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ANGELINA VOSKOPOULOS (Grecia)
2008 / 2’23”

Yo podría decir que existe un espacio vacío hasta que nos sumergimos en él. Cuando eso sucede, su significado abstracto termina. Se convierte en un espacio lleno de experiencias. Todo lo que se necesita es un buen estado de ánimo, el amor, sonidos, colores, líneas y niveles para dejar nacer las palabras. En otras palabras, aquellos elementos que pueden dar un «espacio vacío» a su atributo.

Yo creo que el significado del espacio vacío es el material «invisible» que existe entre las masas visibles de estructuras.

El espacio vacío tiene el potencial para cualquier cosa que exista en el mismo.

Existe este vacío entre la sustancia como el espacio, entre los sonidos como el silencio, entre las experiencias como deseo y entre las relaciones como elipse.

Creo que la esencia de determinar el vacío no es simple wether algo está lleno o vacío, o negativo, o positive.Most de thr veces el vacío se llena con algo más .Es un vacío que no hace falta de nociones o contenidos sino que tiene muchas versiones y posibilidades.

Por otra parte, el vacío no es lo que llamamos «vacío». Es mínima, original, cambiante, fluido, la fuente de la creatividad y el espacio donde todo es posible. La base de eveything. Por ejemplo, en la vida cotidiana, que llamamos un vaso vacío cuando no contenga líquido, pero nos olvidamos de que en realidad nunca está vacío, ya que está lleno de aire.

En el vídeo «botón», «tensión» es el elemento, que llena y da al espacio vacío su atributo.

Por lo tanto, cuando «tensión» no está presente, las cosas empiezan aclarando en lo que es completo y lo que está vacía. De esa manera, lleno y vacío son dos significados que no son más mezclados.

AUSIN SAINZ (España)
2015 / 6’02”

Durero fue el primer artista que introdujo el autorretrato como un elemento definitorio de su arte, utilizando la técnica más moderna de su momento. Hoy en día los autorretratos se han popularizado gracias a las imágenes digitales. En este vídeo me autorretrato emulando un autorretrato de juventud de Durero en donde aparece como novio con la flor de cardo entre sus dedos, símbolo alemán de fidelidad. Surgió a raíz del comunicado que le hizo llegar su padre cuando él se encontraba formándose fuera de Alemania, en el que confirmaba su com-promiso con una joven rica. Esa fidelidad duro poco tiempo, ya que rápido surgieron las pri-meras desavenencias conyugares. Este hecho lo comparo con la fidelidad a la que nos some-temos hoy en día. Nuestra lucha diaria por conseguir una estabilidad a costa de lo que sea, dentro de un mundo globalizado.

RASH AMIN (Egipto)
2015 / 2’39”

Yo no podía creer que estaba totalmente muerta .. tal vez estoy en entre la vida y la muerte .. tal vez es una muerte temporal en el que, mientras yo voy a pasar mis vacaciones en esta vida, nadando fuera de mi yo interior en una luz sin un sol después de una siesta que se siente como un despertar, y el despertar que se siente como una siesta ..

ADRIAN FLURY (Suiza)
2014 / 4’40”

Buscando componentes múltiples imágenes digitales del mismo lugar desde diferentes archivos, este experimento en el cine hace uso de fotograma a fotograma montados para descubrir las formas ocultas, patrones y referencias dando así un nuevo significado a la redundancia predominante de estas fotos.

JUAN CARLOS SANCHEZ DUQUE (España)
2015 / 7’35”

Tres elementos, casi en exclusividad, integran, a lo largo de siete secuencias, este video: las sillas, casi siempre vacías, como lugar donde poder sentarse para hablar con un interlocutor; el hormigón que da forma a las paredes y techos de los espacios (no-lugares) donde conversar y que a penas dan cabida a ventanas o huecos hacia el exterior; y la luz como símbolo para iluminar u ocultar.

Es este un ensayo sobre lugares reales-ficticios donde quizás podría tener lugar el proceso comunicativo, pero donde el sentimiento es más bien de lo contrario, son no-lugares donde la comunicación se rompió – o puede que jamás la hubiese habido – por culpa de los demás o por imposibilidad interna debida al egoísmo, al egocentrismo o a ideas preconcebidas.

? (Brasil)
2015 / 3’14”

Mundial de 2014 en Brasil. En las televisiones se mostraban paisajes virtuales al unisono antes de la proyección de los partidos. El paisaje como oportunidad para el encuentro con la vida en su mutación discontinua.

ALESSANDRO AMADUCCI (Italia)
2013 / 5’38”

 Qué sueñan los ordenadores? Ellas hacen. Vivimos en una cueva llena de tecnología, y estamos rodeados por las sombras de los mundos que creamos, pero ahora también la tecnología es capaz de crear mundos, para ofrecer puntos de vista del mundo, y para cambiar el aspecto del mundo. Queremos ser vigilados por la tecnología, queremos ver el interior de la tecnología. Entonces, ¿qué pasa cuando nuestra imaginación y nuestro sistema de imágenes chocan con las imágenes de la tecnología? Un desbordamiento de «modelos» y arquetipos, pero también algo nuevo: la unión de los sueños y de la ciencia, de natural y artificial, de pasados ??y futuros tiempos

AGNIESZKA EWA BRAUN (Polonia)
2013 / 3’28”

Es película estaba basada en mi propia obra de arte espacial – una instalación multimedia (Mejor Pregrado Diploma 2012 del ASP en Wroclaw) llamado «marco de referencia». La película utiliza la misma base conceptual como la instalación antes mencionada. Se alude al motivo de la evanescencia, se muestra el uso de dos construcciones contra el que se están exhibiendo caracteres peinando el pelo largo (yuxtaposición de la juventud y la vejez – una conexión entre generaciones y la genética, de mi abuela y la mía). Los pasajes de cortina como imitando el pelo natural, sirven aquí también como un elemento interactivo y permiten al espectador a emprender un viaje en el tiempo simbólico. El motivo del pelo dijo como una historia sobre la evanescencia se refiere a los procesos biológicos y contextos mitológicos, específicamente el mito de Thanatos – Sacerdote de los Muertos, que utilizaron un cuchillo de oro para cortar el pelo por lo tanto traer la muerte sobre las personas, así como las figuras clásicas de las Parcas, que hacen girar el hilo de la vida humana – no muy diferente de las cuerdas de poliéster utilizados en esta instalación.

MATTHEW SCHOEN (Canadá)
2015 / 9’41”

Vehícles es el vídeo y el trabajo de sonido en el que una estructura imaginada se revela desde sus componentes más pequeños a las entidades más grandes y más complejas que lo componen. La música que acompaña y sonido reforzar una narrativa que van desde un lugar de intimidad a una inmensidad de crecimiento, mientras que haciendo eco del contenido visual del vídeo. Este trabajo se inspira libremente del ensayo Vehícles escritos por cibernético italo-austriaca Valentino Braitenberg.

Con este trabajo he querido inspirarse en el mundo mecánico que nos rodea, mientras que restar de estos mecanismos y máquinas ningún uso funcional que puedan tener, de manera que sólo su valor estético permanece. Esta amalgama de vigas, cables, pistones y engranajes sugiere algún tipo de función útil, pero todo lo que queda es, en realidad, sólo una estructura metálica grande solo en un espacio infinito, carente de cualquier propósito.

Este trabajo se realizó utilizando el software de renderizado 3D Cinema 4D. Toda la estructura fue modelado, texturizado y animada por el artista usando herramientas nativas de este software.

DAZ DISLEY & FENIA KOTSOPOULOU (Reino Unido)
2014 / 9’15”

«solo en una multitud; distante, separado de los demás, algo en común, sin saber qué;. límites de cruce, girando el espacio Usted está aquí, y estoy aquí Aquí pero no aquí en todo al mismo tiempo.».

«HERE BUT NOT HERE AT ALL AT THE SAME TIME» es una cámara lenta experimental, hendidura exploración definitiva, la exploración de la identidad, presencia y ausencia, en un contexto de peatones.

La hendidura-scan y la estructura narrativa no convencional que subyace a la orden y la manera en que se presenta la «historia» tienen como objetivo desafiar la vista y la perspectiva tradicional del espectador.

Nuestro trabajo se ocupa de la resonancia latente entre el cuerpo y el espacio, y la cuestión de la propia imagen y la identidad en el contexto de las realidades temporales liminares. Capturamos reacción psíquica al espacio a través del sitio presente composición específica para la cámara, en marcha con soporte de procesamiento sensible y post producción para revelar una profundidad oculta: realidades del pasado, el presente, desconocida e invisible y para permitir al espectador a experimentar y participar con la obra sin que le obligó a seguir una narración.

PAU PASCUAL GALBIS (México)
2014 / 6’14”

Ik’pulan vaichil con la música dark electrónica de Nikka, es un trabajo inspirado en los ‘Ik’al, -mitos procedentes de la etnia maya tzotzil de Chiapas (México)- que se definen como unos espectros oscuros antropomorfos con rasgos de ave negra que atacan a la gente en las pesadillas, a parte también de secuestrar a las mujeres. Estos seres negros se convertirán más tarde a la llegada del catolicismo en diablos perversos y malignos, llamados pukuj. Según relata la antropóloga Calixta G. Holmes cuando algún individuo de un pueblo tzotzil sueña o tiene alguna pesadilla el wayjel -alma animalsale de su cuerpo a vagar, pero cuando tampoco esta presente su otra alma chu’lel -la eterna-, a veces es atacada por un espectro oscuro ‘ik’al o por sus efectos negativos como son los celos, la envidia o el odio-, provocando según dependiendo de los casos: ansiedades, depresiones, enfermedades e incluso la muerte a la víctima.

En relación al vídeo, Ik’pulan vaichil, el mestizaje étnicocultural de la gallina, la danza improvisada y los golpes con las herramientas efectuadas por las actrices, estructuran sinestésicamente el vídeo musical experimental e invierten a su vez el mito del ‘ik’al masculino al femenino. Por último decir que esta producción en síntesis interpreta artísticamente los signos interculturales del espectro negativo del ‘ik’al y de su vinculación con el deseo, mediante un léxico híbrido del vídeo musical experimental contemporáneo.

PU SHUAI CHENG (Taiwan)
2015 / 4’04”

Es el ritmo de vídeo basado en estructuras dobles, en primer lugar, la figura de pelo largo en mi mente simplemente emergentes y apuñala a la figura en un espacio oscuro estallar la apertura de la historia de salir. La historia es muy corta se habla de la forma nuestra mente complicada. Especialmente, el contenido incluye tanto el pensamiento inquietante y cuenta principal. Las dos figuras están luchando, mezcla, mutando en el video. Ambos representan las desorden y el orden líneas de pensamiento. En segundo lugar, el público podría pensar el video es un circuito corto de cada tres la misma sección, pero en realidad hay algunos detalles que contienen pequeñas diferencias en el bucle. El episodio ilustra que nuestra mente no es pura, no son más que un pensamiento en nuestra mente de forma simultánea.

MARTIN SCHULTE (Alemania)
2015 / 4’00”

«Zeitstrudel» es un trabajo entre el arte y la ciencia. Captura el movimiento en nuestro mundo circundante y se congela en una imagen fija permanente, lentamente auto-desarrollo. Es el movimiento-análisis y la pintura abstracta ir y por los seres humanos, los animales y las cosas siendo movidos por fuerzas externas.

SONIA LAURA ARMANIACO (Italia)
2015 / 2’48”

Una de las causas de la dislexia está relacionado con el procesamiento visual – aquí es la visión de golpear el ojo que no está buscando.

RROSE PRESENT (España)
2015 / 4’47”

Serie:  Dispositivos de la información
Concepto: En esta serie trabajo con democráticos  dispositivos de la información y la imagen como  medio comunicacional en donde habitamos en la representación representándonos. Uso cámaras de fotos no profesionales, cámaras de teléfonos móviles y de tablets  en donde juego con los registros , los defectos, sus ruidos , texturas para realizar un juego plástico subjetivo y convertirlo así en una nueva mirada de autor como marca en la “isla d edición”.

Tempesta a “Les Fonts” d’una memòria (Tormenta en las fuentes de una memoria)
Recién instalada en el pueblo, en donde nació mi madre, sin Wifi ni TV. Como único entretenimiento tenia la contemplación de los arboles a la puerta de mi casa.
Una noche viví el espectáculo que me ofrecía la naturaleza con los fuegos artificiales de una tormenta. Así que filme mi primera tormenta en “Les Fonts” (las fuentes) con todos los dispositivos que tenia “a mano”: móvil, table, y cámara de fotos no profesional…
Editando las texturas de las imágenes que me ofrecían las distintas imágenes y sonidos para crear un ritmo visual y auditivo.
Como si los relámpagos de la tormenta permitieran sacar, de la obscura noche del olvido, los fantasmas de la memoria de mis orígenes. O como si, por unos instantes, volvieran al presente en deconstruidas instantáneas que el tiempo hizo perder toda su claridad y nitidez originales.

SANDRINE DEUMIER & PHILIPPE LAMY (Francia)
2015 / 14’ 51”

Alter ego y sus ambigüedades. La cuestión de la doble en el aliso de la multiplicación de la identidad establecida por nuestro comportamiento digital. «GogatsuByo» – el lugar del ego como zona estirable.

JAI DU (Bélgica)
2015 / 5’22”

Este video performance hace referencia al poder de los símbolos (arquetipos) que a su vez son formas geométricas y, por tanto, números. Estos símbolos, como bien explicó C.G. Jung, han dominado nuestras vidas desde el origen porque son parte de nuestro inconsciente colectivo y han determinado lo que es bello o bueno y lo que es feo o malo. Así, las religiones y los gobiernos los han utilizado a lo largo de toda la historia para crear efectos resonantes que manipulen la conciencia de la sociedad. Esto significa que fuertes o extrañas experiencias físicas pueden resultar en estéticas e interesantes experiencias (imágenes) sólo porque siguen potentes y heredados patrones y símbolos.

La artista se muestra también interesada en producir una diferencia en un espacio con el que espectador se sienta familiar y la idea de que una performance podría producirse en un espacio sacado de contexto obteniendo todo su potencial teatral.

ANA MARCOS (España)
2012 / 5’06”

“Melocotón” es originalmente una historia de una colección de relatos extraños de Pu Songling de la dinastía Qing y esta animación es un fragmento de la narración acerca de la aventura y el deseo.

Acerca de Wu Junyong:nacido en la provincia de Fujian en 1978. En 2000 se graduó de la Academia China de Arte en Hangzhou con un BFA en Grabado. En 2005 obtuvo su licenciatura en New Media Arts en la misma escuela. Además de ser un artista profesional, Wu también enseña en la Escuela de InterMedia Arte de la Academia China de Arte. Vive y trabaja en Hangzhou. Desde 2002, Wu ha estado exhibiendo ampliamente en su país y en el extranjero. Sus recientes exposiciones colectivas incluyen: Fuck Off 2, Groninger Museum, Netherlands (2013); ON | OFF: ARTISTAS JÓVENES DE CHINA EN CONCEPTO Y PRÁCTICA, The Ullens Center for Contemporary Art (2013); Novena Bienal de Shanghai, Shanghai Museo de Arte Contemporáneo (2012);La Primera Exposición “CAFAM · Futuro”, Museo de Arte CAFA (2012); Festival de Cine de Animación 15a Holanda (2012);HECHO EN TIERRA POP, Museo Nacional de Arte Contemporáneo, Corea (2010); Adiós al postcolonialismo, La Tercera Guangzhouo Trienal, Guangdong Museo de Arte (2008).

PATXI ARAUJO (España)
2015 / 8’54”

Variations#(Tribute to Giordano) es un conjunto indeterminado de sesiones de interacción del autor con una entidad software, en donde la imagen y el sonido proyectados son producto de la actividad de un sistema de partículas sometido a fuerzas de atracción y repulsión. La naturaleza descorporeizada y abstracta de este sistema, al ser manipulada, alumbra distintas configuraciones/ constelaciones, cuyo tempo y forma, se encuentran marcados por el mutuo contagio de procesos generativos internos y las decisiones del intérprete.

En ese dialogo humano-máquina, en ese tiempo detenido y en constante movimiento, en esa virtualidad extrañamente real, Tribute to Giordano especula con el límite poco probable entre una dimensión espiritual y otra puramente tecnológica.

JEAN MICHEL ROLLAND (Francia)
2014 / 4’27”

«Desaceleración # 1» es el primero de una serie de videos experimentales dedicadas a la dilatación del tiempo, en el cruce de un obstáculo por tres caballos de carreras se ralentiza hasta el extremo. Como la desaceleración aumenta, el espacio-tiempo se interrumpe y los elementos, ya que su masa crece, pierde su apariencia habitual antes de estrellarse en un agujero negro metafórico.

FERNANDO GARCÍA MALMIERCA (España)
2015 / 5’36”

Se trata de un ensayo videográfico sobre el estudio del cuerpo en la pintura en la cultura de preguerra  y guerra en el contexto de la segunda Guerra Mundial. Basándose en la tradición Grecorromana, los cuerpos están desnudos en ese ámbito natural sintiéndose dueños de sí mismos y del espacio que ocupan, esta utopía de vuelta al Origen es redundante en todas las culturas, la mitología se repite y no se repara en medios para alcanzar el inexistente Paraíso perdido. Estos artistas impusieron un ideal deportivo individual, pero sobre todo social, es decir la idea de cuerpo sano y bello además de los valores tradicionales de familia. Intentan representar el desnudo humano con naturalidad, basándose en una supuesta ingenuidad popular, donde desaparece el pudor estableciendo la recreación del mito griego mezclado con el imaginario colectivo de la mujer virtuosa del mundo rural, creando el modelo de “Venus campesina”. La utopía de la ingenuidad ancestral, de ambiente rural y con principios asentados en un costumbrismo tópico es algo común en creación de un sentimiento político que ensalza lo propio frente a lo ajeno y que se da en distintas latitudes y e imperialismos a lo largo del tiempo.

ADRIAN REGNIER CHAVEZ (México)
2014 / 4’40”

Hay tal cosa como un instante distendido hacia el tiempo de lo eterno. Nace cuando el tiempo muere. Indiscernible en su comienzo o final, U. muestra una Tierra suspendida en un limbo total. Cuando la fisión y fusión nucleares convierten tiempo, cosmos, energía y masa. Cuando lo hacen en un absoluto de amor, de nube, de todo. De Nada.

CLARA APARICIO (España)
2015 / 4’45”

Este video reflexiona sobre la importancia de las imágenes en la construcción del imaginario colectivo. Desde la iconografía cristiana hasta la actual sobresaturación de imágenes de la iconosfera y la manipulación mediática.

Basado en las pinturas que cubrían los muros de las iglesias románicas, y que servían para adoctrinar al fiel en una época en la que la mayoría de la gente no sabía leer, este video reflexiona sobre la interactividad y sobre la aparente libertad que tenemos hoy en día para elegir entre distintas posibilidades.

Las nuevas estrategias de marketing se basan en un contenido dinámico personalizado que pretende darnos la posibilidad de elegir y que aparentemente se adapta a nuestras necesidades, gustos, ideologías…

«Infinitos» productos, servicios, ideas… nos son ofrecidos para que elijamos «libremente» entre ellos. Pero todas estas posibilidades son finitas y han sido ya elegidas de antemano, definiendo así un espacio y estableciendo unos límites.

Las manos como símbolo de la capacidad de acción, aquí ya no sirven para crear, construir, luchar… sólo para seleccionar entre las numerosas opciones que les son ofrecidas. Todas flotan sobre la superficie de los muros pero ninguna sale del edificio para ver qué hay fuera.

MARTA AZPARREN (España)
2015 / 4’00”

Una pantalla que se divide en dos: de un lado, Salo o los 120 días de Sodoma, (Pier Paolo Pasolini, 1975); del otro, fragmentos de películas porno realizadas en la Alemania nazi* de finales de los años 40 para entretener a las élites militares. De la suma de ambas, una mirada inexorablemente cómplice de las formas de sumisión y perversión del poder aplicado a los cuerpos, a partir de una única y compartida unidad de imagen-tiempo, en una coincidencia de re-presentaciones surgidas con fines opuestos.
Violencia por violencia, en paralelo al ejercicio estético por sí mismo, como tentativa de aproximación al sadismo, al placer derivado de la crueldad inflingida en un otro.

* La selección de planos incluidos en Per-visiones pertenece a Der Fallersteller (Cazador con trampas), una de las llamadas películas de Sachsenwald, como se conocen los filmes pornográficos producidos en la Alemania nazi en alusión al lugar donde fueron rodados (una región alemana cercana a Hamburgo). Este film llegó a mis manos gracias a la intercesión de Thor Kunkel (escritor especializado en el tema), que medió para que el coleccionista que posee tres películas de esta serie me permitiese acceder a una copia en baja calidad para realizar la pieza.

Dichos filmes no han sido nunca exhibidos públicamente y, además, dadas las especiales características de estos fragmentos, los derechos de exhibición de Per-visiones se ven un tanto restringidos, ya que el coleccionista tiene un especial cuidado en que la pieza no se pueda exhibir o copiar y difundir en ámbitos relacionados con la pornografía.

ARNONT NONGYAO (Tailandia)
2014 / 6’ 55”

Toda cosa que siempre puede enlaces a racional y no-racional

JAMES ANDEAN & MAREK PLUCIENNIK (Finlandia)
2013 / 10′ 51″

«Cinema1» es un cortometraje construido a partir de una actuación en directo en el festival 2013 AAVE. Película de 16 mm, congelado en la proyección, se permite que la burbuja, se disuelven y se derriten, ofreciendo una meditación sobre la naturaleza efímera de los medios de comunicación al mismo tiempo que una pantalla inquietante de color, la textura y la desaparición de imágenes, haciendo hincapié en las cualidades táctiles de la película , no sólo como un recipiente para el contenido, sino como un medio material. Esto va acompañado de un paisaje sonoro en vivo que se construye a partir de fragmentos bucle de la rendimiento de la película.

Estas dos capas – la sonora y la visual – se combinan y reaccionan, para crear una hermosa experiencia única, de cambiar imágenes, escenas, colores y texturas, tanto desde la pantalla y altavoces.

ARASH MALAYERI (Irán)
2015 / 5’24”

Harmess de las redes sociales en los seres humanos contemporáneos. «Me temo que el día que la tecnología superará nuestra interacción humana. El mundo tendrá una generación de idiotas «- Albert Einstein

ALEXANDER SENKO (Rusia)
2012 / 5’01”

Las imágenes consta de los antecedentes y cifras.

Las cifras son creados por e interactúan con el fondo – las formas arquitectónicas del nuevo edificio de la Biblioteca de la Universidad Bauhaus (Weimar, Alemania).

La resíntesis de Fourier permite a cada objeto en movimiento para crear su propia banda de frecuencia.

El trabajo se realiza en el entorno de programación Pure Data en tiempo real y se puede mostrar ya sea como una película de vídeo o como un rendimiento en tiempo real.

ALBERT BAYONA (España)
2015 / 5’00”

Cosmonauta, composición digital tomada de la materia prima con cromo, tomada de los archivos de Internet bajo la licencia Creative Commons. El resultado es un vídeo que satiriza obras digitales.

Obras como los últimos proyectos, donde el autor recoge elementos de material, tomas falsas y material no utilizado que se mantiene bajo la licencia Creative Commons para producciones futuras, se edita con un claro deseo de reciclar los archivos que se han lanzado en la red, sin embargo, Bayona agrega en sus obras un nuevo sentido de la ironía, como en su obra Cosmonauta, rompiendo con los patrones establecidos y satirizando y los medios digitales actuales.

ELEONORA MANCA (Italia)
2015 / 1’14”

La sugerencia propuesta por el medusas Turritopsis dohrnii, potencialmente inmortal (se informó de que una «metamorfosis inversa», ya que es capaz de volver a la etapa de la anémona de mar, reviviendo hacia atrás cada etapa de su metamorfosis, para desarrollar de nuevo a las medusas) fue aquí elegido para poner de relieve que el ciclo de vida de cada ser. Al mismo tiempo, es compatible con una especie de «anhelo» para lo que estábamos a punto de conocer en nuestro «viaje». Por lo tanto, un camino de la metamorfosis, en el corazón de la energía de lo que íbamos a «convertirse».

CHRISTIAN ZANOTTO (Holanda)
2015 / 6’05”

es un video arte digital  concebido para serproyectado prácticamente infinitas veces en una secuencia de bucle, convirtiéndose en una especie de mecanismo hipnótico. En la profundidad de un espacio negro dos figuras destacan, gira, muta y rítmicamente pulso, uno al lado del otro: el vínculo entre ellos surge, arcano y silencio, testigos de un movimiento perpetuo, inexorable y absoluta, con la participación cosmos micro y macro juntos. A la izquierda una cabeza: un cráneo, que contiene a su vez el cerebro, cruzado y cerrado por una estructura de metal elegante, jaula enigmática; en la
derecha una figura humana, descompone inicialmente en sus partes componentes, unido a una máquina misteriosa, que transforma gradualmente e imperceptiblemente hasta convertirse ensamblado en su totalidad.
La obra de arte en escena una visión, en una esfera casi metafísico, relacionada con muchas temáticas, con el que el espectador se enfrenta a un nivel personal y psicológica; es una investigación y reflexión interior y complejo sobre las superestructuras de interpretación de la realidad y el recuerdo de ella, refiriéndose al espacio relacional más amplio construido por el pensamiento humano en la creación de su propia imagen interpretativa del mundo, el canal una percepción no lineal y pasivo, sino por medio de una imagen cambiando activamente, siguiendo la dinámica sofisticados y adaptaciones que también afectan a la percepción del cuerpo y su relacionan con el espacio. Apunta a las diferentes capas de la realidad y su naturaleza inefable, intelecto humano y las descomposiciones y recomposiciones continuos que opera, la metamorfosis del cuerpo, la mente y la memoria, la ciclicidad de tiempo y el infinito, la cultura que puede ser falsificado o, a su vez forma a la la conciencia.
El AKTOR trabajo – EL SOMBRERO SE ME desgaste (2015) consiste en la unión en convivencia paralelo en una obra de vídeo única de las dos secuencias el sombrero es ME (2014) y AKTOR (2014) llevaba. El cráneo y de la estructura de la jaula de las partes primera y el cuerpo y mecánicas de la segunda tanto derivan de la misma universo ubicuo en el que se abre una vista Zanotto; aquí interactúan creando nueva complejidad de los contenidos derivados de su relación.
(Texto de Sonia Arata, 2015)

KRISTINA FRANK & MERVI KEKARIANEN (Suecia)
2015 /9’ 18”

2Rabbits hace una visita a la civilización humana.
El paisaje es surrealista y mágico, con su estela de explotación y la destrucción despiadada.
Están abiertos a lo que ven, y sin condenar parecer como si supieran que la complejidad de la vida.

ALBERT MERINO (España)
2014 / 6’00”

‘Walking Pillows’ nos ofrece un paisaje poblado con personajes anónimos, capaces de jugar con significados transhistóricos, como los esqueletos y el mar. La sangre es verde y el velo es azul: un mar, un cielo, una casa y un encierro. ‘Walking Pillows’ se entrega a la mirada de un espectador que debe hilar su final. Imágenes sin palabras escuchadas y diálogos con silencios entre objetos.
Como una reminiscencia lejana del relato de ‘La casa tomada’ vemos la aparición de unos extraños seres provenientes del mar que poco a poco van apropiándose de todo el espacio. Del mar pasan al interior, y del interior al recuerdo…

Zhang Lehua ???
vídeo
2012 / 11′ 27″

Cortometraje para la educación artística, para enseñar a la gente cómo hacer la tradicional forma de arte china llamada Facebook y las maneras de verla de un modo interactivo.

Acerca de Zhang Lehua: Nacido en 1985 en Shanghai, en 2004 se licencia en la Escuela de Arte de Hua Shan, en 2008 se licencia en la Academia de Arte de China en el Departamento de Arte de los Nuevos Medio.Vive y trabaja en Shanghai. Sus obras expresan siempre cierta vaguedad sobre el papel de uno mismo en la cultura local real, vaguedad que es excitada por la percepción de tener un cuerpo. Le interesa mostrar el choque oculto detrás de la vaguedad, que espera que se ve armonioso y serio, como el predicar, pero que a su vez tienen enredo y una burla de sí mismo.

Zhou Ming ??

instalación animación, color
2013 / 5’38 »

Al igual que un verso posmoderno, la instalación animación revela una sensación de vacío infinito e inefable en el espacio espiritual simbolizado.

Acerca de Zhou Ming: nacido en 1978 en Harbin, recibió su licenciatura en pintura al óleo del Fine Art College de la Universidad de Shanghai. Actualmente vive y trabaja en Shanghai como artista independiente. En los últimos años, sus obras han sido ampliamente exhibidas en diferentes países y abarcan desde la pintura hasta la performance, la animación y la instalación. En sus primeras obras recurrió a la performance como elemento dinámico y mostró un gran interés por todo tipo de happenings relacionados a la actuación. Como resultado, su pintura, fotografía, performance e instalaciones transmitían una sensación de incertidumbre. Motivado por la pasión para explorar la falta de control afín a inciertos elementos de la performance, comenzó a combinar en su práctica en el 2008 la animación y la instalación. Los diversos símbolos metafóricos creados en la animación ocuparon el lugar de la propia realidad, en referencia al dilema de «auto-desilusión» y la reflexión en términos sociales. Las extrañas y simbólicas imágenes y una trama un tanto ilógica fueron imbuidas en la instalación, dando la sensación de que las personas estuviesen buscando a un psiquiatra que estaba diseccionando un cerebro humano, revelando la crueldad y la rareza existentes en el mundo invisible.