolated in a cabin, an old priest contemplates the threat spreading. He decides to undertake a long journey. A journey both inward and outward.

CARLA CHAN  (Alemania– Germany)

2016 / 7’ 40”
Banda sonora / Soundtrack: Stereo

BLACK MOVES es una instalación de video de inmersión que consta de tres versiones diferentes (volumen I, II y III) que se pueden implementar de diferentes formas. Es un drama espacial y un paisaje virtual que simula la formación y desmaterialización de una masa negra amorfa, un despliegue sensorial evocador que atraviesa los límites de lo físico y lo psicológico experimentado dentro de un oscuro espacio esférico. BLACK MOVES surge de mi larga obsesión y fascinación por las transformaciones naturales, particularmente las formas sin forma y su movimiento. El poder transformador de sustancias naturales como el agua, la roca, el aire y las nubes producen infinitas formas que parecen ordenadas y desordenadas al mismo tiempo. Estas transformaciones mágicas desorientan y fascinan continuamente los sentidos, creando una rica trayectoria perceptual que es fletada por un misterioso y desconocido cósmico. Este desconocido cósmico puede ser visto como una representación de un mundo externo, así como un espejo de la psique desde dentro, donde lo inmanente y lo trascendente se funden como uno solo a través de la siempre cambiante audiovisualidad.

BLACK MOVES is an immersive video installation consisting of three different versions (volume I, II & III) that can be implemented in different settings. It is a spatial drama and a virtual landscape that simulates the forming and de-forming of an amorphous black mass, an evocative sensorial unfold- ing that traverses between the boundaries of the physical and the psychological as experienced in- side a dark spherical space. BLACK MOVES springs from my long obsession and fascination with natural transformations, particularly formless shapes and their movement. The transformative power of natural substances such as water, rock, air and clouds produce infinite varying forms that seem both ordered and random at the same time. These magical transformations continuously disorient and fascinate the senses, creating a rich perceptual journey that is chartered for a mysterious un- known cosmic. This unknown cosmic can be seen as a representation of an external world as well as a mirror of the psyche from within, where the immanent and the transcendent are fused as one via the ever-changing audiovisuality.

CLARA APARICIO YOLDI  (Reino Unido– United Kingdom)

2014 / 6’ 20”
Banda sonora / Soundtrack: DubRoot & Ciara Clifford

Video basado en un texto de José Luis Brea: RAM_city (Mil pantallas), parte del libro cultura_RAM. Mutaciones de la cultura en la era de su distribución electrónica.

Es el paso de una ciudad con memoria de archivo (ROM) a una ciudad con memoria de procesamiento: RAM_city. De una memoria de documento a una memoria red. De una memoria consigna, almacén, a una memoria constelación, fábrica.

En RAM_city todo es disconformidad, no hay nada que se concluya como real. La formación del imaginario es una negociación abierta y continua. No entre los individuos y el estado, sino entre las unidades de trabajo, actuación e intercambio.

En palabras de Brea: «No hay otra socialidad que ésta, ocasión y fuga, deriva y flujo, encuentro y rápida dispersión –bigbang continuo».

Video based on a text by José Luis Brea: RAM_city (1000 screens), part of the book cultura_RAM. Mutations of culture in the age of electronic distribution.

It is the transition from a city with “Read-only memory” (ROM) to a city with “Random-access memory”: RAM_city. From a “file based memory” to a “network memory”. From a “storage memory” to a “factory memory”.

In RAM_city everything is disagreement, there is nothing to be concluded as real. The formation of the imaginary is a continuous and open negotiation. Not between individuals and the state, but among the units of work, performance and exchange.

In the words of Brea: «There is no other “sociality” than this one: occasion and leakage, drift and flow, meeting and rapid dispersion– continuous Big Bang «.

TERESA TOMÁS  (España– Spain)

2016 / 1’ 45”
Banda sonora / Soundtrack: Air Anthem de Neko

BANGLA Y PIX deambulan por un mundo donde el tiempo y el espacio se pliegan y desdoblan configurando una suerte de juego. Son miembros de las familias que componen los TIPOS DIFERENTES, y están conformados por signos de puntuación y su misión es estructurar el pensamiento escrito.

Esta animación pertenece al concept art del videojuego de niveles titulado TIPOS DIFERENTES, cuyo objetivo es explorar las relaciones entre realidad y virtualidad mediante la interacción entre poesía y las nuevas tecnologías. Una propuesta donde la autora revisa la experiencia de juego desde claves artísticas, desvelando el enigma que encierran las imágenes a través del tiempo y el lenguaje.

BANGLA AND PIX are wandering through a world where time and space are folded and unfolded, forming a sort of game. They are members of the families from DIFFERENT TYPES, and are made up of punctuation marks and their mission is to structure written thinking.

This animation belongs to the concept art of the level game titled DIFFERENT TYPES, whose objective is to explore the relations between reality and virtuality through the interaction between poetry and new technologies. A proposal where the author reviews the game experience from artistic cues, revealing the enigma that the images enclose through time and language.

RYO IKESHIRO  (Korea del Sur/Reino Unido– South Korea/United Kingdom)

2015-16 / 5’ 00”
Banda sonora / Soundtrack: Ryo Ikeshiro

El trabajo es un extracto de la instalación de medios mixtos «Pika! Ppe-onjjeog, Pika! Ppeonjjeog / Ppiikkaa !! PPppeeoonnjjjjeeoogg», que fue una respuesta a la arquitectura del Centro de Cultura Asia (ACC) en Gwangju donde fue desarrollado y exhibido, y su fetichización de la tecnología y el arte de los medios de comunicación. En la obra original, las proyecciones multicanal llenan las paredes y el suelo de un paisaje urbano especulativo basado en una distorsión de la estructura externa e interna del ACC. Junto con las estampas en 3D y los cristales grabados en láser, los gráficos se crean a partir de  Menger Sponge y los fractales Mandelbox, inspirados en el conocido set Man-delbrot.

The work is an excerpt from the mixed-media installation Pika! Ppe- onjjeog, Pika! Ppeonjjeog / Ppiikkaa!! PPppeeoonnjjjjeeoogg which was a response to the architecture of the Asia Culture Center (ACC) in Gwangju where it was developed and exhibited, and its fetishisa- tion of technology and media art. In the original work, multi- channel projections fill the walls and floor with a speculative fu- turistic cityscape based on a distortion of the external and inter- nal structure of the ACC. Along with the 3D prints and la- ser-engraved crystals, the graphics are created from the Menger Sponge and the Mandelbox fractals, inspired by the well-known Man- delbrot set.

PILAR BOULLOSA ÁLVAREZ (España– Spain)

2015 / 5’ 51”

«LuscoFusco» es un estudio estético del color, luces y sombras de un mismo paisaje durante un atardecer de verano. La pantalla dividida en  8 partes, combina 8 vídeos a cámara rápida con un lapso de 15 minutos entre cada uno de ellos, presentando diferentes momentos de un mismo lugar.

«LuscoFusco» is an aesthethic studio about colour, lights and shadows from a  same landscape during a summer evening. The screen divided into 8 parts, combines 8 fast-motion videos  with a lapse of 15 minutes between each of them, presenting different moments from the same place.

ERIC HYNYNEN (Finlandia– Finland)
2011 / 5’ 27”
Banda sonora / Soundtrack: Stereo

«Película Negra» es un corto experimental producido por la superposición de capas de metraje encontrado, acción en vivo y animación. El resultado es una visión poética, de ensueño, casi abstracta, en el mundo de un personaje ficticio de película de terror.

«Film Noir» is an experimental short produced by overlapping layers of found footage, live action and animation. The result is a poetic, dreamlike, almost abstract, vision into the world of a fictional horror movie character.

EMILIA IZQUIERDO (Reino Unido – United Kingdom)
2016 / 4’ 00”
Banda sonora / Soundtrack: Emilia Izquierdo Copyright NASA

LuzCiega/RuidoBlanco (2016) es un video que explora la interacción fluida entre la naturaleza y la tecnología intercambiando el toque pictórico y el lenguaje digital así explorando la división borrosa de nuestros tiempos entre la naturaleza y la tecnología. Usando eventos cósmicos y terrestiales mezcla la luz y la oscuridad, el fin y el comienzo, lo humano y lo natural. ¿Hay diferencia?

Blind Light/White Noise (2016) is a video loop that explores todays blurry divide between nature and technology, creation and destruction. Using cosmic and terrestrial events it explores how technology affects the way we see and understand the world interchanging between the tactile touch and the digital touch.

[TONOPTIK] YURY TOLSTOGUZOV, ALEXANDR INKOV  (Rusia– Russia)

2015

 Instalación audiovisual interactiva MediaLab fue creada en 2015 por el colectivo Tonoptik, cuyos miembros: Alexander Inkov, Yury Gorbachevskiy y Yury Tolstoguzov – establecieron la tarea de crear, a través de la tecnología multimedia, un nuevo entorno experimental para la interacción humana con las personas de alrededor o con el Ambiente en el que se encuentran. La instalación representa una mesa redonda interactiva para cuatro participantes, cada uno de los cuales puede usar dos controles. Los participantes pueden pueden usar los controladores virtuales que afectan a un modelo interactivo de la instalación que, debido a los algoritmos utilizados, no sólo tiene una única visual, sino también la modulación de sonido tridimensional que se implementa mediante un sistema de sonido multicanal.

Interactive audiovisual installation MediaLab was created in 2015 by Tonoptik collective, whose members: Alexander Inkov, Yury Gorbachevskiy and Yury Tolstoguzov – set the task of creation, by means of multimedia technologies, a new experimental environment for human interaction with the people around or with the environment in which he is located. Installation represents a round interactive table for four participants, each of whom can use two controls. Participants can manage some kind of virtual sliders that affect an interactive model of the installation which, due to algorithms used, not only has a unique visual, but also three-dimensional sound modulation that is implemented by means of a multichannel sound system.

YIANNIS KRANIDIOTIS  (Grecia– Greece)

2015/ 4’ 23”
Banda sonora / Soundtrack: Yiannis Kranidiotis

Ichographs MdelP (Madonna del Prato) es una obra de sonido e imagen que explora las relaciones entre los colores y las frecuencias. La famosa pintura de Raffaello «Madonna del Prado» se descompone en 10.000 partículas cúbicas cada una con una frecuencia relevante para su color. Mientras nos movemos, escuchamos el sonido de todas estas partículas de colores / generadores de frecuencia que vuelan en el espacio hacia el lienzo para componer el cuadro. Los colores cálidos (como el rojo) son frecuencias más altas y los colores fríos (como el azul) son frecuencias más bajas. Ichographs es un método de creación de sonidos utilizando estímulo visual y la transformación de color-frecuencia. La pintura se transforma en el dominio del audio y de vuelta a la producción visual de una amalgamación contemporánea. A medida que pasamos por las diferentes capas de color / frecuencia, investigamos las conexiones entre la estética clásica y la práctica digital, revelando una versión latente de la antigua obra maestra. La obra final es una amalgama contemporánea de la vieja pintura y los modernos métodos de abstracción, un diálogo armonioso entre lo viejo y lo nuevo, lo analógico y lo digital.
 
Ichographs MdelP (Madonna del Prato) is a sound and picture artwork that explores the relationships between colors and frequencies. The famous painting of Raffaello “Madonna del Prato” (Madonna of the Meadow) is decomposed into 10,0000 cubic particles each carrying a frequency relevant to its color. As we move around, we hear the sound of all these colors/frequency generator particles fly in the space towards the canvas to compose the painting. Warm colors (like red) are higher frequencies and cold colors (like blue) are lower frequencies. Ichographs is a method of creating soundscapes using visual stimulus and the color-frequency transformation. The painting is transformed into the audio domain and back to visual producing a contemporary amalgamation. As we pass through the various color/frequency layers, we investigate the connections between classical aesthetics and the digital practice, revealing a latent version of the old masterpiece. The final artwork is a contemporary amalgamation of the old painting and the modern abstraction methods, a harmonious dialog between the old and the new, the analog and the digital.

REBECCA RUIGE XU  (Estados Unidos– USA)
2015 / 4’ 15”
Banda sonora / Soundtrack:  Nicolas Scherzinger

«Al salir se convierte en llegar» es una película digital corta generada a través del análisis de la música ‘inter-sax-tive’ usando el programa de Procesamiento. Trata de provocar la sensación inmensamente perturbadora pero anticipativa al final de un capítulo antes de pasar a nuestro próximo viaje hacia las mayores posibilidades en lo desconocido.

“When Leaving Becomes Arriving” is a short digital film generated through analyzing music ‘inter-sax-tive’ using Processing programming. It attempts to elicit the immensely upsetting yet anticipative feel at the ending of a chapter before moving on to our next journey towards the greater possibilities into the unknown.

LEA PETRÍKOVÁ (República Checa – Czech Republic)
2016 / 4’ 33”

«El precio de la noche» es una lucha interminable de dos caballeros pero también de dos animales.

Los caballeros están luchando. ¿Dónde están sus caballos? Tal vez son los propios caballos, sus propios monumentos sin gloria. La película cuenta una historia de la desaparición de los animales en el mundo de hoy, pero también de una relación fuerte que la gente y los animales tuvieron  una vez. La obra forma parte del proyecto de graduación de Lea Petrikova en la Escuela de Cine y Televisión de la Academia de Artes Escénicas de Praga (FAMU).

«The Night’s Fee» is a never- ending fight of two knights but also of two animals.

The knights are fighting. Where are their horses? Maybe they are the horses themselves, their own monuments without a glory. The film tells a story of disappearing animals from today’s world but also of a strong relationship people and animals one time had. The work is a part of Lea Petrikova’s gradution project at Film and TV School of Academy of Performing Arts, Prague (FAMU).

ANTONELLA MIGNONE  + CRISTIANO PANEPUCCIA (Italia– Italy)

2016 / 1’ 20”
Banda sonora / Soundtrack: Cristiano Panepuccia

Un contacto entre dos cuerpos. Un intenso intercambio de información. Un cóctel químico en el cerebro.

A contact between two bodies. An intense sharing of information. A chemical cocktail in the brain.

FRED L’ EPEE  (Suecia– Switzerland)

2016 / 12’ 43”
Banda sonora / Soundtrack: Arredgibb (drone-001) , Thalamus-lab(stone-grind) , Speedenza (suspense-theme) , Nick121087 (spaceship-ambience) , ERH (space-sound-ph-sny-b6-3, (mf3b7-92-whisperers)

La mitología contemporánea como la representación de una catarsis. Mil variaciones de lo humano. Vacío. Traducido por la definición de nuestras identidades que se volvieron amorfas. Éxtasis. La alteración de nuestra psique. Vértigo. Un cisma existencial. El laberinto construido por Dedalo. La muerte no es un fin en sí mismo. Tal vez una inercia. Sin reproducción. Tampoco la transposición.

LAURA & SIRA CABRERA DÍAZ (España– Spain)
2016 / 7’ 34”
Banda sonora / Soundtrack: Wade Mattheus – Electrónica. Pascal Niggenkemper – Contrabajo. Fragmentos de la actuación en Cruce, Madrid, 19-5-2016

El tiempo es el protagonista, un tema inabarcable y abstracto, estudiado en todas las épocas y vivido de muchas maneras por el ser humano. Es hacer visible algo intangible, pero que todos sentimos, dentro y fuera de nosotros, en el universo y en nuestra existencia finita. Estas imágenes no muestran un acontecimiento, se plantean como un escenario para descifrar, pues el tiempo, además de ser estudiado por la ciencia, suena a poesía.

Prigogine dice: “El tiempo precede a la existencia y podrá hacer que surjan otros universos”.

Time is the protagonist, an incomprehensible and abstract subject, studied in every age and lived in many ways by humans. It is about making visible something intangible, but we all feel, inside and outside of us in the universe and in our finite existence. These pictures do not show an event, is presented as a stage to decipher, for time, besides being studied by science, it sounds like poetry.

Prigogine says: «Time precedes existence and may make other universes arise».

BEATRIZ MINGUEZ DE MOLINA  (España– Spain)

2016 / 5’ 00”
Banda sonora / Soundtrack: Max Ritcher

HUSEYÍN MERT ERVERDÍ (Turquía – Turkey)
2016 / 1’ 18”

«Variaciones sobre un tema» es un video de un solo canal, en un ciclo repetido que consiste en casi 700 imágenes obtenidas de cientos de muestras, desde las células procariotas de bacterias como bacillus y spirillum, a numerosos tejidos de eucariotas de distintos animales, plantas y hongos. Cada espécimen es cuidadosamente fotografiado bajo un microscopio con iluminación de campo oscuro.

Esta pieza utiliza visuales sobre el veloz desarrollo y continuidad evolutiva de las células orgánicas mediante una técnica de edición rápida, creando una expresión estética de diferentes formas de vida que se mezclan entre sí, figurativa y literalmente, visualizando una perspectiva teórica científica establecida en una auténtica expresión artística.

FABIO SCACCHIOLI & VINCENZO CORE (Italia – Italy)
2015 / 5’ 15”
Banda sonora / Soundtrack: Vincenzo Core

ISABEL PÉREZ DEL PULGAR (España – Spain)
2016 / 3’ 53”
Banda sonora / Soundtrack: Isabel Pérez del Pulgar

MARIE-FRANCE GIRAUDON (Francia – France)
2016 / 15’ 30”
Banda sonora / Soundtrack: Sonido ambiente / Ambient Sound

FRANK McCAULEY (EE.UU – USA)
2016 / 3’ 50”
Banda sonora / Soundtrack: The Caretaker

Welter/Wallow explores a fascination with the relationships between private and public, reality and fiction, and also the dynamic interplay between the individual and structures or masses. This work also investigates the distortions of language and logic, by looking at ways in which technology can influence perception. Taking the figure as subject, it is put through a process in which its features are distorted, suppressed, or intensified in the service of expressing something beneath or behind the observable surface. That is, something that is best implied in the slippage between the recognizable and what is unexplained or mysterious.

ROLAND QUELVEN  (Francia – France)
2016 / 5’ 10”
Banda sonora / Soundtrack: Juan Antonio Nieto

Other spaces between Utopian and Real landscapes.
W_Spaces for Otherness (W is for Window) is a work which belongs to a series entitled Heterotopology: «This science would not study utopias for this term has to be kept for that which does not really exist, but heterotopias, these other absolute spaces. The science in question would therefore logically be called and is already called <heterotopology>”. Michel Foucault

IVÁN CARAMÉS BOHIGAS  (España – Spain)
2015 / 5’ 45”
Banda sonora / Soundtrack: Iván Caramés Bohigas & Diana Syrse

Soundesthesia I (sonido + sinestesia) es una obra audiovisual inmersiva en forma de “Suite”. En este primer capítulo de la serie, el autor explora su mundo interior y sensorial como forma de reflexión acerca del futuro de la humanidad

Soundesthesia I (sound + synesthesia) is an immersive audiovisual “Suite”. In this first piece of the series, the artist explores his emotional and sensorial impressions in a mediation on the future of humankind.

LARISSA SANSOUR & SØREN LIND (Palestina / Reino Unido – Palestine / U.K.)
2015 / 28’ 35”
Banda sonora / Soundtrack: Aida Nadeem

DENNIS H. MILLER  (EEUU-USA)
2015 / 9’ 35”
Banda sonora / Soundtrack: Dennis H. Miller

Variaciones (en blanco y negro) es una serie de nueve bocetos cortos basados en torno a un motivo similar. Cada una de los trabajos utiliza un medio diferente de generar sus imágenes. La música, compuesta también por el autor, añade un elemento afectivo a los cuadros.

A series of nine short sketches that are based around a similar motif. Each of the works uses a different means of generating its imagery. The music, also composed by this author, adds an affective element to the pictures.

SHAUN WILSON (Australia)
2015 / 63′

La Suite de 51 Pinturas es una pentology de largometrajes de cine lentos que reconfiguran personajes ubicados en 800 años de edad pinturas medievales alemanas en nuevas ubicaciones menudo filmados a 200 fotogramas por segundo. EL SASTRE DE OTOÑO es la segunda entrega filmada en la Galería Nacional de Victoria, el Centro de Educación Espacial Victoria, RMIT Universidad Disseny Hub, y en varios sitios a lo largo de Victoria.

LEA PETRIKOVA (República Checa)
2015 / 9’13”

Performance en una instalación audiovisual. Un evento de performance visto y revivido en la orilla de un lago. Se invita a los espectadores y los artistas (y los todo-en-uno) para experimentar puro estado de observación. Protagonizada por natura, multitud y luz. Una pieza de vídeo meditativa se inspira en las tendencias minimalistas y elementales de la historia del arte povera (arte, John Cage, Joseph Beuys …) y trata de transformar similares modos de pensar una imagen en movimiento fuerte de sencillo evento que se superponen fundamental de simbolismo

XCEED (Hong Kong)
2014 / 1’53”

Desde 2011, el 311 Terremoto en Fukushima una vez más despertó la atención mundial en la pesadilla de la catástrofe nuclear. Hasta ahora, no existe una solución viable para Japón para solucionar el problema con fugas. Las aguas residuales altamente irradiada tiene que ser puestas en libertad hasta el Océano Pacífico y seguir contaminando la vida marina, siendo el resultado de daños en toda la cadena alimentaria. Mientras, el gobierno de Japón sigue ocultando la noticia y la situación real del problema de la radiación. El proyecto tiene como objetivo la visualización de la radiactividad y elevar la conciencia del público.

RadianceScape es una composición sónica datos visualizar. Es a partir de los datos de radiación en vivo desde el Safecast.org, una red de sensores global para recopilar y compartir las mediciones de radiación, para generar un paisaje audiovisual. Al parecer, en una perspectiva de asignación de nubes de puntos en los que la densidad del nivel de radiación está representando a la visibilidad del paisaje urbano. La secuencia de las imágenes se agarró de datos de los mapas de profundidad ocultos del Streetview API Google. La composición sonora se basa en los datos locativos para generar diferentes tonal de ambiente zumbido y ruido. La puntuación gráfica consta de 2 partes separadas. La primera parte está ilustrando la ruta de Hong Kong, donde visualizar el nivel de radiación de Mongkok a la zona de Tsim Sha Tsui. La segunda parte está ilustrando la ruta de Fukushima, donde visualizar el nivel de radiación de la Prefectura de Fukushima a la planta de energía nuclear.

ALEXANDER ISAENKO (Ucrania)
2015 / 8’42”

Hace unos años Sergey desde Krasnodar creó un canal en YouTube. Documenta sus diferentes estados de ánimo con la pequeña cámara, comparte sus notas en línea, sobre todo cuando está de visita en su casa rural del país. Le gusta trabajar en la tierra, por eso habla de la casa de campo como de su placer. Sergey se considera a sí mismo una personalidad desarrollada, tanto física, espiritual e intelectualmente. Su cuerpo desnudo constantemente nos convence de la primera. También encuentra las habilidades de actuación en sí mismo, juega bocetos sin gracia y vulgares. Él sabe que el tejido del universo, él es aficionado a las teorías de cuerdas, y reflexiona sobre temas locura y genio. A veces, después de segar la hierba ve claramente que él pertenece a la comunidad científica.

YUNG TING TSAI (Taiwan)
2015 / 3’11”

La vida es un viaje. Dejar una casa en la vida cotidiana es también un viaje. Lo que sucede en el camino de solapamientos y se entrelaza con la memoria, la sensación y la reflexión virtual. Cada ciudad tiene su propia dinámica y el ritmo. Me inspiré y trato de capturarlo. En 1949, muchas personas trataron de viajar a Taiwán a través de Hong Kong. Se suponía que iba a ser una estancia temporal, pero se convirtió en la separación entre los seres queridos en la vida o la muerte. No tenía la intención de contar sus historias, en cambio, está inspirado. HK es un lugar de intercambio, por lo que la conexión y la salida. ¿Qué recuerda el cuerpo? Dejando o saliendo de uno mismo, el cepillado contra una persona, pero que no cumplan con los demás, o para reavivar la vieja llama. Partir es violencia. La violencia es la imitación recurrente de ternura. El paisaje persistente, a veces, como el latido tambores ataques brutales contra el tiempo.

SANDRA ARAUJO (Portugal)
2015 / 3’08”

Videojuegos Atari Gameline combinados con una estética basada en la informática

MARIT SHALEM (Holanda)
2015 / 17’00”

El hiperespacio productivo  es el lugar donde se origina nuestra energía. Es esta misma energía que puede sanar a los enfermos de la máquina productiva en el cine experimental de Jutta Mind. En su libro El Espejo de Producción Baudrillard escribe: «… vamos a subvertir el modo de producción capitalista en el nombre de una auténtica y radical productividad. Vamos a abolir la ley capitalista del valor en el nombre de una hiperproductividad de-enajenado, de un hiperespacio productivo. Capital desarrolla las fuerzas productivas, pero les frena así: tienen que ser liberados … liberar el significante! la producción textual del significado! … Volver a su energía bruta, restaurarlo como una máquina productiva! … «

El trabajo de vídeo de Jutta Mind está dibujando una superhéroe femenina. Jutta Mind tiene la capacidad de dividirse de forma simultánea su tiempo entre ser una trabajadora de la fábrica a la realización de acciones como una super héroe en una segunda dimensión. Ella tiene un objetivo importante que cumplir: el rescate de la máquina P – la máquina de producción de las manos de su propio empleador, Dey más seco y su compañía D-Ent. Esta P Máquina, medio orgánico-criatura medio mecánico está enferma y en peligro de extinción. Un grupo de refugiados se están uniendo fuerzas con Jutta Mind. Juntos están a punto de pasar a través del espejo de la frontera en dirección al tan frio Hiperespacio Productivo.

El trabajo de Jutta Mind combina la contribución de los actores con los objetos, accesorios y manipulación digital. La puesta en escena se presenta como una situación ‘estirada’ en un retraso o evitar la acción cinematográfica. Mientras tanto la banda sonora está siguiendo el ritmo normal de una película.

Este trabajo video fue filmado en De Fabriek, Eindhoven, NL. Los actores fueron filmados en un estudio clave de croma improvisada, que más tarde se estableció en una edición digitaly compuesta. La banda sonora fue grabada por delante de las imágenes de acuerdo con un guión gráfico en movimiento. La edición fue consecuencia siguiendo la banda sonora.

RUZSA DENES (Hungría)
2015 / 5’00”

La expansión de la civilización humana en el espacio no será por mucho más tiempo una ficción como décadas antes. Lentamente 50 años después del aterrizaje lunar, el hombre busca la posibilidad de supervivencia a largo plazo en Marte. Las imágenes digitales se mezcla con algún tipo de «collage analógica». Los marcos de animación se proyecta que los diferentes objetos y superficies con un proyector de luz baja. La proyección se registra como imagen en movimiento de nuevo y se combina con la original. En el trabajo final que no quería exagerar la collage, que hemos llegado. Estas pantallas paralelas se ajustan al tema de la película

JONATHAN NOTARIO (España)
2014 / 5’00”

En 1980 el norteamericano Dennis Hope aprovechando un vacío legal de la ONU de 1967, registró la Luna a su nombre, y montó su empresa “Lunar Embassy” de venta de parcelas lunares (www.lunarembassy.com). El proyecto “Reality Toys. Moon Park” del artista Jonathan Notario, reflexiona sobre los límites de lo real y de la utilización de los vacíos legales, para dar lugar a narraciones que rompen las barreras entre lo verídico y lo ficticio dentro de la práctica artística. El proyecto tiene su base en el hecho real de la compra por parte del artista de un terreno lunar a la empresa americana para, a partir de él, construir un parque temático en el que cualquier cosa es posible. Su obra habla de cómo la creatividad y el sistema del arte pueden hacer realidad sueños imposibles sin necesidad de dinero y grandes medios. Utiliza el arte como un juego de simulación desde el cual poder reflexionar sobre el ser humano, cuestionando la forma en la que la ficción y la realidad se relacionan entre sí. Para ello el artista trabaja en una línea didáctica, relacional, empática y respetuosa con el espectador, mediante la creatividad y el humor. Sus proyectos suelen ser participativos y juegan a simular aspectos populares y lúdicos con los que todo el mundo puede identificarse, y acaban formando parte de su imaginario colectivo, como Worker Man, el muñeco que me sustituye en el trabajo, la pasta tapa huecos, o la bomba atómica anti discusiones. Notario utiliza la pintura, el dibujo, la fotografía, el video y la instalación, y suele emplear materiales como madera, cartón, papel, y plástico mediante técnicas artesanales y de bajo presupuesto para simular procesos de representación industriales o estandarizados de alta gama y presupuestos colosales como son la industria juguetera, el visual merchandising, el mundo del cine, la industria del libro, la creación de parques temáticos, etc… Sus fuentes de inspiración no

provienen necesariamente del arte sino también de otras formas de ficción como los cómics, la literatura, el cuento clásico y el cine.

LORENZO OGGIANO (Italia)
2013 / 3’41”

“Quasi-Objects” es un proyecto de arte (2003-en curso) que consiste en 3d videos y grabados . Una práctica de la «re-diseño orgánico» que tiene como objetivo procesar su génesis sintética / combinatoria como una ventaja operativa para estimular la reflexión y el diálogo sobre la relativización purgativa de las formas naturales de la vida como consecuencia de la evolución técnico-biológico.

JUNG HEE BIANN SEO (Corea del Sur)
2014 / 3’00”

Esta película experimenta la posibilidad de visualización de cuerpo orgánico como una imagen 3d sintética, un cuerpo que se encuentra atrapada en una angustia de fuentes desconocidas u olvidadas.

Básicamente influenciado por algunas figuras femeninas que habían sufrido por las fuerzas no deseadas, marcados por traumatismo físico y mental. De Proserpina de la mitología griega a Rosemary Kennedy, esta película re-teje una narración fragmentada de un ser tan trágico.

KATHERINE FIEDLER (Perú)
2015 / 4’00”

Imágenes hipnóticas del agua , junto con un sonido que nos lleva a un trance. Aparece un hombre de mirada intensa que ¨camina¨ sobre el agua, o eso aparenta.

Dos mundos el natural y el artificial se dividen por una línea casi invisible que es por dónde camina este hombre.

¿Cuál es el límite entre esos dos mundos? ¿Podremos realmente separarlos? o es que acaso su diferencia es cada vez menos visible?

El engaño, la potencia de lo falso como una certeza. Se cuestiona si hay una diferencia entre lo real y lo irreal.

SLAWOMIR MILEWSKI (Polonia)
2015 / 5’30”

‘Fissure of continuity makes continuity fake’ – juga con romper la estructura de la narración lineal y no lineal, al mismo tiempo.