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“Moonage Daydream #27” es un ensueño psicodélico y estético – la mente se debía al paisaje sonoro, reminiscencias y apariciones. Un sueño cósmico/ proyección astral, flotando en la ingravidez en medio de formas orgánicas con colores móviles y dinámicos.

“Moonage Daydream #27” is a psychedelic and aesthetic reverie – the mind wanders to the soundscape, reminiscences and apparitions. A cosmic dream/ astral projection, floating is weightlessness in the midst of organic shapes with moving and dynamic colors.

“Keep your electric eye on me / Put your ray gun to my head / Press your space face close to mine love / Freak out in a moonage daydream”

David Bowie (Moonage Daydream)

Entre el infinito y un final, hay un espacio lleno de pura persistencia. En esta dimensión la existencia humana parece estar suspendida en una dicotomía entre estabilidad y cambio, vivir y permanecer, la apariencia y la verdad, un proceso y un momento captado. Todas estas oposiciones se convierten en tensiones, y éstas tensiones se convierten en la esencia del círculo vital. Es por eso que ‘Snap’ (el videoarte de Jacek Jędrzejczak) trata sobre las relaciones entre el tiempo y el espacio, las  diferencias aspectos de la existencia, y sobre todo, sobre las emociones escondidas bajo las apariencias cotidianas.

Between infinity and an end there is a space filled with pure persistence. In this dimension a human existence seems to be a suspension in a dichotomy of stability and change, living and remaining, a guise and the truth, a process and a captured moment. All these oppositions become tensions. And these tension become an essence of life circle. That’s what „Snap” (Jacek Jędrzejczak’s videoart) is all about – the relations of time and space, different faces of existence and above all – the emotions hidden beneath everyday appearances.

Una banda sonora meditativa acompaña secuencias de fotos que crean la ilusión de movimiento y continuidad. En el límite de la ilusión y la realidad, la imagen y el sonido alientan al espectador a sumergirse en el ritmo de la naturaleza.

A meditative soundtrack accompanies sequences of still photos which create an impression of movement and continuity. At the border between illusion and reality, the image and sound encourage the viewer to immerse in the rhythm of nature.

Una autopista imaginaria a través de las montañas por donde corre el viento, que rompe el hielo, que dibuja el paisaje cubierto de nieve y donde la vibración de los metales converge, desaparece y resiste las continuas ráfagas.

La ventisca es una disfunción visual causada por la blancura de la nieve y las nubes que se confunde violentamente: el cielo está cayendo.

Todo lo que queda es una persona solitaria, perdida en el paisaje, que toca un vibráfono e insiste en no perder el control.

An imaginary motorway through the mountains where the wind runs, which breaks the ice, which draws the snow-clad landscape and where the metals vibration converses, disappears and resists the continuous gusts.

The whiteout is a visual dysfunction caused by whiteness of snow and clouds that confuses violently: the sky is falling.

All that remains is a lonely person, missing in the landscape, who plays a vibraphone and insists on not losing  control.

“El origen de las piedras” cuestiona los ideales del pasado y su vigencia en el presente por medio de la decadencia y caída de monumentos construidos para preservar una memoria histórica. Con un texto basado en un debate que pone en duda la eficacia de una escala empleada para documentar la proporción y apariencia de restos arqueológicos, esta obra ve en el concepto de la ruina un elemento de contenido vivo enlazado al presente y enfatiza la poderosa aunque frágil naturaleza de las narrativas de la historia. Por lo tanto, se hace evidente la imposibilidad de imaginar las promesas de un futuro en las ruinas de un pasado reciente, representando así un modelo del fracaso de la utopía.

“The origin of stones” questions the ideals of the past and their validity in the present through the decay and fall of monuments built to preserve a historic memory. With a text based on a debate that puts in doubt the efficiency of a scale used to document the proportion and appearance of archaeological remains, this work looks to ruins as elements of live content linked to the present and emphasizes the powerful yet fragile nature of the narratives of history. Therefore, it mirrors the impossibility to imagine the promises of a future on the ruins of the recent past, representing in this way a model of a fallen utopia.

Dos mujeres se cruzan en un motel; un cliente retirándose para tener ocio y un ama de casa resistiéndose a ello.

Leisure se libera a sí mismo de una narrativa dramática; tomas largas de detalles y momentos insignificantes se convierten en los sujetos operativos de esta película, donde el excedente de realidad, complementado con el incremento de la duración, ofrece una dramaturgia mundana, si se quiere. Al canalizar el simple efecto del estilo minimal-hiperrealista, Leisure se recrea en la representación literal de no-eventos rutinarios del ocio corporal y del trabajo de los cuerpos encontrándose en sus respectivas circunstancias cotidianas, tal y como relajarse con un baño caliente o limpiando el cuarto de aseo. Representando la cotidianeidad  a través de los detalles del día a día de dos mujeres comparando sus vidas, estoy investigando vidas ordinarias – las rutinas a las que nadie presta atención, registrando estos momentos pequeños, por lo que luego cuando los vemos, podemos hacernos conscientes de nuestra propia cotidianeidad y evaluar qué es lo que estamos haciendo con nuestras vidas.

Two women traverse around one another in a motel; a guest retiring to leisure, and a housekeeper resisting it.

Leisure frees itself from dramatic narrative; long takes of insignificant details and events become the films’ operative subjects, in which the surplus of reality complemented with the accrual of duration, offers a mundane dramaturgy, if you will. By channeling the simple effect of a minimal-hyperrealist style, Leisure relishes in the literal depiction of routine (non)events of the leisure body and the labor body engaging in their respective quotidian circumstances, such as relaxing in the hot tub or cleaning the toilet. In representing everydayness through the quotidian details of two womens’ contrasting lives, I am investigating ordinary lives – the routines that no-one pays attention to, registering these minimal moments, so that when we see them, we acknowledge our own “everydayness” and evaluate what we are doing with our own lives.

“The origin of stones” questions the ideals of the past and their validity in the present through the decay and fall of monuments built to preserve a historic memory. With a text based on a debate that puts in doubt the efficiency of a scale used to document the proportion and appearance of archaeological remains, this work looks to ruins as elements of live content linked to the present and emphasizes the powerful yet fragile nature of the narratives of history. Therefore, it mirrors the impossibility to imagine the promises of a future on the ruins of the recent past, representing in this way a model of a fallen utopia.

En gráficos web y de computadora, el vacío se representa con un patrón de ajedrez, blanco y gris. En este video hipnótico, este vacío está retorciéndose, redescubriendo la forma. El vacío trata de redescubrir la forma en sí misma, el vacío en busca de la materia. Este tablero de ajedrez está en la base de cada imagen digital, está escondido detrás de cada píxel.

In web and computer graphics, the void is represented with a white and gray chess pattern. In this hypnotic video this void is writhing rediscovering form. The void tries to rediscover the form in itself, the void in search of matter. This chessboard is at base of every digital image, it is hidden behind every pixel.

En este proyecto mis vídeos son como carillones y puzzles que quieren enseñar el espíritu de una ciudad en sus diferentes aspectos y movimientos. Al mismo tiempo, tratan de describir el proceso emocional y cognitivo que tiene lugar en la mente del viajero. Usando detalles de un reportaje fotográfico, he creado varios collages digitales que reagrupan en ellos la forma de los lugares de una ciudad tal cual estaban grabados en mi cabeza. La animación procura devolver, no sólo las impresiones vividas y las influencias, sino que también trata de devolver las perspectivas del viajero, que se concentran ahora en un particular acercarse y alejarse simultáneamente, luego en otro, de una manera en que la perspectiva no está dada por las leyes científicas, sino por la emoción sentida al observar y al descubrir. Una arquitectura futurista hecha a partir de animales fantásticos de una prehistoria galáctica, moviéndose en una atmósfera industrial fantástica. Bilbao, una ciudad con una fuerte identidad, mezcla de antiguos valores y amor por el progreso. Pero, ¿quién es realmente esta gente? ¿de dónde provienen?

In this project my videos are like carillons and puzzles, that want to show the essence of a city in its manifold aspects and its motion. At the same time, they try to describe the emotional and cognitive process that takes place in the traveller mind. Using details from a photo reportage, I created some digital collages that reassemble the shape of city’s places as they are imprinted in my head. The details are notes on a traveller pad as fragments surviving in his memory. The animation tries to give back not only lived impressions and influences, but also the points of view of the traveller’s eye, that now focuses on a particular, now on another one, zooming in and zooming out simultaneously, in a way where perspective is not given by scientific rules, but by emotion felt while observing and discovering. An avverinistic architecture, made by fantastic animals of galactic prehistory, moving within an industrial-fantasy atmosphere. Bilbao, a city with a strong identity, a mix of old values and love for progress. But, who really are its people? Where do they come from?

Transiciones es un viaje desde el vacío civilizador del desierto hasta un máximo urbano,  hasta una densidad capitalista y hedonista que en el caso de las Vegas tiene algunas expresiones raras. La película es una contemplación sin gente o máquinas en movimiento, centrándose en lo construido y diseñado. La narración es fragmentaria y trabaja con calmados y crudos travelling frontales. Transiciones es también una narrativa de lo ‘convertirse-en-ciudad’.

TRANSITIONS is a journey from the civilizing void of the desert to a maximal urban, capitalistic and hedonistic density, which in the case of Las Vegas assumes some bizarre expression. The film isa contemplation without any people or moving machines in it, focussing on the built and designed. The narration is fragmentary and works with calm frontal, raw tracking shots. TRANSITIONS is also a narrative of «city-becoming».

Esta película es una metáfora sobre quiénes somos y de dónde venimos. Un secreto guardado en el abismo.  Para descodificar el mensaje a través del miedo y los prejuicios, de la imitación a la comunión, de la meditación al movimiento. Bailar hacia el horizonte  desde puntos de no retorno.

La ironía de nuestra metamorfosis – para crecer, es necesario que la semilla muera.

This film is a metaphor for who we are, for where we come from. A secret held in the abyss. To read the message – through fear and prejudice, from imitation to communion, from meditation to movement. Dance to the horizon – from points of no return.

The irony of our metamorphosis – in order to grow, the seed must die.

Che-toi es una obra de música visual que vincula a la cultura francesa y argentina a través del uso de palabras monosilábicas como che, no, toi, moi, temp, etc. Por otro lado, se perciben citas de obras del Barroco Francés y del tango Argentino, y además, instrumentos como el bandoneón y el acordeón.

Che-toi is visual music work inspired in the French and Argentinian culture. This is represented with the use of monosyllabic words like che, no, toi, moi, temp, etc. Moreover, there are quotes and fragments of French Baroque music and Argentinian tango. There are also referential sounds of instruments such as bandoneon and accordion which interact with more abstract materials.

Este es un proyecto de cortometraje basado en las pinturas de David Hockney del período de 1965-1972. La película también trata sus teorías sobre el conocimiento secreto de nuestros antiguos maestros de su libro de 2001, 2006. Redescubriendo las Técnicas Perdidas de los Antiguos Maestros.

This is a short film project based on paintings by David Hockney in the period 1965-1972. The film lso touches his theories on the secret knowledge of our old masters from his book in 2001, 2006. Rediscovering the Lost Techniques of the Old Masters.

Intervalos y duración. El tiempo como un indicador sistemático de la existencia. El hombre como un sujeto intrínseco y cambiante, la ausencia de su trayectoria y representación intuitiva. Paso del tiempo segmentado como una proyección reflejada de la simetría personal hacia el futuro. Estructuras arquitectónicas en tres emplazamientos. Empleando localicalizaciones y sus respectivas construcciones y signos como herramientas cinematográficas, se ha establecido un nuevo estado ritual.

Intervals and duration. Time as a systemic indicator of existence. Man as an intrinsic and altering subject, the absence of its trajectory and intuitive representation. Staged passage of time as a mirrored projection of personal symmetry into the future. Architectural structures in three sites. By employing locations and their respective constructs and signs as cinematographic tools, a state of ritualistic space is established.

No es lo que soy por dentro lo que me define, sino lo que hago.

It is not what I am within but what I do that defines me.

KU, The Void es una experiencia audiovisual inmersiva usando tecnología científica hackeada como medio artístico. Las visuales analógicas producidas por un oscilógrafo, que genera luz a partir de campos electromagnéticos desviando haces de electrones. Estas imágenes cálidas y orgánicas son transformadas mediante visión computerizada en movimiento en datos en tiempo real en movimiento para guiar un sistema de sonido. La audiencia es invitada a sumergirse en las intrincadas capas del paisaje sonoro y en las texturas visuales orgánicas que exploran la luz en su forma más pura.

KU, The Void is an immersive audiovisual experience, using hacked scientific technology as an artistic medium. The analog visuals derive from an oscillograph,  and are transformed via computer vision into real – time motion data to drive a generative sound system. KU is an ongoing study focusing on light as its pure being. Using Oscilloscopes, KU shapes and transforms light into its own unique existence, without coupling with external objects. Unlike the ordinary AV performances, KU lets teh complex and organic moving pictures drive through sound generation. This approach sculpts the music and allows it to evolve seamlessly with the images.

Este corto fue grabado con una cámara sin espejo (Panasonic GH4) en un estudio y luego fue editado con FInal Cut Pro. Explora la ansiedad vivida en los sueños. Es tanto un reflejo de la condición previa societaria, como de la condición contextual variable. El miedo a perder algo en un sueño ha sido ya discutido y estudiado por la teoría psicoanalítica y por prácticas cinematográficas como las de David Lynch. Al haber degradado South African Rand a ‘Estatus de basura’, la relación entre la economía, el monopolio capital blanco y las relaciones de comercio internacional, se ha vuelto ‘evidencia de’ y factor contribuyente a la ansiedad social. La experiencia de esta ansiedad se muestra perfectamente con la historia que una amiga mía me contó sobre su viaje a Rusia, donde ella no paraba de despertarse con miedo de haber perdido su pasaporte sudafricano (el cual siempre tenía que llevar encima). Es este ambiente general de vigilancia y paranoia con el que el corto se relaciona. “El inspector era un gran mecenas de las artes y la industria, pero sobre todo amaba los billetes. ‘No hay nada mejor que los billetes’ solía decir. ‘No necesitan ser alimentados, ocupan muy poco espacio y caben perfectamente en el bolsillo. Además no se rompen si se te caen’ (La Nariz, Nikolai Gogol: 1836; 58)”.

This short film was shot on a mirrorless camera (panasonic GH4) in a studio and then edited on Final Cut Pro. It explores anxiety experienced in dreams. It is both a reflection of a societal precondition as well as a contextual variable condition. The fear of losing something in a dream has been widely discussed and investigated in psychoanalytical theory and in filmic practices such as those of David Lynch. With the downgrade of the South African Rand to ‘Junk Status’ the relationship between the economy, white monopoly capital and international trade relations; is evidence of, and a contributing factor to social anxiety. This experience of anxiety is epitomized by a story which my friend told me of her trip to Russia, where she kept waking up in fear that she had lost her South African passport, which she was required to carry on her at all times. It is this general atmosphere of surveillance and state paranoia which this film engages. «The Inspector was a great patron of the arts and industry, but most of all he loved government banknotes. ‘There’s nothing finer than banknotes,’ he used to say. ‘They don’t need feeding, take up very little room and slip nicely into the pocket. And they don’t break if you drop them» (The Nose by Nikolai Gogol: 1836; 58).

Desconozco de dónde procede la génesis del pensamiento, tan solo ocurre y es capaz de enlazar los sucesos vividos, y por ende grabados, con sensaciones del momento. En la misma línea de pensamiento que expresa Bill Viola cuando dice que “el grabar es como el ver y el editar como el pensar” así coloco mi cámara en el lugar y el momento decidido porque hay una intuición que engloba a todos esos momentos y que responde a un interés interior que puedo sentir latente.

I do not know where the thinking genesis come from, it just happens and it is able to link lived events, and hence recorded, with moment’s sensations. In the same thinking line in which Bill Viola says “recording is like to look at and editing is like to think” so I place my camera in the space and momento decided because there is a intuition that include whole those moments and it responds to a inner interest that I can feel latent.

The Hum, o también «Taos Hum», se refiere al sonido zumbante de baja frecuencia que es percibido por algunas personas en la Tierra desde los años 50. Su origen desconocido es la base para muchas teorías conspiranoicas. El video THE HUM usa esta señal, junto con otras de también origen desconocido (archivos de audio encontrados en Internet), para la base de la banda sonora. Las imágenes se construyeron a partir de fotografías de larga exposición de luces nocturnas. Al final, las dos pistas se juntan en una cacofonía de lo desconocido.

«The Hum», or even «Taos Hum», refers to a low-frequency humming noise that is perceived by some people anywhere on Earth since the 1950s. His unknown origin is the basis for numerous conspiracy theories. The video THE HUM uses this signal, as well as others of unknown origin (audio files found on the Internet) for the basis of the soundtrack. The imagery was built from long-exposure photographs of nocturnal light sources. Both tracks are finally brought together into a cacophony of the unknown.

Este vídeo es parte de mi tesis doctoral, basada en un proyecto artístico titulado ‘Silencio, serenidad, vacío – invita, incita, llama. Un cuadro como frame de película’ en el que hay tres lienzos que se corresponden con tres vídeos. Los lienzos se doblan con el movimiento de las imágenes, las cuales son las animaciones proyectadas en ellos. La historia entera transcurre en un único lugar: una especie de camino en un bosque oscuro. La oscuridad, árboles meciéndose e insectos zumbando. La naturaleza cambia lentamente guiada por su propio ritmo. Podemos ver lo que esta naturaleza nos ofrece: árboles, nubes, insectos, pájaros, el sol, la luna, cesped, polen, polvo, pero también algo más. La racionalidad desliza un poco de irracionalidad para hacernos discretamente el paisaje un poco más surrealista. El vídeo causa un sentimiento de inseguridad. La naturaleza se convierte en algo extraño y aterrador. Podemos sentir que no estamos solos…

This video is a part of my PhD thesis which is based on an artistic project entitled “Silence, serenity, emptiness – invites, entices, calls. A painting as a film frame”, which comprises three canvas paintings and three matching videos. The canvas paintings blend with the moving pictures, that is the animations projected on them. Whole story of this video happens in one place, a kind of a path in a dark forest. Darkness, swaying trees, buzzing insects. Nature changes slowly, led by its natural rhythm. We can see what nature offers to us: trees, clouds, insects, birds, sun, moon, grass, some pollen, dust, but also something more. The rationality creeps a little irrationality to discreetly make landscape a little more unreal. Video causes in us a feeling of insecurity. Nature becomes something strange and scary. We can feel that we are alone…

OVERLOAD es un video arte experimental, que consiste en cargar, mediante un adaptador USB, alimentos naturales importados en Europa, provenientes de Latinoamérica. La carga ejercida figura una instalación de proteínas, cualidades y nutritivos que se van desarrollando en el proceso del video, terminando en una instalación y actualización de temas actuales de carácter político, sociales, económicos, religiosos y culturales. El video dinamita la problemática migratoria, los modelos de identidad y la libertad de elección en una sociedad regida por convenciones sociales y consumistas. OVERLOAD  manipula y altera el tiempo de vida de las cosas, construyéndole una artificialidad a lo natural.

OVERLOAD is an experimental video art, which consists in reloading fruits and vegetables imported from Latin America, through a USB adapter. The charge in an installation of proteins, qualities and nutrients, ending in an installation and updating of current political, social, economic, religious and cultural themes. The video exposes the migratory problem, the models of identity and freedom of choice in a society governed by social conventions and consumption habits. OVERLOAD manipulates and alters the life-time of things, creating an artificiality of the natural.

«ШАГ» /shag/ es una palabra polisémica que en ruso significa mudanza, paso o movimiento hecho de un pie al otro.

«ШАГ» es una reapropiación de la violencia ejercida históricamente sobre nuestras subjetividades y sobre los ecosistemas que habitamos.

A partir de la performance, la intervención manual del código de las imágenes registradas y la instalación, elaboramos nuestra venganza.

«ШАГ» /shag/ is a polysemantic word that in Russian means , move, passing, or motion from one foot to another.

«ШАГ» reappropriates the historical violence against our subjectivities and the ecosystems we inhabit. From the performance, the recorded images code manual intervention and the installation, we elaborate our revenge.

Una línea desarrolla y marca su espacio circundante en busca de una estrategia de composición: se multiplica, se agranda, se extiende aumentando su tamaño hasta crear formas cada vez más complejas. Invade todo el espacio en torno a esforzarse por expandirse más, sin embargo, recorrerá todo el camino de regreso, forzado por un límite de representación, a su estado inicial simple y básico.

A line develops and marks its surrounding space in search of a composition strategy: it multiplies, enlarges, stretches increasing its size up to créate more and more complex shapes. It invades all the space around striving to expand further, yet it will go all the way back, forced by a representation limit, to its simple and basic initial state.

La institucionalización de nuestra cabeza, la enfermedad mental, las roturas de la imaginación, la esquizofrenia, realidad y fantasía, ciencia y ¿?? (inexperiencia), realidad y placer, inteligencia y emoción, todos vienen de traumas personales. Las experiencias que provienen de los traumas traen consigo ideas intrusivas. Las fuerzas ocultas de la inconsciencia se mezclan con experiencias traumáticas e incoherencias formando pensamientos extraños que aparecen durante el día y la noche.

La superposición entre el arte y el psicoanálisis implica el continuo enigma en cuanto a las diferencias y similitudes entre los pensamientos cotidianos. (Gilbert J. Rose)

Institutionalization inside of one’s head, mental illness, imagination splits, schizophrenic mind, reality/fantasy, science/at, reality / pleasure, and intellect/ emotion, all come from personal trauma. Unwelcome experiences from trauma have led me to having intrusive thoughts. The hidden forces of the unconscious blend with traumatic memories and incoherent mixtures from my subconscious mind, forming bizarre images, which appeared in my daydreams and night dreams.

The overlap between art and psychoanalysis involves the continuing puzzle as to the differences and similarities between everyday thoughts. (Gilbert J. Rose)

El gran arsénico es una metáfora visual sobre lo bastardo y lo maldito en la pintura sacra. El punto de partida es la temática de ‘Las tentaciones de San Antonio’ que fue utilizada por varios pintores de los siglos xv y xvi para la representación de espíritus violentos y depravados. Utilizando estos imaginarios, y muy especialmente la pintura con el mismo nombre del flamenco Peter Huys, estos elementos nos vienen al encuentro bajo múltiples morfologías a modo de un archivo de la imagen. Mezclando elementos preexistentes inspirados en las pinturas descritas junto con otros inéditos, la película nos muestra un recorrido a través del inconsciente de la memoria colectiva.

Le grand arsénique is a visual metaphor about the bastardy and the damned in the sacred painting. The starting point is the ‘Temptations of St Anthony’ an usual subject used by several painters during middle age and the centuries XV and XVI for the representation of violent and depraved spirits. Using these imaginaries and specifically the picture with the same name of the Flemish painter ‘Peter Huys’ these elements came to find us under multiple morphologies and in the way as an archive of images. Mixing some existing elements inspired in the mentioned paintings with original ones, this film shows us an itinerary through the unconscious of the collective memory.

Las primeras formas de vida en la Tierra han sido plantas, los organismos de clorofila son más grandes en nuestro planeta y son una fuente importante de alimento porque es la base de nuestra cadena alimentaria. Esta omnipresencia del componente verde impone al órgano visual humano y animal, más fino que los primordios, distinguir en particular los diferentes tonos de verde para tener mejores posibilidades de supervivencia, depredación y selección dietética de alimentos. Elegí este color, para las formas 3d abstractas generadas, para desencadenar un sentimiento primitivo, primordial, inconsciente en el observador. Una secuencia de sonidos granularizados (creados con Ableton Live) activa un cambio continuo de forma de un objeto 3d, este objeto se alimenta de audio. La representación 3D se crea en tiempo real sincronizando Max Msp (con la biblioteca de vídeo Jitter) con Live Ableton a través del protocolo Midi y la síntesis de audio FFT.

The first life forms on Earth have been plants. Chlorophyllis organisms are the bigger on our planet and are an important source of food because it is the basis of our food chain. This omnipresence of the green component imposes on the human and animal visual organ, finer than primordi, to distinguish in particular the different shades of green in order to have better chances of survival, predation, and dietary selection of foods. I chose this color, for the abstract 3d shapes generated, to trigger a primal, primordial, unconscious feeling in the observer. A sequence of granularized sounds (created with Ableton Live) activates a continuous change of shape of a 3d object, this object feeds on audio. 3D rendering is created in real time by synchronizing Max Msp (with Jitter video library) with Live Ableton via Midi protocol and FFT audio synthesis.

El video «Puerta Número 9» muestra las evoluciones en el espacio de una figura hipnótica y esencial, en el alambre de un sonido de fondo que parece originarse de ámbitos metafísicos omnipresentes. La piel o envoltura que la envuelve está totalmente cubierta por la marca comercial difundida en todo el mundo de Bayer; La figura, cuya piel cambia y cambia de color, se enciende con resplandores y transparencias, permitiendo a intervalos una vislumbre de la musculatura subyacente. Desaparece y reaparece en el vacío, moviéndose y agitando en movimientos sinuosos ya veces imposibles; El único elemento que lleva es un par de gafas redondas. En las oraciones auditivas resuenan, repitiéndose, extraídas de la famosa pieza experimental «Revolution 9», fusionadas con otros fragmentos; Uno puede oír: «… a la puerta … número 9 … te desnudas …» o «te vuelves humano».

The video «Gate Number 9» shows the evolutions in the space of a hypnotic and essential figure, on the wire of a background sound that seems to originate from ubiquitous metaphysical ambits . The skin or sheath that wraps her is totally covered by the worldwide diffused Bayer’s trademark ; the figure, whose skin mutates and changes colors, lights up with glows and transparencies, allowing at intervals a glimpse on the underlying musculature. She disappears and reappears in the void, moving and waving in sinuous and sometimes impossible movements; the only element that she wears is a pair of round glasses. In the audio sentences resound, repeating themselves, extracted from the famous experimental piece «Revolution 9», merged with other fragments; one can hear: «… at gate…number 9…you became naked …» or «you become human».

El movimiento es lo opuesto al silencio, que es la diferencia entre cualquier movimiento y otro, y es una escena cuando está en silencio. Grabar un momento determinado ignorando lo que sucede antes de él, descuidando lo que sucede después de él. Si la escena se movió, mostrará otro tiempo fuera de su momento grabado; para ser, gracias al movimiento, una nueva composición de una escena silenciosa.

Motion is the opposite of silence which is the difference between any motion and other and it is one scene when it is silence. Recording a certain moment missing what’s before it, neglecting what is after it. If the scene moved it will show another timing away from its recorded moment; to become thanks to the motion a new composition of a silent scene.

Ver viene antes que las palabras […] La relación entre lo que vemos y lo que sabemos nunca se resuelve». John Berger, Ways of Seeing.

En el ámbito de la progresión de la tecnología y la capacidad de editar y compartir secuencias a diario, la imagen pierde el valor que tenía o se transformó en un nuevo material para la edición y la intervención artística. ¿La imagen ahora ganó un nuevo valor que no tiene conexión con la realidad? ¿Su papel se convirtió en comprometerse con el mito, como una forma de representar la visión de quien lo capturó y editó? ¿Son estos mitos significativos? ¿Las personas comprometidas se dan cuenta de que no tiene ninguna relación con la realidad? ¿O simplemente estamos en un círculo vicioso que profundiza en la imaginación y la alucinación?

“Seeing comes before words […] The relation between what we see and what we know is never settled.” John Berger, Ways of Seeing.

In the realm of technology progression and the ability to edit and share footage on a daily basis, does the image lose the value it had or did it transform to a new material for editing and artistic intervention. Did the image now gain a new value that has no connection to reality? Did its role became to engage with myth, as a way to represent the vision of the one who captured and edited it? Are these myths meaningful? Do the engaged people realize that it doesn’t have any relation to reality? Or are we just in a vicious circle that goes deeper in imagination and hallucination?

Dos mundos, dos espacios o fronteras, estos títulos nos traen el mismo concepto sobre el cambio entre ambientes.

Two worlds, two spaces or cross borders – these titles bring us to the same concept about shifting between environments.

La existencia de alguien o algo significa que ha sido producido a lo largo de un proceso bien diseñado, donde se combinan tres estéticas. La primera llamada “flow” o ser inconscientemente. La segunda es “Rhythm” o asegurar la longevidad del producto respetando la rutina preestablecida y la última, “contrast” o seguir una serie de métodos, términos y órdenes así como luchar competitivamente por unos estándares.

Existing of something/someone means that it has been produced through a very well designed process that combined three aesthetics. First one is called (flow) or to unconsciously be. The second is (Rhythm), or to ensure the product’s longevity, please abide by its preset daily routine. Third is (Contrast) following a set of methods, terms and orders as well as competitively fighting for the standards.

Un hombre atrapado en el limbo del absurdo y visiones proyectadas al azar, que parecen conducidas por un transmutador de formas que ha hackeado su inteligencia mental y emocional.

A man trapped in a limbo of absurd and randomly projected visions that seem to be driven by an obscure shapeshifter who has hacked into his mental and emotional intelligence.

Parece que necesito un bailarín profesional

Parece que necesito un bailarín

Parece que necesito

Parece que 

Parece

Seems like I am in a need for a professional dancer

Seems like I am in a need for a dancer

Seems like I am in a need for

Seems like I am in

Seems like I am

Seems

Una falsa investigación sobre los escritos indescifrables de las paredes, que están basados en hipótesis objetivas y subjetivas.

A fake Investigation about non-understandable wall writings; which based on objective and subjective hypotheses.

‘Deforestación’ plantea la actual pérdida de masa forestal desde la perspectiva digital, situando la problemática también en el plano virtual. Partiendo de una estética informatizada propia de las capturas 3D a base de una nube de puntos, tres videos recogen diferentes paisajes ficticios que nunca han existido en el plano físico. Esta representación que parte de la ficción implica una lectura que trasciende lo material y nos sitúa en una realidad virtual, donde la naturaleza se nos muestra desde lo meramente visual, a modo espectral. Así los árboles quedan ‘salvados/guardados’ de su posible deforestación.

‘Deforestation’ poses the current loss of forest mass from the digital perspective, placing the problem also in the virtual plane. Starting with a computerized aesthetic of 3D captures based on a cloud of points, three videos collect different fictitious landscapes that have never existed on the physical plane. This representation that starts from the fiction implies a reading that transcends the material and places us in a virtual reality, where the nature is shown to us from the merely visual, in spectral way. Thus the trees are ‘saved / saved’ from their possible deforestation.

¿Qué queremos decir con «realidad»? La realidad es lo que nuestras ideas hacen de ella. La red de nuestras ideas se extiende desde nuestros cuerpos y percepciones de la misma  manera en que una araña hace girar su red y luego construye gradualmente el mundo y el universo. No podemos imaginarnos cómo es posible el universo sin la actividad de nuestra conciencia. Al tratar la «autoconciencia» como el punto de partida, comenzamos a observar y aprender cosas relacionadas con nosotros, que es la forma en que se construye el mundo. Nuestra conciencia se extiende hasta donde puede llegar nuestra visión. Se aplica al mundo natural así como a nuestro mundo interior. Nuestros cuerpos, junto con el mundo en el que vivimos, es una enorme pantalla de proyección de la conciencia.

El proyecto CEP (Collective Emotional Perception) engloba una serie de instalaciones que ofrecen a los visitantes una experiencia audiovisual diferente, donde su involucración, sus movimientos corporales y sus emociones modifican y regeneran constantemente la pieza audiovisual proyectada. De esta manera, la exhibición se configura en torno a los visitantes, que son los productores de formas e imágenes a través de un invisible sistema de sensores que mide la respuesta colectiva de los espectadores ante el espacio expositivo.

La videoinstalación pasa a ser un lienzo, un soporte sobre el que interactuar, operar y construir imágenes con la información complementaria que se obtiene de los sensores que monitorizan la posición de los espectadores, su involucración/atención, sus expresiones faciales (sonrisa, ceño fruncido y/o emociones sorpresa, felicidad, miedo) para finalmente generar, en una pieza audiovisual, una proyección única que depende de esta interacción en tiempo real. Así, los espectadores son los artistas que realizan y alimentan con su gestualidad la obra de arte. El principio de Incertidumbre dice que no es posible medir dos variables físicas relacionadas con total precisión. Las propias leyes de la física obligan a elegir como observador. El hecho de observar modula e influye en el resultado. “Realidades Observables”, el subtítulo de la instalación, toma este concepto de la Física Cuántica para definir el resultado medible de una realidad observada. Esta idea nos ha servido para subvertir medidas y construir un entramado de algoritmos que reaccionan con el público visitante.

Partiendo de una proyección-lienzo o video de fondo para intervenir como hilo conductor de la videoinstalación, se navega a través de 4 escenarios inspirados en los cuatro elementos de la tradición alquímica (agua, tierra, fuego y aire), mostrándose mundos cuya multi-dimensionalidad no puede ser medida, ya que no es conocida por la Ciencia. Perturbar aleatoriamente lo que ves para descubrir, desvelar y re-inventar las formas de representación de un mundo oculto nos ayudará a dar un paso para imaginar nuevos universos con otras dimensiones de la realidad observable.